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Art et peinture

Comment 10 aquarellistes suivent leur bonheur

Par Jessica Canterbury

Vous cherchez une inspiration aquarelle? Ces créations ont tout compris "Suivez votre bonheur". Prendre dans leurs œuvres inspirées et leurs processus artistiques sert de réveil créatif pour le reste d'entre nous. Prendre plaisir!

Tim Oliver

Pays de la vache (aquarelle sur papier, 14 × 20) par Tim Oliver

«Je suis architecte paysagiste depuis 30 ans dans l’ouest du Texas et j’ai passé ma carrière à concevoir et à mettre en œuvre des espaces extérieurs pour l’utilisation et le plaisir de mes clients. Je pense que je suis attiré par le paysage naturel comme une évasion de l'environnement bâti.

«À quelques kilomètres à l'est de chez moi, les plaines se détachent brusquement de ce que nous appelons le caprock. En descendant dans le «pays caprock», vous passez des champs de coton plats des plaines au pays des ranchs et aux plaines vallonnées. Dans cette région, les bovins sont largement plus nombreux que les gens. Pays de la vache était ma tentative de capturer la sensation de cette zone: son vide, le bord du «cap» et le ciel orageux printanier. J'ai essayé de capturer les émotions de la scène et à mon tour en remuer un peu chez le spectateur.

Une feuille de route

«À partir de mes croquis, je recrée normalement un dessin beaucoup moins détaillé sur mon papier aquarelle comme carte routière de la peinture. Je peins en utilisant un procédé de stratification ou de glaçage, en commençant par une sous-couche légère et en progressant vers des couches successivement plus foncées. Cette méthode nécessite que j'utilise principalement des aquarelles transparentes. Toutes mes peintures sont de Daniel Smith et vivent dans ma palette de voyage Holbein 5 × 11 pouces. J'aime mélanger mes propres légumes verts, mais je garde la sève et le sous-marin à portée de main. De plus, j'utilise une teinte neutre lorsque j'ai besoin de griser une couleur rapidement et sans douleur. »

Tim Oliver

Qu'est-ce que disent les autres

«Les choix de Tim dans la manière dont il interprète ce qu’il voit et l’humeur qu’il inspire au spectateur sont un indicateur clair qu’il est un observateur à tout moment – ce qui n’est pas facile à apprendre. Son contrôle, sa retenue et son approche picturale, combinés à son empressement à faire avancer sa peinture, est quelque chose que j'apprécie énormément. – Iain Stewart

En savoir plus sur Tim Oliver et voir plus de son travail sur timoliverart.com


Dorothy Lee

Chagrin (collage aquarelle sur papier, 16 × 12) par Dorothy Lee

«Je me suis toujours intéressé au visage et à la figure humains comme moyen d’explorer différents thèmes et idées. Mes portraits représentent des immigrés et toute la richesse et la complexité des histoires qu'ils apportent avec eux. Afin de surmonter la limitation de la représentation d'un objet tridimensionnel dans un espace bidimensionnel, j'utilise des couches consécutives de texture variée, chacune ajoutant de la profondeur et du contexte à l'œuvre.

Un «Eurêka!» Moment

"J'ai commencé Chagrin comme une aquarelle ordinaire. Au fur et à mesure que je progressais, j'ai ajouté un collage pour créer une image plus significative – une image qui révélait des sentiments et des images d'une expérience passée. Pour éviter que les images du collage ne submergent le portrait à l'aquarelle, j'ai superposé du papier de riz dessus pour le repousser. J'ai également décidé d'unir les éléments du collage dans le portrait en en ajoutant au visage. Cette peinture a été mon moment «Eureka!». L'ajout des éléments de collage a été une nouvelle expérience pour moi. J'ai senti que c'était une correspondance idéale avec mon style et mon sujet. Depuis, j'ai intégré le collage et la superposition dans mon travail. »

Dorothy Lee

Qu'est-ce que disent les autres

«Dorothy crée des portraits réfléchis et audacieux de personnes de la région de Los Angeles. Elle utilise une accumulation tactile de collages spécifiques comme base de chaque portrait. – Katherine Chang Liu


Bonnie L. Catron

Outils rustiques (aquarelle sur papier, 15 × 24) Bonnie L. Catron

«Mon inspiration vient des textures imparfaites d'objets anciens, patinées par le temps et les éléments. Plus un objet a de corrosion, de rouille et de détails, mieux c'est.

