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Art et peinture

Apprenez des maîtres au musée des beaux-arts de l'Utah

Je viens de rentrer de Salt Lake City, en Utah. Cam, ma chérie prenait un atelier là-bas et je suis partie pour la balade sans y être allée. L'une de mes activités préférées lorsque je visite une nouvelle ville est de visiter les galeries d'art locales, en particulier les institutions publiques. Je suis toujours inspirée et rafraîchie sur le plan artistique en apprenant quelque chose de nouveau des maîtres, donc je voulais découvrir ce que cette ville avait à offrir!

J'ai découvert deux galeries publiques – l'Utah Museum of Contemporary Art et l'Utah Museum of Fine Arts (UMFA). Les deux étaient fabuleux. Conformément à l'idée d'apprendre des maîtres, je veux partager quelques morceaux de l'UMFA et comment ils se rapportent aux idées dont je parle souvent. Bien qu'aucun ne soit pastel, il y a beaucoup à apprendre d'eux!

Regardons d'abord ce magnifique Corot. Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875) était admiré par de nombreux artistes dont Claude Monet et Edgar Degas. Cette peinture n'a été réalisée que quelques années avant sa mort.

Apprenez des maîtres: Jean-Baptiste-Camille Corot,
Jean-Baptiste-Camille Corot, «Souvenir des environs de Boissy-Saint-Leger», ca. 1872, huile sur toile, 14 5/8 x 24 1/2 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA copie

Corot n'était pas connu pour ses couleurs. Il préférait plutôt se concentrer sur les tons (ou les valeurs). Vous pouvez le voir clairement ici, surtout quand on regarde la peinture en noir et blanc. De grandes formes claires de valeurs sombres, moyennes et claires constituent la majeure partie de la peinture. Les chiffres sont la seule zone décomposée en formes plus petites avec les trois valeurs présentes. Ils s'équilibrent et contrastent avec la grande forme sombre intéressante créée par l'arbre et les buissons à droite et à gauche, et les vastes formes moyennes et claires de la terre et du ciel.

Apprenez des maîtres: Jean-Baptiste-Camille Corot,
Jean-Baptiste-Camille Corot, «Souvenir des Environs de Boissy-Saint-Léger», ca. 1872, huile sur toile, 14 5/8 x 24 1/2 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA – en noir et blanc

J'adore la perspective atmosphérique de cette pièce. Regardez le gros plan ci-dessous, comment Corot a brouillé l'horizon pour qu'il n'y ait pas de bord dur. L'atmosphère lointaine de gris-violet donne au premier plan un aspect positivement vert!

Apprenez des maîtres: Jean-Baptiste-Camille Corot,
Jean-Baptiste-Camille Corot, «Souvenir des Environs de Boissy-Saint-Léger», ca. 1872, huile sur toile, 14 5/8 x 24 1/2 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA – détail de l'horizon

Nous savons qu'il y a deux personnages dans le tableau, et ils ressemblent à des femmes. Mais en y regardant de plus près, vous pouvez voir que Corot ne donne que la moindre indication, juste assez pour faire lire notre cerveau: deux figures, une femme avec une assise. Cela montre que nous n'avons pas besoin d'être aussi détaillés que nous le pensons! Et j'aime cette petite touche de rouge et un peu de jaune sur la silhouette assise. Juste assez pour attirer notre attention sur elle.

Jean-Baptiste-Camille Corot,
Jean-Baptiste-Camille Corot, «Souvenir des Environs de Boissy-Saint-Léger», ca. 1872, huile sur toile, 14 5/8 x 24 1/2 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA – détail des figures

J'ai choisi cette pièce suivante comme un bon exemple de l'avantage d'utiliser une couleur de faible intensité pour soutenir et même exagérer la plus petite quantité de couleur plus lumineuse. C'est ce qui se passe après le coucher du soleil – nous n'avons plus de source lumineuse pour éclairer les objets afin de refléter la couleur dans nos yeux. Au lieu de cela, nous nous retrouvons avec une couleur désaturée. Le ciel et les nuages ​​deviennent la seule source de lumière et la couleur que nous pouvons facilement voir et cela est si bien illustré dans ce petit tableau.

