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Art et peinture

Dessin en action: comment le mouvement dans l'art est la clé du succès

Patricia Hannaway pense qu'avec la bonne approche, le mouvement dans l'art peut être capturé en moins d'une minute.

Attirer (huile, 50 x 72) par Patricia Hannaway

Patricia Hannaway s'inquiète de l'état de l'art figuratif, en particulier en ce qui concerne le mouvement dans l'art. «Une grande partie du travail réaliste que je vois être fait aujourd'hui est très orientée vers la surface», dit-elle. «C’est très bien rendu et souvent très beau, mais ça peut sembler très calme et ça ne me chante pas vraiment. Il semble parfois que l'artiste cherche une ressemblance photographique. Et lorsque vous essayez d'être photographique, votre dessin peut perdre beaucoup de vie. Nous ne sommes pas seulement des yeux froids copiant des choses – nous devons être émotionnellement impliqués. Dans le travail des grands artistes, il y a un sentiment énorme. C’est pourquoi cela nous émeut tant. »

Se déplacer au-delà de la surface

Bella (fusain, 16 x 12) par Patricia Hannaway

Hannaway croit aux mérites de l'éducation artistique basée sur les compétences, mais estime également qu'elle a ses limites. «Une formation solide est essentielle», dit-elle. «Les beaux-arts sont un métier qui nécessite des années de pratique et d'étude de sujets tels que la perspective, l'anatomie et la théorie des couleurs. Mais au fur et à mesure de l'apprentissage de ces principes, il faut simultanément développer l'imagination par la composition et l'apprentissage de la mémoire, en jouant avec les idées et l'expression. Un artiste doit utiliser la technique au service de sa vision, mais ne pas être tellement gouverné par elle que l'œuvre devienne une question de technique. C'est un grand défi. »

Quand Hannaway entreprend de représenter un sujet, elle essaie de se concentrer sur son essence. L'artiste a passé une grande partie de sa carrière en tant qu'animatrice. Il n’est donc peut-être pas surprenant d’apprendre que dans de nombreux cas, elle trouve que l’essence de son travail est liée au mouvement dans l’art. «Vous devez ressentir le sens kinesthésique de votre dessin», dit-elle. «Si j’anime un ours, par exemple, j’irai au zoo et je passerai des semaines à regarder et à dessiner les ours – voir comment ils se lèvent, comment ils réagissent aux choses. Je me demande ce qui fait d'un ours un ours, par opposition à un autre animal? Quelle est sa forme essentielle? Ensuite, lorsque je dessine, je ne me concentre pas sur tous les poils de son corps, car ce n’est pas ce qui est important. Ce qui est important, ce sont les grandes actions qui révèlent l’essence du sujet. »

Michel-Ange rencontre Mickey Mouse

Dans les années 1980, Hannaway a été membre de la première promotion diplômée de la New York Academy of Art, où elle a reçu une formation sur des sujets traditionnels. «C'était un groupe de personnes formidable avec qui apprendre», dit Hannaway. Mais elle a également estimé que l’accent mis par l’école sur les techniques traditionnelles – en particulier le respect du réalisme du XIXe siècle – ne la préparait pas pleinement aux formes d’expression plus contemporaines auxquelles elle s’intéressait.

Hannaway a ensuite fréquenté la School of Visual Arts, où elle a obtenu une maîtrise en infographie. Cela a conduit à un emploi d'animatrice à Disney, où elle a travaillé sur des films tels que Pocahontas et Mulan. «Au début, je pensais que l'animation ressemblait à un grand détournement de là où j'allais», dit-elle. Mais bientôt, elle a découvert que l'expérience de dessiner à partir du modèle vivant était aussi appréciée à Disney qu'elle l'était à l'académie. «C'était un dessin orienté vers le geste et le mouvement», dit-elle. «Un mannequin venait et prendrait des poses de 1 à 10 minutes. Vous pouvez rapidement esquisser la figure, puis ajouter d'autres poses et créer une composition librement.

Le client (pastel sur papier tonique, 24 x 30) par Patricia Hannaway

«Cela m'a donné une manière différente de gérer la peinture et le dessin que beaucoup d'artistes», poursuit Hannaway. «Je n’ai pas peur lorsque le modèle bouge ou que quelque chose change légèrement de position. L’important, c’est le mouvement, et être capable de capturer le mouvement rapidement me permet de composer. C’est une grande dette que je dois à Disney et à mes années d’animation. »

L'artiste estime qu'à bien des égards, les maîtres anciens ont plus
en commun avec les animateurs qu'avec les beaux artistes contemporains. "Je pense
la méthode de travail que j'ai apprise en tant qu'animatrice est plus proche de la façon dont Michel-Ange, Rubens, Degas et Daumier ont travaillé que la façon dont de nombreux artistes travaillent aujourd'hui », dit-elle. «J'étais au Prado récemment avec des amis animateurs, et nous avons réalisé que Goya est notre âme sœur. Il faisait constamment bouger les choses. S'il était en vie aujourd'hui, il serait probablement dans un studio d'animation quelque part. "

