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Art et peinture

Jordan Wolfson sur Tapistry, une collaboration de peinture en ligne

par Elana Hagler

J'ai déjà interviewé Jordan Wolfson pour Painting Perceptions en 2012. Récemment, j'ai remarqué un nouveau projet éducatif en ligne qu'il est sur le point de lancer (à partir du 14 janvier).e, 2020). Plutôt que de se concentrer sur le développement des compétences, ce programme aborde les grandes questions de la façon dont nous existons en tant que peintres dans ce monde en évolution rapide d'une manière qui soit significative, authentique et puissante. Pour en savoir plus, j'ai posé quelques questions à Jordan sur Tapistry.

Elana Hagler: Comment est née cette idée? Et pouvez-vous nous parler un peu du nom Tapistry?

Jordan Wolfson: L'idée de la tapisserie est née à travers des expériences et des pensées que j'ai depuis des années. Un aspect de mon expérience a été lié à l'exploration de la nature profonde de la peinture. Qu'est-ce qu'une peinture, vraiment? Je comprends que c'est une image faite à la main en deux dimensions, mais est-ce tout? Je veux dire, il me semble que quand une peinture fonctionne vraiment, il y a un énorme impact de puissance, d'énergie – que quelque chose d'invisible semble se produire, au-delà de sa forme matérielle bidimensionnelle. Et je pense que nous le savons tous. Cela fait partie de l'attrait, de la gravité et de la beauté de la peinture en tant que véhicule créatif. Donc, si ce n'est pas seulement un objet d'une image, d'une image, alors qu'est-ce que c'est? Et comment ça marche? Depuis quelque temps, je réfléchis à l'expérience de la peinture en tant qu'incarnation physique de la présence énergétique. Alors, comment cette travail? Et qu'est-ce que cela signifie en tant que créateur d'être engagé dans cette activité? Et qu'est-ce que cela signifie pour le spectateur de recevoir un tel objet et une telle énergie? Je crois que tous les objets créés par l’homme partagent cette possibilité de transmission énergétique, mais je suis peintre. Je suis fasciné par la peinture et la façon dont les aspects bidimensionnels et tridimensionnels s'intègrent et se nourrissent mutuellement dans la peinture. De plus, je voudrais ajouter que je ne pense pas que cet échange énergétique soit quelque chose de nécessairement «spirituel» – la vérité est que je ne suis pas sûr de ce que la catégorie de «spirituel» signifie vraiment – mais je pense à cette énergie expérience inhérente à la force vitale et à la présence. Alors, le tout m'amène à me demander s'il existe un moyen de recadrer, de recontextualiser, ce qu'est une peinture de manière à ouvrir les possibilités de l'expérience de faire et de regarder la peinture qui engage cet aspect énergétique. Et existe-t-il un moyen de faciliter l'imbrication de la présence dans la forme, rendant la peinture plus vibrante et plus puissante? À quoi cela ressemblerait-il? À quoi ressembleraient des exercices destinés à faire cela? Et c'est vraiment l'accent de la première partie: Journeying, l'ensemble des webinaires hebdomadaires.

Et je pense que ces questions vont de pair avec les réflexions que j’ai eues aussi sur la structure changeante du monde de l’art et du marché de l’art et du monde des galeries. Donc, je réfléchis à quoi et comment une telle forme pourrait fonctionner – pour essayer de se réunir en tant que peintres et de s'engager ensemble dans l'effort de peindre, de faire de la peinture, de recevoir de la peinture. C’est ainsi que j’ai commencé à assembler la forme de la tapisserie.