Soit dit en passant, je n'avais pas entendu parler de cet artiste – Gutzon Borglum (1867-1941) – mais quand je l'ai recherché, j'ai trouvé qu'il était avant tout un sculpteur (ce qui rend cette petite peinture encore plus douce!) Et en effet, il était le sculpteur du Mémorial National du Mont Rushmore !!

Jetez un oeil à la peinture.

Apprenez des maîtres: Gutzon Borglum,
Gutzon Borglum, «Tard dans la soirée», ca. 1900-1930, huile sur toile sur masonite, 13 1/4 x 9 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA.

Il est intéressant de constater une impression de couleur car, à y regarder de plus près, la seule vraie couleur vient du jaune à l'horizon et du rouge-violet dans la colline lointaine. Tout le reste est de couleur assez terne – des verts et des bruns grisés et un ciel supérieur plutôt grisâtre.

Jetez un œil à ce détail. Vous pouvez voir le vert très foncé et les bruns par rapport à la couleur au-delà. Pouvez-vous voir comment même le rouge-violet qui semble brillant, lorsqu'il est isolé, semble en fait assez gris. Levez vos mains et retirez toutes les autres parties et voyez ce qui se passe.

Apprenez des maîtres: Gutzon Borglum,
Gutzon Borglum, «Tard dans la soirée», ca. 1900-1930, huile sur toile sur masonite, 13 1/4 x 9 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA – détail d'une colline lointaine.

Juste pour le plaisir (et oui, je réalise que ce n'est pas de l'huile pastel) regardons en détail comment il peint les branches d'arbres nues. En voyant cela, je pense qu'il est possible de recréer l'effet au pastel.

Gutzon Borglum, «Tard dans la soirée», ca. 1900-1930, huile sur toile sur masonite, 13 1/4 x 9 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA – détail de branches d'arbres contre le ciel.

Passons maintenant à deux portraits. Je veux vous montrer comment chaque artiste a utilisé l'éclairage (valeurs!) Pour révéler les choses les plus importantes.

On pourrait s'attendre à ce que le visage lui-même soit éclairé mais dans ce premier tableau de John Singleton Copley (1738-1815), on retrouve le sujet détourné de la lumière, de profil. Au lieu de cela, la robe avec garniture en fourrure et décoration dorée est illuminée, révélant sans aucun doute son statut de parlementaire. Je trouve cela intéressant, car plus d'attention a été accordée aux vêtements de la gardienne qu'à son visage. Certaines fouilles ont révélé que ce portrait a été créé sur spécification par Copley et il semble donc que ce soit une façon de tenter de faire appel à la vanité de John Ward. Et pour montrer son talent de peintre!

Apprenez des maîtres: John Singleton Copley,
John Singleton Copley, «Portrait of John Ward, Second Viscount Dudley and Ward», 1778-1781, huile sur toile, 50 11/16 x 46 3/8 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, États-Unis

Cette peinture dramatique est divisée en quatre triangles créés par deux lignes diagonales traversant la peinture d'un coin à l'autre. Les triangles supérieurs et inférieurs sont principalement sombres, ils fondent vraiment le portrait. Les deux autres triangles, de chaque côté, sont plus lumineux. Celui de gauche montre la tête et les robes de la gardienne tandis que le triangle de droite contient une colonne et une partie d'un jardin avec des roses qui conduisent notre regard vers un document vers lequel pointe Ward. Remarquez aussi, la petite éclaboussure de lumière frappant le brassard en dentelle sur la main pointée. Tout est très calculé pour attirer nos yeux et notre attention, autour de la toile!

Jetez un œil à la peinture en noir et blanc…

John Singleton Copley,
John Singleton Copley, «Portrait of John Ward, Second Viscount Dudley and Ward», 1778-1781, huile sur toile, 50 11/16 x 46 3/8 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA – en noir et blanc

Regardons la tête avec la partie supérieure des robes. C’est toujours fascinant pour moi de voir comment un artiste crée l’effet de la lumière, par exemple, sur la garniture dorée, d’autant plus qu’elle contraste avec la douceur veloutée du rouge et les textures subtiles de la fourrure.

John Singleton Copley,
John Singleton Copley, «Portrait of John Ward, Second Viscount Dudley and Ward», 1778-1781, huile sur toile, 50 11/16 x 46 3/8 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, États-Unis. Détail de la tête avec des robes.

