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Art et peinture

Entretien avec Ellen Kozak – Perceptions de peinture

Couronne royale, huile sur panneau, 27 x 30,5 pouces, 2020

J'ai récemment eu la merveilleuse occasion d'interviewer la peintre et vidéaste, Ellen Kozak, sur skype depuis son atelier qui surplombe la rivière Hudson, un sujet sur lequel elle s'est concentrée depuis 20 ans. L'interview a été révisée pour plus de clarté et d'ampleur.

Les peintures de Kozak célèbrent l'abstraction inhérente glanée des observations de la rivière Hudson qui coule, en sélectionnant des motifs à partir de ses reflets émouvants et mezmerizing du ciel et de la lumière. Le drame visuel momentané d'ondulations qui attrapent la lumière d'une barge qui passe ou l'angle changeant du soleil fournit le catalyseur poétique de ses panneaux de taille modeste qui ne révèlent pas facilement le fait qu'ils sont pour la plupart achevés alla prima, peints en un long assis en se tenant debout sur les rives de l'Hudson et d'autres plans d'eau. Elle discute longuement de son processus et nous fournit un compte rendu détaillé de son voyage inhabituel, à travers la calligraphie japonaise qui l'a finalement amenée à son long dévouement à peindre cette rivière.

Les peintures, les vidéos et les livres d’artistes d’Ellen Kozak sont apparus dans des expositions nationales et internationales. Depuis 2000, elle a eu sept expositions personnelles et a participé à de nombreuses expositions de groupe. Les collections dans lesquelles se trouvent ses œuvres comprennent: le Metropolitan Museum of Art, le Brooklyn Museum, le Fogg Art Museum, le National Museum of American Art, la Smithsonian Institution, le Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, la New York Public Library et la Yale University Sterling. Bibliothèque commémorative entre autres. Entre 1992 et 2017, Ellen Kozak a enseigné à l'Institut Pratt. Le Musée de la rivière Hudson a organisé une exposition solo de ses peintures en 2001-2002 et en 2018, le Musée a présenté une exposition solo de son installation vidéo à quatre canaux, rivethatflowsbothways, une collaboration avec le compositeur Scott D. Miller. Hudson Trilogie fluviale: Ellen Kozak, son exposition personnelle au Katonah Museum of Art en 2009-2010, comprenait des peintures ainsi que sa vidéo, Notations sur une rivière, commandée par le Katonah Museum of Art.

Dans une revue de Roll Magazine.com, Claire Lambe a écrit:

Les peintures à l'huile de Kozak tracent la ligne entre la représentation et l'abstraction. Son intérêt particulier est dans les équivalences dans le comportement de son sujet et de ses matériaux: «J'utilise la peinture comme médium mimétique, la laissant physiquement performer comme mon sujet. La peinture à l'huile et l'eau partagent des propriétés de viscosité: la peinture dirigée par un pinceau émule la surface d'une rivière agitée par le vent ou tirée par la marée. " Dans les peintures, finement peintes sur des panneaux de bois préparés avec un gesso sec fait main, des déchirures de couleurs chatoyantes évoquent le mouvement et, dans certains cas, la vibration de la lumière sur l'eau, dans d'autres, les profondeurs insondables. Au fil des années que Kozak a engagé dans ce travail, les peintures sont devenues moins figuratives et plus abstraites, plus réductrices. Des mouvements de couleurs et de formes qui, dans les peintures antérieures, décrivaient les courbes et les arabesques de l'eau ont, dans ce travail récent, été distillés dans des résumés assez formels, beaucoup avec un mouvement linéaire fort, mais restant généralement fidèles à la surface horizontale de la rivière.

de la biographie sur le site Web d'Ellen Kozak:

L'activité de peinture sur place est une pierre angulaire fondamentale de la pratique de Kozak et de son travail, qui s'étend aux livres d'artistes et à la vidéo. En 1996, les communications interculturelles ont publié Orphée. Eurydice. Hermès: Notations sur un paysage. Cette édition limitée comprend une préface de Dore Ashton avec la traduction de Stephen Mitchell du poème de Rainer Maria Rilke, Orphée. Eurydice. Hermès. En 2005, son livre d’artistes Tree of Names and A River a été créé à Dieu Donné Papermill avec des subventions de la Fondation George Sugarman et du Pratt Institute. Kozak a obtenu des résidences supplémentaires à Yaddo, au Blue Mountain Center et au Virginia Center for the Creative Arts. Des critiques de son travail ont été publiées dans le New Yorker, le New York Times, Art in America, Art & Antiques et d'autres publications.

