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Art et peinture

Entretien avec John Goodrich – Perceptions de la peinture

Camion et maison, Addison, 12 × 26 pouces, huile sur papier à l'huile d'Arches, 2019

J'admire depuis longtemps les paysages brillants de John Goodrich pour leur clarté de couleur, leur économie de coups de pinceau et leur composition attrayante. Il est également un écrivain d'art doué et a contribué à ce site avec plusieurs critiques de spectacles à New York. Je lui ai récemment demandé une interview pour que nous puissions en savoir plus sur son travail, ses écrits et ses réflexions sur la peinture. Il a récemment donné une présentation de diapositives zoom sur son travail à la Bowery Gallery ainsi qu'une exposition personnelle en février de cette année intitulée Lumière descendante. Goodrich a expliqué le titre de l'émission:

«Pour chaque motif, j'ai recherché un rythme pictural enveloppant. Il fallait tout mettre sous tension: le rassemblement d’un rocher permettait à un arbre de s’étirer; les nuages ​​pressant l'horizon ont libéré les plaines en contrebas. La lumière du soleil à la fois éclairée et cohérente. Pendant que je travaillais, je rappelais souvent mon conseil aux étudiants: exprimer en couleur la «lumière descendante».

Downeast Institute 3, 12 x 16 pouces, huile sur papier à l'huile d'Arches, 2019

Arbres et roches, Schoodic, 12 × 16 pouces, huile sur papier à l'huile d'Arches, 2019

Clôture du parc Riverside, 12 × 16 pouces, huile sur carton, 2019

John Goodrich est un peintre, enseignant et écrivain basé à New York. Ses peintures sont apparues dans des expositions personnelles à la Bowery Gallery de New York et à la Contemporary Realist Gallery de San Francisco, ainsi que dans des expositions de groupe à Elizabeth Harris Gallery, Kouros Gallery et Lori Bookstein Fine Art à New York, et dans de nombreux groupes montre à travers le pays.

Son travail a été mentionné dans des revues du New York Times, du New York Sun, du New York Observer, du New Haven Register et d'autres publications. Dans le passé, il a enseigné des cours d'art en studio à la National Academy School of Fine Arts, à l'Université de Californie à Santa Barbara, à l'Université de Long Island et à la Western Connecticut State University. Il enseigne actuellement au Haverford College et au Borough of Manhattan Community College.

Ecrivain sur l'art, il était un collaborateur régulier du magazine Review, The New York Sun, CityArts et Artcritical.com. Il écrit actuellement pour Hyperallergic.com. Painting Perceptions.com et autres publications en ligne.

Maison, Jonesport, 12 × 16 pouces, huile sur carton, 2018

Larry Groff: Parlez-nous de vos premières années et comment vous êtes devenu peintre?

John Goodrich: Je dois admettre qu'au lycée j'aimais les pochettes d'albums avec des bêtes bizarres et des planètes flamboyantes. Aller à l'école d'art, déménager à New York et passer du temps dans les musées m'a guéri de cela.

J'ai toujours aimé travailler avec mes mains. J'ai passé une quinzaine d'années comme ébéniste. Je trouve toujours les arts décoratifs satisfaisants et je continue à travailler en tant que graphiste. Les polices sont comme une langue en elles-mêmes. Mais je pense que les décennies en tant qu'artisan n'ont fait que me montrer plus évidente à quel point la peinture surpasse l'artisanat. Je pense que de nombreuses personnes impliquées dans les arts veulent que la peinture soit plus que de l'artisanat, et elles se tournent parfois vers des concepts de peinture ou des problèmes sociaux. Mais pour moi, c’est la puissance picturale des grandes peintures qui les élève au-dessus de l’artisanat.

LG: Votre famille a-t-elle encouragé votre intérêt pour l'art ou est-ce que c'est quelque chose que vous êtes venu plus tard?

John Goodrich: Ils voulaient juste que je sois heureux dans mon métier, quoi que ce soit. Ils m'ont envoyé des livres d'architecture pour Noël et, dans les années 70, je me suis brièvement inscrit à un programme de pré-architecture. Cela n’a pas très bien fonctionné.

LG: Avec qui avez-vous étudié et comment était l'école d'art pour vous?