Obtenir salé

«Je commence par photographier des objets sous plusieurs angles. Je regarde les formes, les contrastes, les valeurs et les textures de mes sujets, puis je décide quelle photographie a la composition la plus intéressante. Ensuite, je commence par dessiner, puis je peins les zones les plus sombres en plusieurs couches pour incorporer de la profondeur. Cela m'aide à décider du contraste et de la valeur pour les zones plus claires. Je laisse le papier blanc là où je veux mes zones les plus claires. Je crée l'illusion de rouille et de corrosion en appliquant du sel alors que la peinture est encore humide, ou en peignant humide sur sec pour créer l'apparence de ces surfaces et d'autres surfaces rugueuses.

Bonnie L. Catron

Qu'est-ce que disent les autres

«Inspirée par les formes contrastées et les aspects rustiques des outils, Bonnie est en mesure de réaliser sa texture caractéristique en mettant l'accent sur les ombres des objets superposés et en utilisant des techniques de mouillé sur mouillé, de brosse sèche, de pointillé et de sel. – Z.L.Feng

En savoir plus sur Bonnie L. Catron et voir plus de son travail sur Facebook.


Lynn Powers

Jake (aquarelle sur papier, 20 × 14) par Lynn Powers

«Je veux que mes aquarelles ressemblent à des aquarelles – délicates, sensibles et fortes. La peinture est une danse entre moi, le médium, le sujet et l'œuvre.

«J'expérimente les figures comme des colonnes d'énergie, se connectant et se mélangeant avec l'espace qui les entoure. Ensuite, je cherche des occasions à la fois de casser la forme et de la définir avec la lumière.

«Ensuite, j'étudie le sujet et j'essaie de comprendre précisément ce qui m'attire – en général, c'est la vie qu'un visage plus âgé représente, sans fioritures et naturelle. Si une palette de couleurs me vient à l’esprit, je prendrai note. Je veux aussi révéler le chemin de la lumière, indiquer les bords perdus importants et marquer les endroits où je veux dissoudre la forme, donc je fais quelques croquis miniatures.

«Mon dessin final doit être clair, solide et précis. Je projette l'image si une ressemblance exacte est importante, mais je préfère dessiner à main levée car, ce faisant, je me familiarise beaucoup plus avec mon sujet. Le dessin peut me prendre plusieurs jours, avec de nombreuses superpositions de papier calque. Je transfère mon dessin final à 140 ou 300 lb. papier pressé à chaud à l'aide d'une table lumineuse.

Lavé et blanc

«Une fois que je commence à peindre, j'ai tendance à peindre directement sur mes blancs, alors j'ai récemment ajouté une étape à mon processus: j'applique un très léger lavis sur tout sauf les zones que je veux rester blanches. Cela me rappelle d'éviter ces zones non peintes pour le reste du processus. Ensuite, je peins les zones que je pense être essentielles à la peinture, généralement les yeux. S'ils ne sont pas corrects, tout le reste est inutile. Mais en Jake, la barbe était la première. Je le voulais très fluide.

«Ensuite, je travaille autour du visage, en créant un trait du visage à la fois. Je passe aux entités adjacentes jusqu'à ce qu'elles aient terminé. Enfin, je me concentre sur les plaines du visage, j'ajoute des sombres crevasses et je m'assure que la lumière réfléchie est suffisante.

Lynn Powers

Qu'est-ce que disent les autres

«Lynn a un toucher doux avec ses portraits de personnes qu'elle trouve intéressantes. Ils sont à la fois colorés et étonnants dans leur simplicité. " – Hugh Greer

En savoir plus sur Lynn Powers et voir plus de son travail à lynnpowersart.com.