Gestes rapides (plume et encre, 24 x 18) par Patricia Hannaway

Esquisser le mouvement

La meilleure opportunité pour un artiste de capturer ce sens très important du mouvement et de la vie est lorsqu'il dessine pour la première fois à partir du modèle. «Je suis une artiste gestuelle», dit Hannaway. «Je crée d'abord le sens du mouvement avec une ligne d'action abstraite. Ensuite, je crée le formulaire par-dessus le mouvement. " Elle recommande aux artistes qui souhaitent ajouter un plus grand sens du mouvement à leurs dessins de commencer par pratiquer des poses très courtes – 30 secondes ou une minute. «Dessinez la forme du mouvement, pas la chose elle-même», dit-elle. «Dessinez comment le modèle bouge, pas à quoi il ou elle ressemble.

Pendant un certain temps, cela va être incroyablement inconfortable, mais cela finira par ressembler à la forme de la personne. Vous devez lui faire confiance.

S (fusain, 24 x 18) par Patricia Hannaway

"Commencez par une grande ligne qui montre la forme de tout le corps – vous voulez capturer les principales formes en S ou courbes de la figure", poursuit-elle. «Et avec une pose courte, une seule ligne peut être tout ce dont vous avez le temps. Avec de la pratique, vous pouvez ensuite accrocher d'autres formes, les grandes parties du corps, au-dessus de cette grande forme. Vous voulez travailler de manière hiérarchique plutôt que d'essayer de tout terminer – beaucoup de choses n'ont pas besoin d'être terminées. "

Une autre clé de la méthode de Hannaway est de rester libre et lâche pendant les premières étapes. «Vous devez avoir la liberté de jouer et de faire des erreurs», dit-elle. «Vous devez être ouvert pour voir et saisir la chose initiale qui a attiré votre intérêt. Si vous êtes bloqué, vous allez le rater. Et ça devrait être amusant. Si vous ne vous amusez pas, tout le monde pourra le voir. »

Se préparer à peindre

Étape 1: Geste

Les grandes peintures multifigure de Hannaway proviennent, dans de nombreux cas, de dessins gestuels. «Je commence par des poses de 1 ou 5 minutes avec un modèle, et je compose mes grands tableaux à partir de ces croquis rapides», dit-elle. Parfois, elle n'a besoin que d'une seule séance avec un modèle pour développer une œuvre entière avec de nombreuses figures. «Je prends un modèle et dans 20 minutes, nous prendrons 20 poses. Je vais les esquisser sur une feuille de papier – toutes ces différentes lignes d’action. Et parfois, je vois comment une pose se connecte à une précédente, et ensemble, ils commencent à suggérer une composition. Peut-être vois-je une silhouette assise et une autre qui a l’air de vider un pichet d’eau. Puis tout d'un coup, c'est une scène dans un restaurant, avec un client et une serveuse. "

Élan (fusain, 24 x 18) par Patricia Hannaway

Dans d'autres cas, l'artiste se rend sur un site et esquisse ce qu'elle voit, en attirant peut-être des clients dans un café. «Je vais retourner dans mon studio et passer du temps à dessiner à partir de mon imagination, à interpréter ce que j'ai vu, puis à travailler à partir du modèle dans des croquis rapides pour trouver des idées», dit-elle. «Quelle que soit la manière dont vous le faites, l’idée est de prendre ce que vous voyez et d’interpréter
plutôt que de simplement le copier. Vous voulez en faire quelque chose de plus. "

Étape 2: Valeur

Une fois qu'elle a développé une composition de base de figures, Hannaway procède au dessin de valeur, qu'elle qualifie de «deuxième étape». Dans ces croquis, elle élabore l'éclairage et d'autres aspects de la composition et du décor. Elle inclut le plus souvent quatre valeurs: deux valeurs de lumière, une ombre moyenne et un accent sombre. «Avec une palette de valeurs très simplifiée, vous pouvez jouer avec différents types de lumière de manière simple», observe-t-elle.

Étape 3: Clarification

Après l'exercice de valeur vient la «troisième étape»: clarification et raffinement de tous les aspects de l'image. «C'est là que je commence à m'intéresser davantage à l'anatomie, à la forme et à la façon dont les personnages s'emboîtent», dit-elle. À ce stade, elle fera souvent poser un modèle pendant de plus longues périodes pour l'aider à travailler sur une certaine silhouette ou partie du corps. Elle peut également se tourner vers son ordinateur, où elle peut poser un mannequin en trois dimensions pour expérimenter davantage l'éclairage et la composition. «Certains artistes semblent avoir peur d'être sur l'ordinateur, mais ce n'est qu'un autre outil», dit-elle. «Tout ce qui m'aide à clarifier et à mieux comprendre mon sujet est le bienvenu.»