J'ai étudié dans un certain nombre d'endroits, le plus longtemps à l'Université de Californie, mais l'expérience scolaire la plus productive et la plus inspirante a été à la Studio School au milieu des années 70, où le niveau d'énergie et le sens d'une mission étaient vraiment inspirants. C’est aussi là que j’ai étudié avec Leland Bell, qui a eu un grand impact sur ma compréhension de la peinture et en particulier des pouvoirs de la couleur.

LG: Avez-vous toujours peint de manière représentative?

John Goodrich: Presque toujours, même si je pense que la représentation et l'abstraction ne sont que les points finaux sur un seul spectre, et toute bonne peinture représentationnelle s'appuie continuellement sur des pouvoirs abstraits. À quelques reprises, au milieu d’un de mes cours, un élève dira quelque chose comme: «Eh bien, cette scène que je peins est abstraite!» et je veux dire: «Oui. Et bienvenue dans ce monde merveilleux et redoutable de la peinture!

LG: Comment votre peinture a-t-elle changé au fil des ans?

John Goodrich: J'aurais aimé penser que je suis plus concentré qu'avant. Mais le style n’a vraiment pas changé du tout, et malheureusement le fait qu’une bonne partie de mon temps devant le chevalet soit encore perdu, non par manque d’essai, mais parce que je ne vois pas clairement sur le moment.

Après la gravure «Paysage avec un laitier» de Rembrandt, 60 x 22 pouces, huile sur papier, 2016

D'après le «Paysage» de Claude Lorrain, 39 × 51 pouces, huile sur papier à l'huile d'Arches, pouces, 2019

LG: Je comprends que Corot a eu une grande influence sur votre travail. Pouvez-vous nous dire pourquoi?

Eh bien, Corot était un peintre remarquable, et à l'exception peut-être de Chardin, le peintre qui a retranscrit le plus naturaliste le monde observé, utilisant toute la musculature et l'énergie d'un langage pictural. Pour moi, Corot a un mélange formidable d'innocence et de perspicacité – la fraîcheur de l'expérience réelle, avec des couleurs éclatant sous la lumière du soleil (tout à fait un bond par rapport à Claude, où elles vibrent dans un programme de couleurs) mais aussi une formidable conscience de la pourrait être amené à compter et à contribuer à un tout fusionnant.

Il a influencé énormément les impressionnistes, bien sûr, mais plus que n'importe lequel d'entre eux, il semble avoir «bu au brouillon» des grands peintres. Cela montre la façon dont il a orchestré si puissamment, passant de masses énergiques à des détails révélateurs. Clement Greenberg a un jour décrit Corot comme le «dernier grand peintre académique», ce qui n'est supportable que si vous trouvez toute la peinture traditionnelle académique. Toutes les peintures de Corot ne sont pas géniales, mais même cette grande peinture moelleuse de vache et d'arbre et d'étang du Frick est remarquablement musclée, une fois que vous dépassez ses charmes superficiels de technique et d'images.

Après la gravure de Rembrandt «Paysage avec une route à côté d’un canal», 60 × 22 pouces, huile sur papier à l'huile d'Arches, 2016

LG: Pouvez-vous nous dire quelque chose sur certaines influences artistiques importantes pour vous et comment cela affecte votre travail?

John Goodrich: De tous mes professeurs, Leland Bell avait le meilleur œil pour la peinture. Bien qu’il n’ait pas fait de comparaisons directes, il a mieux articulé que quiconque la différence entre les grands et les moindres maîtres. Il était également très inspirant – il avait une manière remarquable, dans ses entretiens de musée, de faire en sorte que les grands peintres se sentent comme des compagnons de route dans un voyage à travers les couleurs et les formes.

LG: Selon vous, qu'est-ce qui détermine le succès ou l'échec de vos peintures?

Dans mes meilleurs efforts, j'ai vu clairement pendant quelques instants, j'ai atteint une compréhension intuitive, posé en quelques traits larges et chargés, et suivi avec quelques détails nécessaires. Et cela a soutenu tout au long d'une peinture. Plaisanterie! En fait, avec les meilleurs, j'ai compris quelque chose, et j'ai résumé quelques instants inspirés dans un tout vivant, sinon toujours culminant.

LG: Quelle est l'importance de l'observation directe dans votre travail? Travaillez-vous principalement sur site ou travaillerez-vous en studio à partir de dessins de référence ou de mémoire également?