Et que diriez-vous de regarder comment Copley a peint les roses, la nature sauvage, empiétant sur le territoire créé par l'homme illustré par la perfection des colonnes. J'adore la façon dont il apporte une attention subtile au doigt pointé en utilisant le contraste – le doigt est plus sombre que l'arrière-plan.

John Singleton Copley,
John Singleton Copley, «Portrait of John Ward, Second Viscount Dudley and Ward», 1778-1781, huile sur toile, 50 11/16 x 46 3/8 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, États-Unis. Détail des roses et de la main.

Regardons un portrait de plus. Celui-ci est de Henry Raeburn (1756-1823). Sa simplicité contraste fortement avec la pièce Copley. Il s'agit du visage et du personnage derrière. Regarde.

Apprenez des maîtres: Henry Raeburn,
Henry Raeburn, «Portrait of Captain William Tytler», huile sur toile, ca.1810, 30 x 25 1/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA

Bien que j'aie été exposé à son travail, c'était la première fois que j'étais face à face avec un vrai Raeburn en direct. J'étais fasciné par ce portrait et j'y revenais sans cesse. Le visage et la cravate sont embrasés de lumière, le reste de la toile supportant ces parties. L'arrière-plan est très simple avec seulement des changements de valeur minimes pour créer une lueur derrière la figure. Il y a quelques détails dans la veste comme vous le verrez en gros plan ci-dessous mais juste juste assez pour nous donner une idée des vêtements. Je continue d'être attiré par ces yeux. Qui est l'homme derrière eux? Comment était-il en tant que personne?

Jetez un œil au portrait en noir et blanc. Vous pouvez voir à quel point la cravate est illuminée!

Apprenez des maîtres: Henry Raeburn,
Henry Raeburn, «Portrait of Captain William Tytler», huile sur toile, ca.1810, 30 x 25 1/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. En noir et blanc.

Et maintenant pour un aperçu détaillé de la cravate. Vous pouvez voir combien de coups de pinceau Raeburn avait l'habitude d'exprimer si parfaitement les vêtements de la gardienne. Il a un look très contemporain tu ne crois pas?

Apprenez des maîtres: Henry Raeburn,
Henry Raeburn, «Portrait of Captain William Tytler», huile sur toile, ca.1810, 30 x 25 1/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. Détail de la cravate.

Et puis il y a la veste…

Henry Raeburn,
Henry Raeburn, «Portrait of Captain William Tytler», huile sur toile, ca.1810, 30 x 25 1/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. Détail de la veste. J'ai un peu surexposé la photo pour que vous puissiez lire les indications subtiles du tissu et des boutons.

Et je ne pouvais pas quitter ce portrait sans vous montrer un gros plan du visage. Regardez la façon dont le côté gauche du nez se glisse dans la joue avec la même valeur et la même température. Vous voyez à quel point la représentation est simple? Pourtant si puissant. Et puis il y a les cheveux ébouriffés et ils font de l'ombre sur le visage, presque inaperçus.

Soupir.

Henry Raeburn,
Henry Raeburn, «Portrait of Captain William Tytler», huile sur toile, ca.1810, 30 x 25 1/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. Détail du visage.

Il y avait une exposition temporaire d'estampes japonaises pendant que j'étais au musée. De magnifiques pièces! Je vais en inclure un ici. Je l'utilise pour illustrer la clarté de trois grandes formes de valeurs sombres, moyennes et claires et la dominance d'une valeur – ici, l'obscurité. Vous verrez également qu'en utilisant le contraste de la taille – la petite forme de valeur moyenne dans l'obscurité – ainsi que les lignes verticales des arbres, l'artiste attire notre regard vers la petite figure sur la route.

Jetez un œil à l'estampe de Kawase Hasui (1883-1957) en couleur puis en noir et blanc.

Kawase Hasui,
Kawase Hasui, «The Nikkō Road», 1930, gravure sur bois; encre et couleur sur papier, environ 14 5/16 x 9 1/2 in. (Je me fie aux mesures d'une autre estampe.) Je ne sais pas à qui appartient la gravure mais l'exposition a été organisée par le Minneapolis Institute of Art, ETATS-UNIS.
Apprenez des maîtres: Kawase Hasui,
Kawase Hasui, «The Nikkō Road», 1930, gravure sur bois; encre et couleur sur papier, environ 14 5/16 x 9 1/2 po. En noir et blanc.