En 2012, sa résidence à Auvillar, en France, le Prix Moulin à Nef, lui a fourni un studio au bord de la Garonne où elle a peint et a continué à travailler avec la vidéo. Kozak possède des studios à New York et dans la vallée de la rivière Hudson.

Larry Groff: Pouvez-vous nous dire comment vous êtes devenu artiste?

Ellen Kozak: Je m'intéressais à l'art depuis mon plus jeune âge. Je me suis inspiré du modèle à partir de treize ans. Mon professeur, Aida Wheedon, a étudié avec Hans Hoffman et Thomas Hart Benton à l'Art Students League. Au lycée, j'ai pris des cours d'art au C.W. Post College et j'ai pris des cours avec Dan Daily et George Greenameyer à l'école des arts et métiers Haystack Hinkley dans le Maine. Ce furent des expériences merveilleusement encourageantes. Après ma première année au collège, j'ai eu un apprentissage avec le sculpteur Alfred Van Loen, qui était un professeur inspirant.

Larry Groff: Je crois comprendre que vous avez assisté à la messe. College of Art ainsi qu'au Center for Advanced Visual Studies du MIT, pour vous concentrer sur l'apprentissage du film et de la vidéo. Comment était tout ça pour toi alors?

Ellen Kozak: Mon premier sens d'identité en tant qu'artiste a commencé dans la fonderie de Mass Art. Verser du bronze était incroyablement excitant et viscéral. Une autre expérience transformatrice a été un cours de cinéma et de musique expérimentale avec Paul Earls, qui était également membre du Center for Advanced Visual Studies (CAVS) du MIT. Au cours de cette année, mon intérêt pour la vidéo s'est élargi, je regardais Woody et Steina Vasulka, Joan Jonas, Dara Birnbaum, Nam June Paik, Peter Campus et d'autres. Au cours de ma dernière année à Mass Art, je me suis inscrite à un cours au MIT dispensé par le directeur du CAVS, Otto Piene. L'année suivante, à l'école doctorale du MIT, j'ai principalement travaillé en vidéo. Peter Campus a donné un séminaire. L'un des synthétiseurs vidéo de Nam June Paik et Shuya Abe a été temporairement hébergé au CAVS. C'était un engin farfelu qui générait des images à partir de formes d'ondes électroniques et je l'ai utilisé pour une partie de ma thèse, une installation vidéo à 4 canaux.

Larry Groff: Que faisiez-vous après avoir quitté l'école d'art?

Photo extraite de Sketches of a Master, vidéo monocanal, 1985

Arts médiatiques, Volume 1, Numéro 7 Automne 1984

Ellen Kozak: Eh bien, j’ai enseigné le cinéma et la vidéo sur le campus de Boston de l’UMASS au cours de l’année où j’étais membre du CAVS. Lorsque ce travail a pris fin, j'ai eu divers emplois dans la programmation d'ordinateurs et en 1982, après avoir répondu à une liste d'emplois pour les enseignants d'anglais dans Mother Jones Magazine, j'ai déménagé au Japon. Mon Portapak est venu avec moi. Barbara London m'a fait découvrir des vidéastes à Tokyo et j'ai reçu un peu de soutien de Sony et JVC. Tout en enseignant l'anglais, j'ai également eu quelques expositions et projections. J'ai donné des cours à la Seian Art University de Kyoto et j'ai écrit sur la vidéo au Japon pour les arts médiatiques.