John Goodrich: Puisque toutes nos connaissances visuelles dérivent en fin de compte de l'observé, je pense que l'expérience visuelle est cruciale pour chaque artiste visuel – c'est notre lingua franca. Comment pourrait-il en être autrement? Quand je peins, je pars la plupart du temps moi-même et je retravaille ensuite en atelier. Mais la peinture est continuellement une question d'inventer – vous devez trouver un moyen de faire vraiment monter un bâtiment, mais ne pas rester assis là, ou faire vraiment planer un nuage, et cela implique des ajustements relationnels constants. J'invente autant en extérieur qu'en studio – c'est inné au processus de localisation du «réel».

Schoodic 3, 12 × 16 pouces, huile sur carton, 2019

LG: Quelle est l'importance du dessin dans votre pratique? Tenez-vous un carnet de croquis?

John Goodrich: Je dis aux élèves qu'ils doivent garder des carnets de croquis (et les dessins de Corot, Delacroix et Rembrandt en sont la preuve) mais je ne le fais plus moi-même. Je trouve le dessin exaspérant comme la peinture, dans la mesure où les résultats sont autonomes et imprévisibles, et pour moi, ni l'un ni l'autre ne prépare vraiment directement l'autre. Pour certains peintres comme Bruegel, ou van Gogh ou Seurat, l’énergie de leur dessin semble conduire de manière transparente dans la vigueur de leur couleur, mais je n’ai pas compris comment faire. Peut-être que s'il me restait plusieurs décennies, je commencerais à trouver un moyen.

LG: À quoi ressemble votre horaire de peinture? Est-ce important de peindre tous les jours?

John Goodrich: J'ai tendance à peindre par rafales – des semaines consacrées à l'enseignement et au travail graphique, puis une frénésie de peinture.

Vase violet, 12 × 16 pouces, huile sur carton, 2019-20

Bouteille carrée, 12 × 16 pouces, huile sur carton, 2019

LG: Selon vous, qui sont vos peintres vivants préférés?

John Goodrich: Un certain nombre de mes pairs, qui méritent tous plus d'attention.

LG: Lequel de vos livres d'art regardez-vous le plus souvent?

John Goodrich: Dessins de Rembrandt. Dessins Seurat. Ce sont quelques-unes des rares choses qui vous font vous demander si la couleur est vraiment nécessaire. Je suis convaincu qu’aucune impression ou écran ne peut vraiment rendre pleinement justice à la couleur d’une peinture – aux pressions qui déplacent l’œil, à différentes vitesses, vers certains points.

LG: À quelle œuvre revenez-vous régulièrement? Qu'est-ce qui vous fait revenir en particulier?

John Goodrich: Les artistes que j’aimerais le plus voir, une fois les musées rouverts, seraient Giotto, Titian, Bruegel, Rembrandt, Chardin, Courbet, Corot et Matisse. Véronèse et Bonnard aussi.

LG: En plus de regarder des peintures, qu'est-ce qui vous intéresse le plus visuellement?

John Goodrich: J'essaye de rester émerveillé par l'aspect visuel du monde. Un jeu mental que je pose pour les étudiants est d'imaginer vivre toute sa vie sur un vaisseau spatial, puis un jour mettre les pieds sur terre, avec des objets surgissant à toutes les distances, face à vous depuis les différents points où ils sont collés à un grande surface plane s'étendant dans toutes les directions – et tout le smorgasbord éclairé par un orbe lumineux.

Modèle avec robe bleue, 12 x 16 pouces, huile sur carton toilé, 2019

Nature morte, École de peinture Telluride, 16 x 12 pouces, huile à bord, 2016

LG: Comment avez-vous commencé avec l'écriture artistique?

John Goodrich: C’est facile – je me plaignais de l’état de l’art contemporain en écrivant à mon frère Chris, qui écrivait alors des critiques de livres pour le LA Times, et il a finalement dit (avec des mots plus gentils): Arrêtez de pleurnicher et commencez à écrire. Je remercie Bill Bace, rédacteur en chef de La revue, qui a d'abord accepté un de mes morceaux.

LG: Avez-vous étudié l'écriture formellement ou est-ce quelque chose que vous avez appris vous-même?

John Goodrich: Je n'ai jamais étudié l'écriture artistique et j'aimerais penser que chaque fois la portée de l'œuvre est déterminée par l'impact visuel de l'art lui-même. Je ne suis pas un grand partisan des contextes de visualisation.