Eileen Sudzina

West Newton, Pennsylvanie (aquarelle sur YUPO, 20 × 26) par Eileen Sudzina

«En peignant, je me perds un moment et je suis libre de créer et de concevoir une œuvre lâche et spontanée sur YUPO. J'essaie de capturer juste l'essence de ce qui est en moi, peignant rapidement avec beaucoup d'énergie qui coule. J'aime qu'il se passe beaucoup de choses de près, mais que l'intégralité du travail montre que quelque chose existe aussi.

"West Newton, Pennsylvanie représente une scène familière d'une petite ville non loin de chez moi. La ville n'a que deux pâtés de maisons et les voies ferrées la traversent. La petite rivière attire souvent les kayakistes et les pêcheurs, et une piste cyclable longe. Je voulais capturer les signes, les poteaux téléphoniques et la profondeur, en les concevant avec la couleur, la forme et la ligne. Lorsque vous vous approchez de ce tableau, il y a beaucoup de motifs mais aucun détail réel.

Éclaboussures et éclaboussures

«Je peins debout avec ma surface verticale, horizontale, à l'envers, peu importe. En règle générale, j'éclabousse et éclabousse, essayant de mettre mes sentiments sur le papier. Je laisse la peinture faire son travail et laisse sa beauté se développer avec moi en l'aidant. Mes meilleures œuvres sont généralement peintes en moins d'une heure. Je suis rapide, énergique, spontané et très excité. "

Eileen Sudzina

Qu'est-ce que disent les autres

«J'ai rencontré Eileen en 2014 lorsque j'ai juré pour l'exposition de la Pittsburgh Watercolor Society. J'ai été époustouflé par sa peinture et je lui ai décerné la médaille d'argent. Son travail est à la fois magique, personnel, spontané et habile. – Donna Zagotta

En savoir plus sur Eileen Sudzina et voir plus de son travail sur eileensudzina-art.com


Judy Saltzman

Vent Cherokee (aquarelle sur papier, 30 × 42) par Judy Saltzman

«Mes résultats finaux sont meilleurs lorsque j’ai investi plus de planification dans la peinture. Cela commence sur le terrain lorsque je photographie des scènes qui me plaisent. Ensuite, je passe beaucoup de temps à manipuler numériquement des images à l'aide de plusieurs logiciels informatiques. Je peux facilement ajuster la lumière, le ton et la saturation en recherchant des zones où déposer des formes blanches de différentes tailles. Je cherche des moyens de connecter les couleurs afin de créer un équilibre. Les valeurs étant critiques, j'imprime et étudie souvent une copie en niveaux de gris. Ce n'est qu'une fois ce processus terminé que je dessinerai mon image sur papier.

Il pleut

«De manière générale, j'aime peindre des scènes qui évoquent le mouvement et engagent les émotions du spectateur. Dans Vent Cherokee, J'ai été inspiré par le mouvement puissant et sacré du danseur amérindien. En accord avec la fluidité, j'ai décidé de jouer avec le mouvement en versant l'arrière-plan et en laissant tomber de l'eau au hasard sur le papier.

«Je préfère utiliser de la peinture fraîche dès la sortie du tube, car cela me donne plus de contrôle sur la consistance. J'ai de la difficulté à maîtriser les greens et à éviter tous les pré-mélangés, à l'exception du green sous-marin de Daniel Smith. J'ai créé plusieurs de mes propres nuanciers avec toutes les combinaisons possibles et je les utilise pour guider mes efforts.

«Dans les ateliers précédents, j’ai été mis en garde contre les« couleurs boueuses »et on m’exhortait à n’utiliser que des peintures transparentes. Bien que ce fût un bon conseil pour cette période de mon développement, j’ai depuis décidé qu’il n’y avait pas de règles. Je recommande d'investir dans des vidéos et de les regarder souvent. Écoutez les conseils des autres, mais expérimentez certainement. »

Judy Saltzman

Qu'est-ce que disent les autres

«La capacité à simplifier m'a attiré vers le travail de Judy. Les formes sont des zones plates de belle couleur. La sensation de mouvement est un délice. – JeanGrastorf

En savoir plus sur Judy Saltzman et voir plus de son travail sur judysaltzman.com.


