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Art et peinture

Dessin de nature morte: trouver un sens dans le fait de l'homme

Les dessins de nature morte de l'artiste géorgien John Rise racontent des histoires à la fois publiques et personnelles, révélant un artiste qui partage une profonde affinité avec ses matériaux.

argent (graphite, 30 x 40) par John Rise

Lorsqu'il s'agit de dessins d'objets de nature morte, parfois un bol n'est qu'un bol, un vase n'est qu'un vase et une poire n'est qu'une poire. Mais dans le travail de nombreux artistes, chaque objet a une signification en dehors de l'intérêt visuel qu'il procure – une signification qui peut être apparente à un spectateur perspicace ou qui ne peut être connue que de l'artiste.

John Rise, peintre et dessinateur de Savannah, en Géorgie, voit la nature morte comme une occasion d'explorer tout, des souvenirs personnels aux tragédies nationales. Dans ses grands dessins au graphite, tout a un sens – les objets eux-mêmes, leur disposition, et même de petits détails qui ne peuvent d'abord être lus que comme des marques parasites.

Montres (aquarelle, 30 x 22) par John Rise

Une fascination grandissante

Comme beaucoup d'artistes, Rise a d'abord abordé son sujet par nécessité pratique. Pendant de nombreuses années, il a travaillé dans l'industrie des matériaux d'art, la fabrication et la vente de chevalets et de barres de civière. L'entreprise a bien fonctionné, mais elle a consommé la plupart de son temps, et les séances en studio étaient peu nombreuses. «Je pensais que créer une entreprise me permettrait d'être artiste, mais c'était le contraire», dit-il.

Dessiner des paysages était terminé, car les affaires consommaient ses heures de jour. Les chiffres étaient sortis, car il ne pouvait pas programmer un modèle avec une quelconque régularité. «La meilleure chose à faire ensuite était de commencer à dessiner des objets, et je devais choisir des objets qui ne se gâteraient ni ne se dégraderaient», dit-il. "C'est donc ce que j'ai fait."

Il n'a pas fallu longtemps à Rise pour développer une profonde fascination pour le genre et son histoire. «Au fur et à mesure que mon entreprise se développait, cela m'a permis de voyager», déclare Rise. «La plupart de mes clients se trouvaient dans les grandes villes des côtes, et quand j'y étais, je consacrais toujours un peu de temps pour aller dans les musées et voir leurs collections de peintures. En regardant un grand tableau, je me retrouvais à regarder le coin d’une table ou les objets éparpillés sur le sol. J'ai vu cela comme étant plus intéressant que le reste de l'image. J'ai commencé à m'intéresser davantage à la nature morte et à admirer les maîtres néerlandais et espagnols. Le sujet est resté, avec plusieurs décennies de natures mortes à montrer.

Bobine (graphite, 40 x 30) par John Rise

Objets et intrigue

Les configurations de nature morte de Rise vont d'assortiments apparemment simples de quelques objets isolés, comme dans Bobine, pour élaborer des compilations. Il évite généralement les sujets de nature morte souvent utilisés et pittoresques – bouteilles en verre, bouilloires en cuivre, plateaux en argent – au profit d'outils, de machines et de morceaux de détritus artificiels moins glamour.

L'artiste admet une longue fascination pour l'apparence de tels objets. «Quand je fabriquais des chevalets, j'étais toujours autour de machines et de pièces industrielles», dit-il. «Et bien avant cela, j'allais dans des scieries avec mon père – avec de grosses machines fabriquées dans les années 1940. Il y a tellement de formes fascinantes à regarder. »

Information (graphite, 40 x 30) par John Rise

Histoires personnelles et universelles

De nombreux dessins de Rise utilisent un symbolisme privé pour raconter une histoire personnelle.

D'autres servent à explorer des récits universels. Parfois, un dessin fait les deux. Information, par exemple, a une origine autobiographique en même temps qu'elle documente un changement culturel plus large. Le dessin a été inspiré par le déménagement de l'artiste en 2005 à Savannah. Rise et sa femme, Karen, ont traversé le pays depuis le Nouveau-Mexique. À leur arrivée, ils ont dû appeler leur agent immobilier pour récupérer la clé de leur nouvelle maison. Mais comme aucun d'eux ne possédait de téléphone portable, ils se sont promenés sans succès dans leur nouvelle ville à la recherche d'un téléphone public. «Les téléphones publics avaient disparu du paysage, et je ne l’avais pas réalisé – je n’aurais jamais eu besoin de les utiliser», dit Rise. «J'ai pensé que je devais documenter ce changement culturel. Ces types de téléphones font partie de notre paysage. »

Rise a bricolé l'idée pendant plusieurs années, en réalisant divers croquis, avant de se lancer dans le projet complet. «Je voulais faire un dessin qui traite de toutes sortes d'informations», dit Rise. Les points focaux du dessin sont deux téléphones: un téléphone public acheté par Rise sur eBay et un vieux téléphone à cadran qu'il a sorti d'un placard. A ces derniers s'ajoutent d'autres objets représentant des modes de transport d'informations qui disparaissent rapidement: un journal, un annuaire téléphonique, une carte bien pliée. «Je suis resté fidèle aux choses avec lesquelles j'ai grandi», dit Rise. «Je ne pouvais pas me résoudre à mettre un téléphone portable; Je ne suis toujours pas à l'aise avec ça. "

Vol d'attente (graphite, 30 x 22) par John Rise

Publique et privée

Les graffitis visibles sur le mur de fond carrelé, que Rise et sa femme ont construit sur mesure pour le dessin, donnent une impression encore plus précise du temps qui passe. «Les graffitis sont en fait des notations de choses qui se sont produites pendant que je faisais le dessin», explique Rise. Certaines notes documentent l'actualité du jour – l'abdication du pape, la mort du musicien Dave Brubeck. D'autres notes sont personnelles – comme celle qui marque l'anniversaire de Karen. «Elle s'est un peu fâchée contre moi pour avoir dit à tout le monde quel âge elle avait eu cette année-là.»