LG: Comment avez-vous commencé à rédiger des essais et des critiques de catalogues pour les diverses publications artistiques de premier plan telles que Hyperallergic.com, Artcritical.com et d'autres à New York?

John Goodrich: Mon rythme d’écriture a ralenti l’année dernière, mais dans l’ensemble, c’est un travail acharné, de la résilience et un sentiment d’aise dans cet espace d’incubation de l’écriture.

LG: Comment décidez-vous sur qui ou sur quoi écrire dans vos avis?

John Goodrich: Les missions des rédacteurs ont été un facteur important. Cette dernière année, les engagements d'enseignement ont vraiment réduit mon temps d'écriture. Même les années ordinaires, la triste réalité est qu’il s’agit souvent simplement d’être libre au bon moment, au bon endroit.

Brouillard de l'île aux canneberges, 12 x 16 pouces, huile à bord, 2016

Studio, École de peinture Telluride, 16 × 12 pouces, huile / panneau, 2016

LG: Quelles sont certaines de vos considérations lors de l'examen d'une émission?

John Goodrich: J'aime ce que Courbet a dit, quelque chose à l'effet qu'il a simplement essayé de décrire son propre temps, basé sur une familiarité avec la grande peinture. Tout peintre capable de le faire vaut la peine d'être écrit et est également relativement facile à examiner.

LG: J'ai lu que le musicien de jazz Thelonious Monk a dit un jour: «Écrire sur la musique, c'est comme danser sur l'architecture.» Dans quelle mesure les mots transmettent-ils vraiment l'expérience d'une peinture? Que peut nous offrir une bonne écriture sur l'art?

John Goodrich: Je pense que nous sommes trop dépendants des mots – et donc des concepts et des contextes. Ou ce peut être l'inverse – nous nous rabattons sur les mots parce que nous trouvons les concepts et les contextes plus accessibles. L'histoire de l'art, une discipline merveilleuse à part entière, a trop largement supplanté notre expérience visuelle de la peinture. L'histoire explique l'émerveillement des tendances culturelles, mais pas pourquoi Rembrandt était un grand individu. Ce qui explique cela, ce sont les preuves visuelles laissées par Rembrandt lui-même, révélées de première main, à chaque fois, dans ses dessins, estampes et peintures. C’est ce qui se trouve dans une œuvre de Rembrandt, et non dans une œuvre d’un de ses élèves – disons, le talentueux mais moins audacieux Nicolaes Maes. Et les mots rapportent très imparfaitement cette évidence.

Route et arbres, 16 x 12 pouces, huile à bord, 2012

LG: Lisez-vous beaucoup de poésie contemporaine? Si oui, quels poètes vous intéressent le plus? De quelles manières la poésie peut-elle aider une peinture?

John Goodrich: Je suis assez analphabète en matière de poésie. Je soupçonne que la musique, son rassemblement et sa relaxation des intervalles entièrement non verbaux, se rapprochent du noyau expressif de la peinture.

LG: Avez-vous des idées sur la façon dont les galeries survivront à la crise économique et sanitaire? À votre avis, à quoi ressemblera le monde de l'art à New York une fois la pandémie terminée?

Je suppose, s'il est pressé, que le monde de l'art survivra, même s'il est peut-être encore plus polarisé entre les galeries internationales à grande vitesse et les salles de spectacle gérées par des artistes. Ma plus grande crainte est que cela incite le public à croire qu'une exposition de peintures peut être vécue sur un écran. Cela ne serait jamais vrai pour les peintures que j'admire le plus.

LG: Des réflexions sur l'avenir de l'enseignement de la peinture après la pandémie?

Une grande vertu de l'art est que la meilleure éducation peut être acquise par quiconque a accès à un musée. Ma crainte est que les techniciens en imagerie numérique convainquent un jour les conservateurs qu'ils peuvent recréer complètement les couleurs et les textures de grandes peintures dans des reproductions numériques. Pensez simplement aux économies offertes par les reproductions de haute technologie qui ne nécessitent pas de haute sécurité ou de climatisation! Peut-être que la peinture sera vraiment morte à ce moment-là, du moins en tant qu'expérience sociétale. Jusque-là, nous continuerons à être en mesure de vivre personnellement les expressions des plus grands artistes qui aient jamais vécu.

Schoodic 1, 12 × 16 pouces, huile sur papier à l'huile d'Arches, 2019

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