J'habitais dans un quartier semi-rural entouré de rizières. Tout ce que j'ai rencontré au Japon était si radicalement différent que mon approche de la vidéo a changé. Mes pièces étaient de nature documentaire, des portraits de personnes que j'ai connues à Utsunomia. Hiraishi Hironori, un maître du shodō est devenu un ami et le sujet d'une des vidéos. Il était l'un des cinq fils de mon vieux voisin d'à côté qui m'invitait fréquemment pour du thé et des bonbons. Nous l'avons appelée O bāchan, grand-mère. Un matin d'hiver, elle a été retrouvée morte chez elle et à mesure que l'occasion se présentait, j'ai rencontré son fils Hiraishi Hironori. Il a apprécié que j'étais compagnie pour sa mère et m'a invité dans son studio que je visitais fréquemment, surtout les jours fériés, et j'ai demandé si je pouvais le filmer au travail. Le portrait, Esquisses d'un maître, commence par sa pratique du chant du matin au tokonoma dans son atelier. J'ai commencé à étudier le shodō, la forme d'art japonaise traditionnelle de la calligraphie.

J'étais intéressé par le shodō avant de déménager au Japon et j'ai trouvé un cours de calligraphie dès mon arrivée à Utsunomia. Les étudiants étaient tous des femmes japonaises plus âgées et aucun mot d'anglais n'était parlé. J'ai aimé la pratique contemplative et l'immédiateté du shodō qui n'était pas le cas avec la vidéo, ou du moins avec la façon dont je l'utilisais.

De retour aux États-Unis après près de deux ans au Japon, j'ai terminé mes vidéos. Il y a eu une projection à la Boston Film and Video Foundation, et j'ai rejoint un collectif de gravure de la région de Boston. Je voulais faire de très gros tirages avec le type de pinceau que j'utilisais pour le shodō. Mon inspiration est venue des souvenirs des rizières inondées près de chez moi et des reflets miroitants dans l'eau lorsque les semis ont commencé à germer. L'accumulation d'encre sur les plaques monotypes est devenue trop épaisse pour traverser la presse en creux. J'ai donc eu mon propre atelier de peinture à ce moment-là quand j'ai commencé à peindre.

Larry Groff: Je suis curieux de vous entendre expliquer comment vous êtes passé du studio de gravure et de vidéo à la peinture en extérieur. Qu'est-ce qui vous a amené à peindre à l'extérieur?

Darrah’s-Twilight, huile sur panneau, crayon sur papier, ~ 6 x 8 pouces, 1992

Ellen Kozak: C'était au moins une transition de trois ans au cours de laquelle j'ai déménagé à New York avec la presse Griffen 40 x 50 pouces. Quelques choses importantes se sont produites. J'ai découvert la photographie de paysage d'Eugen Atget dont le travail m'était inconnu et j'ai commencé à dessiner régulièrement à partir de la collection d'estampes d'Atget au MoMA's Photo Study Center.

J'ai été attiré par leurs tonalités subtiles, son bel artisanat et l'utilisation de la lumière du petit matin dans les parcs parisiens. J'ai eu une exposition personnelle à Boston avec mes peintures et gravures et ma résidence Yaddo en 1986 m'a mis en contact plus étroit avec la nature.

Notations après Atget-Ville-d’Avray, 8 × 8 pouces, crayon sur papier, 1993

Lors d'une deuxième résidence Yaddo, j'ai rencontré des artistes qui louaient des maisons d'été et des studios dans la région de Catskill et Hudson, cela sonnait très bien. L’année suivante, j’ai loué une maison à Athènes, New York, et j’ai commencé par utiliser mes dessins, tirés des photographies d’Atget, comme études pour des peintures à l’huile. La maison était sur un ruisseau, entourée de bois dans une grotte rocheuse où la lumière crépusculaire ressemblait à l'atmosphère des photographies d'Atget. C'était comme une transition naturelle pour se déplacer à l'extérieur.