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Outre l’enquête plus personnelle de mon travail de peintre, j’ai également pensé à l’évolution de la structure du monde de l’art. Une partie de cela est venue de mes propres expériences, bien sûr, à travers des interactions avec le monde de la galerie, les collectionneurs et tout ça. Et une partie de ma réflexion est née de la lecture et de la discussion avec les gens. Il s'agit plus d'une enquête anthropologique, sociologique et économique – essayant de comprendre ce qui se passe ici. C'est certainement radicalement différent des jours imaginaires du mouvement expressionniste abstrait dans les années 1950. Et ce que j'ai réfléchi concerne le sentiment de ne pas trouver une structure de soutien dans notre monde pour ce que j'essaie de faire, et ce que nous faisons tous vraiment, en tant que peintres. Il y a un sentiment croissant que quelque chose manque, et ce que nous trouvons comme moyen de partage et de distribution, la structure de la galerie et du musée, semble souvent manquer la vérité du pouvoir de la peinture. Ce que nous avons aujourd'hui est très limité de plusieurs manières très réelles. Tout d'abord, bien sûr, comme nous le savons tous, il n'y a pas assez de visibilité pour autant de grands peintres. Le monde des galeries est limité. Et cela doit être pour le fonctionnement économique du monde des galeries. Il doit y avoir une rareté d'exposition, une pénurie de créneaux disponibles pour les peintres. C’est ce qui fait que le peintre a une exposition spéciale et c’est ce qui fait que les peintures restent chères. C’est ainsi qu’il doit fonctionner. J'ai compris. Cela fait partie du compromis de faire en sorte que les moyens de distribution de la peinture soient inséparables d’une économie de marché. Bien sûr, ce n'était pas toujours comme ça. Mais c'est ce qui s'est développé depuis le XVIIIe siècle. L'essor de la catégorie culturelle des «Beaux-Arts» et l'essor d'une économie de marché se sont vraiment produits ensemble. Je ne parle pas de la fabrication de la peinture – l'activité de création d'images faites à la main – je parle d'une catégorie culturelle et de ce que nous en sommes venus à considérer comme l'art de la peinture. Et comment nous nous considérons comme des artistes. Donc, j’ai regardé autour de moi et je l’ai vu, alors que notre monde traverse d’énormes changements dus en grande partie à la mondialisation, aux développements technologiques et au changement climatique. Non seulement c'est une situation frustrante pour les artistes individuels, mais la structure de la galerie elle-même a du mal à se maintenir. Nous le voyons dans de très bonnes galeries qui passent beaucoup de temps à rester au-dessus de l'eau. Et quand nous regardons comment les choses changent partout, à l'échelle mondiale, il est logique que le monde de l'art soit également en train de changer et qu'il soit difficile de trouver une structure durable. Donc, je me demandais ce que nous pouvons faire en tant que créateurs pour fournir ensemble une structure qui nous donnerait un sens de sens commun, de partage et de distribution communautaires – et une distribution qui pourrait inclure d'autres, pas seulement une sorte de club de peintres élargi . Je me demandais à quoi ressemblaient les temps passés avant la structure de la galerie. À quoi cela ressemblait-il lorsque nous avions un sens plus proche de la communauté, lorsque nous vivions localement et collectivement? Et à quoi cela pourrait ressembler pour nous maintenant. Étant donné tous les changements qui semblent survenir dans un avenir très proche, je pense beaucoup à ce que signifie être local. Cela a commencé pour moi en lisant le livre de Bill McKibben Eaarth, il y a quelques années, où il écrit comment les choses pourraient évoluer pour nous, si tout se passe bien, en créant plus de communauté locale. Aussi, j'ai récemment lu un livre intitulé Le local est notre avenir par Helena Norberg-Hodge, et il y a quelque chose dans ce changement qui me semble juste, sain sur le plan culturel. Quelque chose comme ca. Je veux dire, bien sûr, j'adorerais montrer dans une grande galerie de New York – avoir un impact culturel et une empreinte culturelle importants – mais il y a quelque chose dans le vrai pouvoir de la peinture qui demande une intimité et une honnêteté sincère que notre structure actuelle ne fait pas. t semble vraiment savoir comment soutenir.

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Donc, pour en revenir à votre question: mon élan pour créer la Tapistry est vraiment venu de deux domaines – l'un le plus large, la vision culturelle du monde, et l'autre le domaine énergétique le plus intime, profondément expérimental et énergétique. J'ai réfléchi à la manière de donner du pouvoir à notre travail et de partager notre engagement en tant que peintres les uns avec les autres et avec les autres, et comment sécuriser notre sens du sens et du but partagés. Lorsque notre sens de la valeur de notre travail dépend d'une culture qui comprend la valeur principalement par le biais de mesures financières et si nous ne vendons pas beaucoup notre travail, il est facile de se sentir découragé ou dédaigneux de notre travail. Et même si nous savons que ce n'est pas vraiment la manière la plus vraie d'évaluer le travail, repousser cela et réaffirmer notre croyance et notre conviction dans notre travail devient une routine quotidienne. Alors, comment pouvons-nous créer une structure qui permet de creuser profondément dans notre propre travail, de donner plus de pouvoir à l'œuvre et de créer une alternative partagée qui maintient un sens fiable du sens de la peinture, qu'elle soit vendue ou non? À quoi cela ressemblerait-il? Parce que les peintures rupestres n'ont jamais eu de liste de prix ni de points rouges.