Étude pour Monter le chapiteau (encre, fusain et craie sur papier tonique, 18 x 30) par Patricia Hannaway

Une fois ces études préliminaires terminées, Hannaway transfère son dessin sur une grande toile et prend ses pinceaux, confiante que la scène transmettra le sentiment d'excitation qu'elle a ressenti lors de ses premières études de figures.

Anciennes compétences, nouvelles opportunités

«Après avoir passé de nombreuses années dans l'industrie cinématographique, je voulais voir s'il y avait un moyen de prendre mes compétences d'animation et de les réappliquer à ma peinture», dit Hannaway. Une opportunité s'est présentée lorsque la ville de Palo Alto, en Californie, lui a octroyé un studio à loyer contrôlé, ainsi qu'une commande pour un grand tableau à accrocher à l'hôtel de ville. "La pièce sur laquelle je travaille en ce moment s'appelle Objectivé,»Dit l'artiste. «Il traite du matérialisme et de notre obsession d'avoir des corps parfaits, en particulier pour les femmes. J'aime pouvoir utiliser cette méthode prétendument traditionnelle pour créer un travail qui soit contemporain dans ses préoccupations. »

Hannaway travaille généralement dans un style gestuel assez lâche, qui, selon elle, capture le mieux la force vitale de ses sujets. «Je suis capable de reproduire chaque petit détail du visage humain jusqu'aux pores et fossettes de la peau si je le souhaite», dit-elle. «Mais je trouve que lorsque je cherche une ressemblance photographique, le résultat semble boisé. Je continue donc lentement à faire abstraction des éléments, en choisissant ce que je veux souligner et ce que je dois omettre. Il y a un point juste entre le réalisme et l'animation où l'esprit humain interprète l'image comme étant toujours vivante. "

Les peintures actuelles de l’artiste sont en quelque sorte un résumé de ses expériences en tant qu’artiste, animatrice et éducatrice. «Cela m'étonne du temps et de la formation qu'il m'a fallu pour apprendre tout cela et enfin pouvoir dire ce que je veux dire», dit-elle. «Mais je me sens prêt. Ce fut une grande joie d’essayer de trouver des moyens de fusionner l’animation et le dessin pour réaliser ces peintures. C’est une période très excitante. »

Les trois grâces (fusain et craie sur papier tonique, 20 x 16) par Patricia Hannaway

Matériaux de Hannaway

  • Charbon: «Pour dessiner, j'adore le fusain et la craie blanche. J'utilise généralement un type de charbon de bois de vigne. Coates produit un beau charbon de bois de vigne, de différentes largeurs.
  • Pastels: «J'aime vraiment dessiner avec Nupastels. Ils viennent dans des ensembles avec de belles sélections de couleurs. Vous pouvez les utiliser pour tourner la forme de manière prismatique, en changeant la température pendant que vous travaillez autour d'une forme. Vous n’avez pas à faire beaucoup de mélange – les valeurs sont là dans les pastels. »
  • Papier teinté: «J'aime dessiner sur du papier teinté, ce qui me permet d'utiliser la valeur du papier comme valeur moyenne dans le dessin. Je choisis généralement un ton moyen pour le papier, souvent un ton bleu ou un ton terre chaud, comme une terre de Sienne.
  • Matériaux de peinture: «Pour ma peinture je travaille sur une toile de lin avec un joli grain. J'aime certains des médiums réalisés par Michael Harding, et je vais construire une peinture en utilisant l'un de leurs médiums, puis je vais transférer sur un médium à l'huile-résine, ce qui vous permet de faire glisser le pinceau et de conserver vos coups de pinceau vraiment vivant. »
  • Outils numériques: «Je recommande fortement aux gens d'avoir un iPad. Vous pouvez les emmener dans un musée et faire des études. Et il existe des applications qui associent les couleurs de l'iPad aux peintures. J'utilise également des programmes d'imagerie 3-D. L'un est Poser, qui comprend une sorte de modèle figuratif que vous pouvez utiliser pour essayer différents scénarios d'éclairage. Un autre est Autodesk Maya, un programme haut de gamme destiné aux utilisateurs plus expérimentés. »

À propos de l'artiste

Patricia Hannaway a obtenu un M.F.A. en peinture à la New York Academy of Art et un M.F.A. en animation par ordinateur à la School of Visual Art, tous deux à New York. Elle a travaillé comme animatrice pour Disney Feature Animation, Dreamworks, ILM, Weta Digital et Aardman Animations. Ses films comprennent Pocahontas, Mulan, Shrek, Guerres des étoiles, et le Seigneur des Anneaux. Elle a enseigné le dessin et l'anatomie à l'Université de Stanford, en Californie, et est actuellement professeure invitée d'arts numériques au Dartmouth College, à Hanover, New Hampshire. Pour plus d'informations sur Hannaway, visitez patriciahannaway.com.

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