Athènes, NY 1997

Dans le paysage, je pensais différemment, je pensais moins consciemment ou j'utilisais une partie plus intuitive de mon cerveau. J'ai vécu le temps différemment. L'expérience de travail sur place est devenue plus intense dans le deuxième studio que j'ai loué à Athènes. Il se trouvait directement sur la rive ouest de la rivière Hudson. Peut-être que je me connectais à un état familier que j'ai vécu lorsque j'étudiais le shodō. L'observation de l'eau est profondément contemplative. Je n'ai rien trouvé de tel

Larry Groff: Alors, diriez-vous que le fait de peindre à l'extérieur vous a séduit non seulement pour la satisfaction visuelle mais aussi pour la façon dont l'espace a ouvert une connexion émotionnelle?

Ellen Kozak: Il y a une intensité instantanée, oui. La conversation à trois entre mon sujet, le peintre et la toile, devient très vivante. Je sens que je franchis un seuil dans une sorte d'espace liminal. C’est un espace différent. Dans la préface de Dore Ashton à mon livre d'artiste, Orphée. Eurydice Hermes: Notations sur un paysage, 1996, elle qualifie cette condition d '«être seulement un œil».

Je pense que ce n'est pas une expérience rare pour les peintres. Vous pouvez peindre pendant huit heures d'affilée, le temps s'arrête et les heures passent si vite parce que vous êtes accroché, vraiment accroché au moment ou aux nombreux moments. Cela est particulièrement vrai parce qu'une grande partie de ma peinture est réalisée à première vue et il y a la tension d'essayer de bien faire la peinture.

Apprêt n ° 16 de la rivière Hudson, huile sur panneau, 11 x 15 pouces, 1997-1998, collection du Hudson River Museum

Larry Groff: Pouvez-vous nous parler de votre processus? Considérez-vous vos peintures d'extérieur comme des études que vous réalisez en studio ou faites-vous tout sur place?

Ellen Kozak: Depuis des années maintenant, je commence à peindre directement sur les panneaux de bois gessoed sur place sans études. Des années plus tôt, lorsque je peignais sur place à l'aquarelle et à la détrempe aux œufs, j'ai utilisé ces peintures comme études. Cela n'a pas duré plus de deux ans. Mais j'ai aussi vu les peintures à la détrempe aux oeufs à part entière, comme celles ci-dessous.

Les images dans le livre d'artiste que j'ai mentionnées plus tôt, Orphée. Eurydice Hermes: Notations sur un paysage sont fabriqués directement à partir des peintures à la détrempe d'oeuf que j'ai peintes à vue. Je peignais depuis un promontoire surplombant la rivière Hudson et j'ai imaginé que la rivière et le lit de la rivière étaient le paysage à travers lequel Eurydice a voyagé, en suivant Orphée dans le monde d'en haut.

Larry Groff: Je comprends que vous faites votre propre type de gesso et que c'est une partie importante de votre travail. Qu'est-ce que tout cela implique?

Ellen Kozak: La surface est un élément essentiel de mon processus. Après avoir appliqué le gesso sec, il est poncé, il se sent comme le fond d'un bébé, doux et soyeux et avec une lueur. Ensuite, je scelle la surface avec de la gélatine. J'aime la gélatine Knox car elle est plus finement broyée que les cristaux de colle de peau de lapin et elle se dissout plus facilement.

Larry Groff: Le même type de gélatine vendue en épicerie?

Ellen Kozak: Oui, c'est de la gélatine Knox sans saveur, très bon marché et il faut peu de temps pour se dissoudre, vous n'avez donc pas à la chauffer sur un brûleur. C'est sur l'étagère avec le Knox Jell-O, je l'achète en vrac.

J'utilise également la gélatine Knox dans le gesso. Ma peinture est très fine, les gens pensent qu'il y a plusieurs couches mais ce n'est pas le cas. Je garde la peinture assez fine ce qui me permet de conserver l'éclat provenant du gesso. J'ai laissé la lumière émerger du sol lui-même. D'autres gessos peuvent avoir une surface glissante désagréable, mais le gesso sec a une résistance à la peinture à l'huile collante, il tirera sur le pinceau. J'utilise la même recette de gesso depuis 1988.