De nombreux dessins de Rise partagent cette dualité, évoquant des événements dans les sphères publique et privée. Au début des années 2000, le père de Rise est décédé, peu de temps après les attentats du 11 septembre. En réponse à ces deux grandes pertes, Rise a réalisé une série de dessins, dont Envolée d'attente, qui utilisent des objets pour méditer symboliquement sur les événements. La série a été inspirée en partie par l'artiste en trompe-l'œil du XIXe siècle John Peto, qui a autrefois utilisé un arrangement de nature morte pour raconter la mort de son père et d'Abraham Lincoln – perte personnelle et nationale étroitement liée.

Boîte (aquarelle, 30 x 22) par John Rise

Aller avec le graphite

Rise a toujours été fasciné par les matériaux d'art – ce qui n'est pas surprenant pour quelqu'un qui gagnait autrefois sa vie en tant que fabricant de chevalets. Pour ses dessins finis, il préfère souvent la combinaison simple et classique du graphite et du papier blanc. «Mon utilisation du graphite remonte à Robert Conine, mon ancien professeur de dessin», explique Rise. «Il pouvait faire des choses avec un crayon qui m'étonnaient encore – il superposait des crayons de différentes duretés qui rendaient les surfaces de ses dessins exquises. J'ai donc commencé à m'intéresser au graphite en tant que médium universel, pratique mais beau. Cela peut devenir quelque chose de très spécial. C'est incroyable ce que différentes personnes peuvent faire avec cet outil. "

L'utilisation du graphite pour des dessins finis à grande échelle présente certains défis, que l'artiste apprécie beaucoup. «Il y a un certain manque de pardon dans le graphite que je trouve intriguant», dit-il. «Si vous faites une erreur, vous pouvez probablement éliminer une grande partie des preuves, en fonction du papier et de la dureté de l'outil, mais vous imprimez à votre image vos erreurs ainsi que vos succès.»

Un nouveau support

Dernièrement, Rise a expérimenté de nouveaux outils, tels que l'utilisation d'un pinceau aquarelle comme instrument principal. «On m'a donné un pinceau aquarelle pour liner fabriqué par Escoda qui donne une pointe très fine», dit-il. «J’ai toujours été intrigué par la création de marques, et ce pinceau offrait une marque d’aquarelle très atypique. Je ne suis pas un aquarelliste traditionnel, alors j'ai commencé à dessiner à l’aquarelle. Je l’utilise comme on utiliserait un stylo, sauf que c’est un pinceau. »

Les différentes propriétés du nouveau médium de Rise dictent en grande partie l’apparence de l’œuvre finie – un phénomène avec lequel l’artiste aime se débattre. «Parfois, cela devient un défi pour moi de contrôler le médium, plutôt que le médium qui me contrôle», dit-il. «Cela oppose votre volonté à la volonté du médium d'expliquer la vérité dans le dessin. Parfois, le matériau gagne, parfois vous gagnez, mais le résultat est toujours évident à la surface du dessin. Cela ouvre des portes que vous n’avez jamais anticipées, et les observateurs avertis verront et apprécieront cette lutte pour ce qu’elle est. »

Études de valeur à l’aquarelle tirées du carnet de croquis de l’artiste.

De l'énoncé de valeur au travail fini

Le processus de Rise est délibéré, les dessins prenant des mois, voire des années, à développer et à terminer. Il travaille souvent à grande échelle, certaines de ses natures mortes mesurant jusqu'à 60 ″ x 40 ″.

Sa première préoccupation au début d’un dessin est d’établir la valeur de l’image. «Dans un carnet de croquis ou dans des études d'aquarelle rapides, je réduis l'image à un dessin à 2 ou 3 valeurs, avec le blanc du papier, peut-être un ton moyen et un sombre», dit-il. «Cela me permet de tout voir en relation – voir les ombres et où elles pourraient remplacer l'identité des objets. J'essaierai de m'accrocher à cela aussi longtemps que possible.

Une intersection

«À un moment donné, je dois commencer à particulariser et à déclarer des arêtes, etc.», poursuit-il. «J'ai tendance à travailler partout, à me déplacer autour du dessin – c'est le peintre en moi. Mais il arrive un moment où je dois commencer à être plus précis avec les informations, et je vais m'installer et commencer à détailler. Pour cela, je vais sélectionner une zone où trois ou quatre objets se croisent. Je ne dessine donc pas un téléphone, un récepteur ou un cordon. Je dessine une partie de toutes ces choses, ce qui établit une relation plus vive entre les objets que je ne le ferais en dessinant simplement un objet puis un autre. "

Une fois qu'une zone a été amenée à un niveau de développement égal, l'artiste sélectionne une autre «intersection» intéressante et l'amène au même niveau de clarté et de détail, en travaillant progressivement sur l'ensemble du dessin par patchs. Il retourne dans des zones moins développées pour les affiner davantage, jusqu'à ce que le dessin soit terminé et que l'histoire soit racontée.

Rencontrez l'artiste

John Rise a étudié le dessin et la peinture à l'Arizona State University et à l'Université du Nouveau-Mexique. Il a fondé Best Artist Products, un fabricant de chevalets et de barres de civière. Après avoir vendu l'entreprise dans les années 1990, il est devenu artiste et enseignant à plein temps. Depuis 2005, il enseigne le dessin au Savannah College of Art and Design, en Géorgie. Voir plus de son travail sur sa page Instagram, @johnriseartist.

Une version de cet article a été initialement publiée dans Dessin magazine.

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