Le nom Tapistry est né de la réflexion sur la peinture comme un tissu énergétique. Un tissage énergique du fabricant au récepteur. Qu'il y a en quelque sorte un tissage de force vitale et d'énergie vitale. Et plus la peinture est forte et profonde, plus le tissage est grand, fort et large. Pensez au nombre de personnes qui ont été touchées par un autoportrait de Rembrandt! C’est un très gros tissage énergétique! Mais non seulement il y a un tissage entre le fabricant et le récepteur; il y a un tissage entre nous les fabricants les uns avec les autres. Cela est particulièrement vrai lorsque vous pensez à nos influences et à nos expériences, à la grande histoire et à la lignée de la peinture, et maintenant à l'accès sans précédent que nous avons. Nous avons un accès instantané non seulement à la peinture occidentale, mais à la création d'images mondiales dans le passé et le présent. C’est un sens assez lointain de l’activité humaine qui essaie d’intégrer tout cela. Et c’est pourquoi je suis également intéressé par l’aspect du don dans la deuxième partie de la tapisserie. Parce que le don, et le don, est vraiment une autre façon de décrire un tissage énergétique.

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EH: Vous voyez notre culture et notre civilisation comme ayant atteint un carrefour sur le point de basculer vers un avenir plutôt incertain. Pouvez-vous nous expliquer comment nous sommes arrivés ici et à quoi pourraient ressembler les futurs possibles?

JW: Il me semble, et ici je suis d'accord avec la façon fondamentale de le décrire par Charles Eisenstein, le militant environnemental sacré, que nous vivons dans une culture et une civilisation, depuis des milliers d'années maintenant, avec une histoire de séparation . Nous nous considérons comme déconnectés les uns des autres et de la terre. Nous pensons que nous sommes des individus et des entités intrinsèquement séparés. Et bien sûr, il y a sont les différences entre nous – ce n'est pas tout une bouillie indifférenciée, mais fondamentalement nous faire partager notre Être et sont inséparables de la terre. Et cette déformation de notre sens de nous-mêmes a conduit à une rupture phénoménale de notre civilisation. Et nous ne savons pas du tout où nous allons d'ici. Que ce qui se passe soit un magnifique réveil pour que l'humanité choisisse de mûrir et de comprendre que nous sommes tous dans le même bateau, ou si la disparité et l'iniquité iront dans des proportions encore plus folles. Nous progressons très rapidement contre ce bord. Et il n'est vraiment pas clair s'il y a suffisamment de personnes prêtes à évoluer vers une nouvelle façon d'être ensemble sur la planète. Donc, ça va être un siècle très intéressant. Nous avons la possibilité d'entrer dans une manière de vivre ensemble plus profonde et plus belle, dans la langue d'Eisenstein – qui vient de Thich Nhat Hanh, le moine bouddhiste – nous pouvons entrer dans une histoire d'interbe. Et je crois que la peinture a un rôle à jouer là-dedans – l'art a un rôle à jouer là-dedans. Parce que, dans un sens très réel, l'expérience de la peinture révèle la porosité de notre expérience continue et apparemment subjective et d'être – que je reçois une sorte de coup de fouet énergétique d'une peinture que quelqu'un d'autre fait – qu'est-ce que c'est? Comment est-ce encore possible si nous sommes vraiment des êtres séparés? Et, en tant que peintres, nous pouvons nous pencher sur la compréhension de la peinture comme fonctionnant là dans un tissage énergétique, révélant notre interbeing inhérent. C'est ce que fait la peinture, c'est sa nature. Ainsi, l'expérience plus profonde de la nature de la peinture peut aider à éveiller notre sentiment d'interconnexion, d'être partagé, dans tout cela ensemble.

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EH: Qui est le participant idéal à la tapisserie?

JW: Je pense qu'il y a une gamme de participants potentiels qui seraient idéaux. D'une part, il peut s'agir de quelqu'un qui s'est développé en tant que peintre et qui cherche un moyen d'approfondir sa pratique: apporter plus de jus, plus de force de vie, plus de pouvoir dans son travail. Et ils aimeraient le faire dans un voyage partagé avec d'autres peintres qui sont également engagés. Ces gens ont leurs compétences fondamentales et veulent aller plus loin. Et c'est ce que la première partie du Tapistry aborde très directement – l'ensemble de huit webinaires. Ceux-ci expliquent comment obtenir plus de présence dans le travail, qu'est-ce que cela implique, comment cela fonctionne-t-il. Donc, c'est définitivement destiné à ces peintres. Mais cela pourrait aussi être pour quelqu'un qui pourrait déjà se considérer comme un peintre professionnel et qui ne cherche pas nécessairement à changer sa façon de travailler – bien qu'il soit toujours intéressant d'explorer et d'essayer des trucs et cela ajoute à notre façon. Mais le peintre sait plus ou moins où il vit en tant que peintre. Mais ils sont intéressé à explorer certains des aspects ou domaines plus profonds de la nature de la peinture elle-même. Quoi est ce que nous faisons en tant que peintres? Il ne s'agit pas seulement de faire une peinture forte, mais comment fonctionne une peinture forte, qu'est-ce que c'est faire, énergiquement? Donc, je pense qu'il y a aussi une place pour un peintre plus professionnel. C'est certainement mon espoir. Et aussi, je crois qu'il y a une place pour quelqu'un qui commence vraiment un voyage dans la peinture mais qui a un fort sentiment de force vitale, vous pourriez l'appeler un sens spirituel, de notre interconnexion, et qui cherche à explorer cela dans la peinture. Je pense qu'il y a aussi une place pour cette personne. Ainsi, il peut y avoir un mélange en termes de niveau de compétence mais un sentiment partagé d'engagement commun, un parcours commun.