Larry Groff: Je regarde tes tableaux sur le mur derrière toi, comme vu à travers ta webcam. Il est difficile de lire l'éclat de la surface, sont-ils plus mats ou satinés? Est-ce que cette gélatine scelle et aide à empêcher les couleurs de s'enfoncer? Y a-t-il des aspects de vos surfaces qu'un spectateur pourrait manquer en regardant simplement un fichier jpeg en ligne?

Ellen Kozak: C’est un tas de questions. La gélatine scelle la surface sablée sinon, comme vous dites, les couleurs s’enfonceraient. De cette façon, je peux utiliser la qualité de porcelaine des surfaces gessoed, elle a une luminosité polie. C’est la luminosité du sol qui ajoute la qualité lumineuse que vous détectez dans la webcam. J'utilise un support standard, certaines couleurs comme vous le savez, comme les couleurs terre, peuvent apparaître plus sèches mais comme je mélange beaucoup sur la peinture elle-même, les couleurs plus sèches et plus huileuses finissent par se mélanger, ce qui donne l'uniformité globale de la surface. J'applique la peinture en une seule séance humide sur humide. Je peux compter d'une part le nombre de tableaux qui ont eu besoin de vernis.

Larry Groff: Wow, c'est surprenant.

Ellen Kozak: Je ne travaille pas sur la peinture. Au cours des cinq dernières années, mon travail apparaît plus abstrait et plus direct. Il y a eu un changement intéressant après avoir construit un nouveau studio. Au cours de cette première session, je dois accomplir tout ce que je recherche. En général, je ne travaille pas dessus.

Larry Groff: Donc, il n'y a pas de superposition ou quoi que ce soit.

Ellen Kozak: Non.

Larry Groff: Pour moi, en regardant un petit fichier jpeg sur l'ordinateur, j'ai une idée différente de la façon dont la peinture a dû être faite, donc je suis étonné d'entendre cela. Il semble si détaillé et les marques et les motifs sont si spécifiques que j'imagine que cela se ferait sur de nombreuses séances en plusieurs couches ou sections, je n'aurais pas pensé que c'était une peinture de coup d'État de premier ordre.

Ellen Kozak: Je trouve cette réaction de nombreux autres peintres. Comme vous, les gens imaginent qu'un petit pinceau est utilisé pour réitérer un certain type de marque. Je peins avec de très gros pinceaux.

Larry Groff: Vraiment? Large comment?

Ellen Kozak: Eh bien, pas la taille d'un balai-poussoir, mais ils mesurent environ 3 pouces

Larry Groff: Hou la la! C'est incroyable.

Détail. Certains verts dans le comté de Greene, huile sur panneau, 24,5 x 28 pouces, 2019.

Ellen Kozak: Les peintures mesurent généralement moins de trente-six pouces dans les deux dimensions, donc je suppose que cela ressemble à un pinceau assez grand à utiliser sur cette taille de peinture. Je travaille la peinture presque entièrement à l'extérieur. Quand j'ai besoin de peindre plus loin, je travaille à l'intérieur sur la même couche de peinture. Je retourne en quelque sorte à la surface gessée et revigore la peinture d'origine. Je ne sais pas comment cela se produit. C'est étrange. La partie de la peinture qui est ajoutée après le séchage de la peinture est l'élément linéaire, ces lignes violettes dans la peinture que vous regardez. Pouvez-vous les distinguer?

Larry Groff: Oui, je pense que oui, vous voulez dire ces lignes horizontales?

Sondage, huile sur panneau, 27 x 30,5 pouces, 2019

Ellen Kozak: Oui, ils sont étroits et d'un violet quelque peu transparent. J'utilise un pinceau liner vers la fin, généralement lorsque la peinture est sèche, ce qui peut prendre des jours ou des semaines. Mais la couleur ajoutée est dans mes pensées pendant que je travaille à l'extérieur. Je pense que cela représente un autre mode d'apparence tel que l'éclat, la lueur ou le scintillement que vous pourriez voir de la lumière sur l'eau. Et cela peut également impliquer l'horizon.

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