Everett Webber

Le jugement de Paris (aquarelle, mine de plomb, plume et encre sur papier, 22 × 30) par Everett Webber

«Ce tableau est issu de ma série intitulée« L'anatomie d'une série: se cacher à la vue », un ensemble d'œuvres figuratives dans lesquelles les individus sont cachés à des degrés divers, abstraits ou symbolisés, et sont souvent présentés au milieu d'une profusion d'images et de dessins tels que l'œil du spectateur doit parcourir le tableau pour les trouver. Les thèmes sont basés sur l'allégorie, l'anecdote, la mythologie, le surréalisme, le symbolisme, la fantaisie et les préoccupations personnelles. Le symbolisme, en particulier, a été utilisé dans la plupart de mes peintures récentes comme moyen de communication avec les spectateurs. J'utilise un œil tout-puissant et qui voit tout dans de nombreuses peintures comme une sorte de marque de fabrique.

«Plusieurs figures, soulignées pour la plupart par le blanc du papier, avec l'utilisation intensive de grilles multicolores dans une variété d'orientations sont présentées dans Le jugement de Paris. Ici, le symbolisme représente la guerre de Troie qui en résulte.

Faire vos recherches

«Chaque peinture implique une énorme quantité de pré-planification. Je fais le suivi de ma sélection d'un sujet ou d'un thème avec Internet et la recherche d'ouvrages de référence dans un souci d'exactitude et d'authenticité. Ensuite, je fais des études approfondies, y compris des croquis détaillés des problèmes possibles, et je les révise autant de fois que nécessaire. Je visualise en détail les couleurs à utiliser et les mets sur papier. Ce n'est qu'alors que je réalise un dessin au crayon détaillé et j'applique de la peinture. Je peux modifier ma conception et mon concept à tout moment jusqu'à la fin. En général, je bafoue et modifie fréquemment les règles sacrées de l'art conventionnel. J'utilise des aquarelles opaques et beaucoup de noir et blanc. »

Everett Webber

Qu'est-ce que disent les autres

«Everett est un artiste surréaliste, dont le contenu est souvent motivé par ce qu'il lit. Ses peintures réfléchies avec de merveilleux passages narratifs évoquent des merveilles et suscitent l'imagination des spectateurs. – Katherine Chang Liu


Jenny Medved

Cœur d'un héros (aquarelle sur papier, 20 × 16) par Jenny Medved

«En tant qu'artiste et illustratrice, je travaille dur pour développer des peintures qui parlent à moi-même et aux autres en capturant des moments simples dans le temps. Je m'efforce également d'enregistrer les belles personnes et cultures autour de nous qui pourraient un jour être perdues ou oubliées. Cela peut être n'importe qui, d'un Amérindien, ou d'un agriculteur qui travaille encore la terre, à un enfant déguisé en personnage de film emblématique. Nous avons tous une histoire à raconter et je consacre ma vie à regarder qui nous sommes, en tant que groupe ou qu’individu, et ce que nous avons à dire.

Présence et histoire

«Une partie de mon processus consiste à rechercher autant que je peux sur un sujet avant de commencer une peinture – dans ce cas, c'était mon plus jeune fils. Mon objectif n'est pas simplement de capturer une image sur papier; plutôt, à chaque coup et chaque lavage de couleur, je veux honorer la personne avec précision tout en gardant son image et sa présence vivantes.

«J'apprécie l'art de raconter des histoires et je veux que les gens dans mon travail vous montrent un aperçu de leur vie, la plupart du temps sans utiliser de toile de fond ou de scène. J'aime utiliser les gestes corporels, l'expression faciale et la couleur pour créer l'ambiance, tout en donnant au spectateur une chance de ressentir le moment et de combler les vides de ce que le sujet fait ou ressent, ce qui en fait une histoire personnelle pour tous ceux qui le regardent. "

Jenny Medved

Qu'est-ce que disent les autres

«Jenny a de très bonnes compétences en dessin et un dévouement à ses sujets. Les détails sont là, mais ils ne gênent jamais le message. » – Jean Grastorf

En savoir plus sur Jenny Medved et voir plus de son travail sur jennymedved.com.


