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Art et peinture

Démo de capture de reflets dans une aquarelle transparente

Connue pour ses peintures de natures mortes très réalistes, Lana Privatera utilise des couches d'aquarelle transparente pour obtenir son look signature. Dans cette démonstration, elle montre comment elle crée de manière transparente un contraste élevé et des couleurs vives dans son travail. Pour en savoir plus sur l'approche de Privatera à l'aquarelle, ainsi que son retour audacieux à la peinture après 10 ans après un revers qui a changé sa vie, consultez le profil de la fonctionnalité dans le numéro de juillet / août 2020 de Artiste aquarelle.

Démo de Recycler par Lana Privitera

Peindre des reflets complexes avec des aquarelles n'est pas facile. Vous devez planifier vos couches et vous déplacez très soigneusement. Plus votre peinture est grande, plus il devient difficile de réaliser des transitions douces et propres de couleur et de valeur. Ce qui suit est une ventilation de mon processus.

Étape 1

Lorsque je planifie une nouvelle peinture, je prends un peu de temps à étudier mes photos de référence. Ils sont rarement parfaits en matière de composition, de couleurs ou de valeurs. La plupart du temps, je dois en ajouter ou en soustraire des éléments. Dans ce cas, j'ai senti que la photo de référence avait besoin de quelques éléments diagonaux. J'ai donc ajouté la cuillère du coin supérieur gauche avec l'autocollant orange, ainsi que la petite cuillère avec l'autocollant vert dans la zone inférieure. Ensuite, j'ai coupé la couleur de certains des autres autocollants et éliminé les autres.

Une fois convaincu que ma composition révisée fonctionnait bien, j'ai fait un croquis à main levée sur papier semi-transparent. Ensuite, je l'ai tracé sur mes Arches 140 lb. papier pressé à froid. J'ai utilisé des mélanges de Da Vinci cobalt blue, burnt siena deep et Winsor & Newton permanent rose pour créer différentes nuances de gris. Et j'ai ajouté la sienne crue Winsor & Newton pour les zones dorées, et la rose permanente et le bleu Winsor, seuls et combinés, pour les accents.

Étape 2

Cette peinture a un design très complexe. Par conséquent, j'ai commencé à placer mes ténèbres tout de suite pour aider à identifier clairement les formes. Cela m'a également aidé à juger de l'obscurité de mes valeurs de lumière et de mes valeurs moyennes. Ma palette se composait de mélanges humides sur humide de bleu de cobalt, de sienne brûlée et de rose permanente, et d'applications humides sur humides de terre de Sienne crue et de terre de Sienne brûlée.

Étape 3

Il est maintenant temps de décider quelles formes clés auront des couleurs plus froides ou plus chaudes. Pour créer du contraste et ajouter de la variété à la composition, j'ai utilisé les mêmes mélanges de couleurs qu'à l'étape précédente. Cependant, cette fois, j'ai ajouté moins de terre de Sienne brûlée dans le mélange pour les ustensiles argentés.

Étape 4

J'ai continué à peindre plus de formes d'ustensiles mais je ne les ai pas terminées à ce stade. Il est plus facile de modifier une forme ou une couleur ultérieurement si les valeurs sont toujours claires.

Étape 5

Une fois que les formes des ustensiles sont devenues plus distinctives, il était évident quelles formes sur ma photo de référence n'étaient plus nécessaires. Les éliminer était facile – le défi serait de remplir ces zones avec de nouveaux objets d'aspect réaliste. J'ai décidé de laisser ces zones problématiques seules et d'attendre que la peinture soit presque terminée pour les comprendre. En passant, j'ai appliqué une première couche de peinture rugueuse mais colorée sur la plupart des cuillères en utilisant du bleu de cobalt, du bleu Winsor, de la rose permanente, de la terre de Sienne brute et de la terre de Sienne brûlée.

Étape 6

J'évite toutes les couleurs opaques afin de garder mes couches aussi transparentes que possible. Pour aider à maintenir l'harmonie, j'ai continué à travailler avec les mêmes mélanges humides sur humide de bleu de cobalt, de terre de Sienne brûlée, de Sienne crue et de rose permanente. Pour plus de variété, j'ai présenté quelques bruns verdâtres étouffés intéressants, créés avec la terre de Sienne verte de Sennelier Hooker et Da Vinci brûlée en profondeur. Les accents bleu clair sont bleu Winsor.

Étape 7

Maintenant, j'essaie de visualiser clairement quelles formes et couleurs sont nécessaires dans les espaces vides restants. Je complète donc les motifs décoratifs des ustensiles et approfondis les valeurs à travers la composition. J'utilise un mélange foncé de bleu outremer et de terre de Sienne brûlée, appliqué en couches minces, pour créer les crevasses et les motifs des ustensiles.

Étape 8

Je compare ma photo de référence et une photo de ma peinture côte à côte sur mon écran d'ordinateur pour évaluer la plage de valeurs globale et repérer les éventuelles incohérences. Ensuite, je termine la majeure partie de la moitié supérieure de la peinture en appliquant une gamme complète de valeurs. Ensuite, je descends, en me concentrant sur le travail de détail dans la zone inférieure. Après cela, il était plus facile de comprendre quelles formes devaient être ajoutées dans les espaces vides.

Étape 9

Enfin, il est temps de ranger la photo de référence et de commencer à inventer, modifier et exagérer les couleurs, les ombres et les reflets! Je termine d'ajouter des formes dans les espaces vides, puis prends un peu de temps pour évaluer mon travail. Je me rends compte que des faits saillants étaient nécessaires ici et là. De plus, il fallait des ombres où certains ustensiles se chevauchaient, même si ces ombres n'apparaissaient pas sur ma photo. Il était évident que de nombreux bords devaient être adoucis. De plus, quelques rayures dans les cuillères les rendraient plus réalistes.

Je décide que les ustensiles bleutés ne s'harmonisent pas avec le reste des formes. Je tamponne donc un peu de terre de sienne crue dans certaines d'entre elles pour leur donner une lueur dorée. J'ai ensuite mis ma peinture de côté pendant plusieurs jours pour pouvoir y revenir d'un œil neuf. Cela m'aide toujours à être plus objectif sur une peinture et me permet de voir comment l'améliorer.

Étape 10

Après quelques jours loin de la peinture, je l'ai regardée de nouveau et j'ai rédigé une liste des incontournables. En suivant ma liste, j'approfondis les ombres, adoucis les reflets et ajoute plus de reflets et de couleurs partout. J'affine la plupart des bords pour leur donner un aspect moins dur et pour donner aux motifs décoratifs une valeur bien nécessaire. Enfin, j'harmonise davantage la peinture en ajoutant des reflets dorés supplémentaires à certains endroits stratégiques pour la compléter.

Recycler par Lana Privatera (29 x 21, aquarelle transparente sur papier fin Arches).

À propos de l'artiste

Lana Privitera est un membre emblématique de la National Watercolour Society, de la Northeast Watercolour Society, de la Philadelphia Watercolour Society et de la Central New York Watercolour Society. Elle est également membre de l'American Artist Professional League et membre élue de l'Audubon Artists, Inc. Elle est professeur d'art à la Wallkill River School of Art de Montgomery, NY, et dirige également des ateliers d'aquarelle réalistes aux États-Unis et à l'étranger. .

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