J'en ai une de plus pour toi. (J'en avais en fait environ six de plus, mais le temps et l'espace étaient réduits….)

C’est un tableau du peintre hollandais Pieter Cosyn (1630 – 1667?), Un artiste sur lequel je n’ai quasiment pas trouvé d’informations et donc aucun lien.

L'une des choses que j'ai adorées dans ce tableau a été, à y regarder de près, la découverte du sous-dessin original pour indiquer l'emplacement des nuages. Je parle souvent de combien je me réjouis de pouvoir voir une indication restante du processus d’un artiste révélé dans la peinture finie. Je ne pense pas qu'il soit nécessaire de couvrir tout votre processus de création.

Il y a aussi quelques lignes pâles qui semblent indiquer où une cheminée peut avoir été prévue à l'origine. Ces traces, celles qui révèlent une altération, sont appelées pentimenti (pluriel de pentimento).

Jetons d'abord un œil à l'ensemble du tableau.

Apprenez des maîtres: Pieter Cosyn,
Pieter Cosyn, «A View of Leiden», milieu du 17e siècle, huile sur panneau, 17 7/8 x 24 15/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA.

Vous pouvez voir comment la nature domine l'image et pourtant il y a un sens aigu des structures artificielles ayant leur place dans le paysage plat – les églises et les moulins à vent au loin, et, de plus près, la grande résidence nichée à gauche de la peinture. Deux personnages discutent au premier plan. Nous voyons une clôture brisée puis à l'extrême droite, à quoi ressemble une silhouette couchée – quelqu'un se reposant peut-être?

L'artiste utilise un contraste de valeur pour attirer notre attention sur tous ces points – l'arbre est sombre contre le ciel clair, tout comme les silhouettes des clochers et des pales des moulins à vent. Les figures font partie du premier plan clair et s'avancent dans l'étendue sombre au-delà. Obscurité contre lumière et lumière contre obscurité, une sorte de clair-obscur. Jetez un œil à la peinture en noir et blanc:

Pieter Cosyn,
Pieter Cosyn, «A View of Leiden», milieu du 17e siècle, huile sur panneau, 17 7/8 x 24 15/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. En noir et blanc

Vous pouvez voir comment la ligne diagonale des nuages ​​dirige notre regard vers les bâtiments s'élevant au-dessus de l'horizon. La clôture brisée répète les montants des clochers et conduit notre œil dans la lumière et vers les deux figures. De là, nous nous connectons avec la maison à gauche d'où nous nous déplaçons pour enquêter sur les arbres.

Jetez maintenant un œil à un gros plan de la résidence. Pouvez-vous voir où une cheminée aurait pu être planifiée? C'est un dessin très faible sur le côté gauche du toit, à gauche de la cheminée.

Pieter Cosyn,
Pieter Cosyn, «A View of Leiden», milieu du 17e siècle, huile sur panneau, 17 7/8 x 24 15/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. Détail de la maison.

Et maintenant pour les nuages. Recherchez la ligne dynamique sous les nuages!

Pieter Cosyn,
Pieter Cosyn, «A View of Leiden», milieu du 17e siècle, huile sur panneau, 17 7/8 x 24 15/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. Détail des nuages.

Et voici encore un détail. C’est un regard attentif sur la simplicité des figures, les oiseaux qui montent dans le ciel, les bâtiments éloignés. Curieusement, il ressemble presque aux initiales P C dans la clôture. Est-ce que tu le vois? Qu'est-ce que tu penses?

Pieter Cosyn,
Pieter Cosyn, «A View of Leiden», milieu du 17e siècle, huile sur panneau, 17 7/8 x 24 15/16 in, Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, USA. Détail de figures et de bâtiments éloignés.

Voilà donc six des NOMBREUX tableaux que j'ai vus au Musée des beaux-arts de l'Utah à Salt Lake City. J'espère qu'en partageant les points que j'ai, vous apprendrez des maîtres!

Faites-moi savoir quelle est la seule chose que vous avez apprise ou qui vous a aidé à aha moment. Veuillez également partager quelque chose vous remarqué dans l'une de ces peintures. J'aime toujours que votre voix s'ajoute à la plus grande conversation artistique !!

Jusqu'à la prochaine fois,

~ Gail

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