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EH: Pouvez-vous nous parler de la structure du programme?

JW: La structure du programme comprend trois parties. La première partie du programme, «Journeying», est une série de huit webinaires hebdomadaires, débutant en janvier, où nous explorerons l'aspect de la présence dans notre peinture. Qu'est-ce que la présence et comment ça marche? Comment obtenir de la présence dans ma peinture? Je vais démontrer différentes façons de travailler, de dessiner ainsi que de peindre, d'abstracter ainsi que de représenter, de travailler rapidement et lentement, analytiquement ainsi que plus gestuellement et intuitivement, le tout dans le contexte de la présence et des préoccupations plus larges de la tapisserie. Le but est de localiser, à travers les exercices: où puis-je résonner en tant que créateur? Quel est mon tempérament? Quelle ou quelles façons de travailler m'éclairent vraiment et m'aident à me sentir profondément engagé? Les webinaires seront enregistrés et archivés, et disponibles à tout moment par la suite si quelqu'un ne peut pas se rendre sur le flux en direct. Il y aura également une page Facebook réservée aux membres où les gens pourront publier leurs propres engagements avec les exercices, nous donnant la possibilité de partager non seulement les images mais le voyage partagé, les défis et les obstacles et les réalisations – pour obtenir des commentaires et suggestions et communauté. Cette première partie, étant entièrement en ligne, est ouverte à un nombre assez illimité de participants dans le monde.

La deuxième partie de la tapisserie s'appelle «Intégration et cadeaux». Il se composera d'un plus petit nombre de participants, douze, pour rester intime. Dans la deuxième partie, les participants travaillent pour intégrer les aspects des exercices de la première partie, Journeying. Disons, peut-être que j'ai vraiment ressenti un groove avec trois des exercices des huit webinaires – à quoi cela ressemblerait-il si je pouvais intégrer ces trois façons de travailler? Et si deux d'entre eux me semblent se contredire?! Donc, je donnerai trois webinaires au cours de cette partie et avec chaque personne, je tiendrai deux appels Zoom individuels – pour les aider à trouver leur chemin.

De plus, en plus de l'intégration, il y a l'aspect du don – le don comme moyen de tisser l'énergie créatrice et de catalyser l'échange énergétique entre le fabricant et le récepteur. Chacun des douze offrira à quelqu'un d'autre dans le groupe, ainsi qu'à quelqu'un en dehors du groupe – envoyant en fait quelque chose fait par la poste. Et j'enverrai à chacun des douze un dessin de moi – ce qui fera avancer le cycle des cadeaux.

Et enfin, dans la troisième partie, «Convergence», nous nous réunirons à Boulder, Colorado, au début du mois de mai, pour passer quatre jours, partager notre travail, participer à d'autres exercices et explorer certaines des pensées et des expériences qui, espérons-le, ont été soulevées au cours des première et deuxième parties.

Donc, c'est tout en un mot. Je suis surexcité. Tous les nouveaux.

Lien vers plus d'informations sur Tapistry.


Jordan Wolfson est un artiste contemporain, né en 1960 et élevé à Los Angeles. Il a obtenu son MFA de la Yale University School of Art en 1991. Wolfson a beaucoup exposé aux États-Unis et à l'étranger et a reçu de nombreux prix, dont la Pollock-Krasner Foundation Grant, la Ingram Merrill Foundation Grant et un Purchase Award de l'American Academy. des arts et des lettres; il était membre du Fine Arts Work Center de Provincetown, MA et de la Ballinglen Art Foundation en Irlande. Son travail a été exposé par la Hirschl and Adler Gallery, la J. Cacciola Gallery et la DFN Gallery de New York. Wolfson est actuellement représenté par la Prographica Gallery de Seattle et Rothschild Fine Arts de Tel Aviv. Il vit à Longmont, Colorado et a un studio à Boulder.

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