Ryan Fox

Hein? AVANT JC. (aquarelle sur papier, 30 × 22) par Ryan Fox

«Ma curiosité à essayer différentes techniques – verser des aquarelles et peindre section par section – me motive. J'aime repousser mes limites artistiques. Cette peinture est basée sur mes photographies de voyage d'un voyage à Vancouver. J'ai été inspiré par l'architecture montante unique du lieu. Mes photographies ne sont cependant que des points de référence. Je laisse mon imagination et ma mémoire créer des couleurs et des détails. Mon objectif n'est pas de recréer la photographie, mais de peindre la mémoire d'un moment unique dans le temps.

«Ma plus grande peur était de retourner à la peinture après avoir été photographe pendant 13 ans. Il m'a fallu près de deux ans de lecture de magazines, de livres et de sites Web avant de m'asseoir et de commencer à peindre. Un an plus tard, j'ai suivi un atelier d'un aquarelliste bien connu (John Salminen). Au cours de l'atelier, nous avons discuté de la participation à des expositions nationales jurées afin de promouvoir votre travail. Trois ans plus tard, je me suis assis à côté du même peintre lors du dîner de remise des prix de l'American Watercolour Society, où nos deux tableaux ont reçu des prix. Ce fut l'une des plus belles nuits de ma vie. Entrer mon travail dans des émissions m'inspire pour essayer de nouvelles choses – pour créer un meilleur travail et m'améliorer continuellement. "

Ryan Fox

Qu'est-ce que disent les autres

«Je trouve que le travail de Ryan est exceptionnel à la fois en composition et en exécution. Sa confiance et son approche inventive de l'aquarelle sont uniques et surprenantes. Son utilisation audacieuse de la couleur et du ton, combinée à des coups de pinceau impressionnistes ou des passages soigneusement peints, laisse son travail difficile à définir. Je ne trouve pas cela dérangeant le moins du monde, mais plutôt le contraire; prise dans son ensemble, son œuvre est fraîche et pleine de vie. Cela parle de lui-même. – Iain Stewart

En savoir plus sur Ryan Fox et voir plus de son travail sur rfoxphoto.com.


Nancy E. Caldwell

Échanger des paniers à l'aube, Owens Valley, 1901 (aquarelle sur papier, 22 × 30) par Nancy E. Caldwell

«Je peins à partir d’un endroit que j’appelle« jouer au dessin »- c’est là que je vais quand je griffonne. Je me place dans chaque tableau et laisse libre cours à mon imagination.

«Lorsque je visualise une scène, je la dessine rapidement sur un carnet de croquis. Je recrée ensuite le dessin sur du papier de soie de la taille de ma pièce prévue. Ensuite, je couche une deuxième feuille de papier de soie sur la première feuille et je resserre le dessin, en ajoutant des détails et en faisant des ajustements mineurs. De temps en temps, je le ferai une troisième fois. J'utilise ensuite du papier transfert graphite et je le trace sur mon papier aquarelle. J'ai appris la technique du papier de soie et du transfert tout en étudiant pour devenir architecte paysagiste. Ce processus fonctionne parfaitement pour ma technique de conception.

«Mon plus grand défi a été d'avoir le courage de mettre mes griffonnages dans un tableau. Je pensais qu'ils seraient rejetés comme étant trop enfantins ou trop fantaisistes. Mon mentor Tom Fong m'a donné le meilleur conseil: «Pas de règles!» Le courage de surmonter mon défi est finalement venu lorsque j'assistais à un atelier Ratindra Das. J'ai été époustouflé parce que ses peintures ressemblaient à mes griffonnages.

"Échanger des paniers à l'aube, Owens Valley, 1901 a été inspiré par un rêve. Ce jour-là, en traversant la vallée d'Owens, je pensais à une personne merveilleuse qui, il y a quelques années, m'a offert un panier Paiute trouvé dans la vallée en 1901. Les deux se sont réunis dans mon rêve et le résultat a été la peinture."

Nancy Caldwell

Qu'est-ce que disent les autres

«J'apprécie la nature semi-abstraite du travail de Nancy, peint avec des lignes et des lavages rapides et excitants.» – Tom Fong

En savoir plus sur Nancy E. Caldwell et voir plus de son travail sur necaldwell.com.


Jessica Canterbury est ancienne rédactrice en chef de Artiste aquarelle, où cette histoire est apparue à l'origine.

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