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Art et peinture

Les meilleurs dessins primés de 2020

Jetez un œil au travail exquis des trois artistes gagnants du concours de dessin 12th Strokes of Genius.

Notre numéro spécial, Le meilleur du dessin, est une vitrine des 117 œuvres d'art exceptionnelles – exécutées dans un support de dessin ou sur un support humide en utilisant une approche de tiroir – qui ont été sélectionnées pour publication parmi toutes les entrées dans le 12e Coups de génie concours de dessin. Cette année, nous avons demandé à l'artiste Juliette Aristides de sélectionner trois dessins parmi ces finalistes pour les prix de première, deuxième et troisième place, ainsi que 10 mentions honorables. En savoir plus sur les meilleurs lauréats et leurs dessins primés ci-dessous; voir les gagnants de la mention honorable dans Le meilleur du dessin problème imprimé ou numérique.

Il convient de mentionner que ce concours de dessin avait lieu au printemps dernier, juste au moment où la pandémie de COVID-19 est descendue dans nos vies. Comme vous vous en doutez, de nombreux artistes ont soumis des œuvres qui reflètent cette expérience. Dans certains cas, les artistes reconnaissent que les altérations dues à la pandémie leur ont donné l'occasion de travailler avec une orientation qu'ils n'auraient peut-être pas eue autrement. Dans ces moments-là, on nous rappelle le rôle important que l'art doit jouer dans la narration de nos histoires – qu'elles soient belles ou stimulantes.

Il est également vrai que l'art offre un moyen sain d'évasion créative – et c'est exactement ce que nous espérons que vous vivrez en poursuivant votre lecture.

Gagnant de la 1ère place: Kumiko S. McKee

La qualité émotionnelle capturée dans ce portrait puissant a attiré l'attention du juré et a valu à cet artiste notre premier prix.

Par Rebecca Dvorak

Ésaïe (graphite sur papier 40 × 30) par Kumiko S. McKee

Le dessin primé, Ésaïe, est un portrait du neveu de Kumiko S. McKee, qu’elle décrit comme assez timide et hésitant à parler. «J'ai dessiné cette pièce à l'âge de 17 ans pour lui souhaiter le courage de réaliser son potentiel», dit-elle. «Je suis heureux qu’il soit devenu un jeune homme confiant.» McKee espère que le spectateur ressent dans le dessin la sensibilité intérieure et l’esprit créatif de son neveu.

La jurée Juliette Aristides a clairement répondu aux qualités poignantes de la pièce. «La vulnérabilité de l'enfance est capturée face au jeune homme», dit-elle. «La pièce se distingue parce qu'elle transmet de l'émotion en plus d'être techniquement forte. Ésaïe incarne l'inquiétude d'une génération d'enfants face à un monde en évolution rapide. Le dessin a autant de cœur que d'habileté.

McKee aspire à capturer plus qu'une ressemblance dans ses portraits; elle veut que son travail exprime l'intérieur émotionnel d'une personne – la «vraie personne». Elle attribue sa capacité à le faire au fait que la plupart de ses sujets sont des membres de sa famille. «Je les connais personnellement. Et je pense à eux pendant que je travaille sur le portrait. " elle dit. "Je suis capable de comprendre leurs sentiments."

Kumiko S. McKee

Un début précoce

McKee's Famille américaine série, qui comprend son dessin primé, présente chaque membre de sa famille multiculturelle. L'artiste a commencé à dessiner à un jeune âge tout en vivant dans son Japon natal; elle y a été élevée par sa grand-mère après le divorce de ses parents alors qu'elle était bébé. McKee a dessiné des visages de filles pour l'aider à se sentir moins seule. Enfant, elle rêvait de devenir une artiste manga. Mais son attention s'est éloignée de ces bandes dessinées japonaises lorsque son professeur d'art au collège a remarqué son talent et lui a suggéré de se concentrer sur les beaux-arts au lycée.

C'est au cours de cette formation qu'elle découvre Rembrandt. Elle a trouvé l'inspiration dans son utilisation de l'atmosphère dramatique et des techniques de clair-obscur. «La classe de dessin était mon endroit préféré pendant mes années de lycée», dit-elle. «J'allais là-bas après l'école et dessinais les bustes en plâtre. J'ai adoré le bruit d'un bâton de charbon de bois frottant contre du papier à dessin lisse dans le salon calme. C'était comme une méditation pour moi. C’est là et comment j’ai appris mes techniques de dessin – et c’est pourquoi j’aime dessiner. »

Au départ, McKee considérait le dessin comme un outil d'apprentissage pour développer ses compétences pour d'autres types d'art. «Depuis,» dit-elle, «j'ai découvert que le dessin n'est pas seulement un outil mais aussi un excellent moyen d'exprimer et de représenter mes idées.»

Liza (graphite sur papier 40 × 30) par Kumiko S. McKee

Un sentiment d'unité

Après le lycée, McKee a déménagé aux États-Unis pour fréquenter l'université de l'Université du Wyoming, où elle a obtenu son diplôme de BFA. Elle a rencontré son mari aux États-Unis et s'est mariée dans une famille qui était pleine d'autres relations interculturelles. «Ma nouvelle famille est étroitement liée», dit-elle. «Il existe un sentiment d’unité malgré la diversité des origines. C'est une expérience différente de ma propre éducation japonaise. »

C’est cette nouvelle famille qui a inspiré McKee à créer le Famille américaine série, un ensemble de travaux qui, espère-t-elle, met non seulement en évidence le caractère unique de chacun des membres de sa famille, mais favorise également une appréciation de la diversité raciale et ethnique en général.

Savion (graphite sur papier 40 × 30) par Kumiko S. McKee

Le processus du portrait

McKee commence le processus d'un portrait en prenant 50 à 100 photographies de son sujet. Étant donné que les membres de sa famille n’ont aucune expérience de mannequinat, ils sont tous généralement nerveux le premier jour. Mais le deuxième jour, ils sont plus détendus et elle est généralement en mesure d’obtenir une image réaliste.

Une fois qu'elle a choisi la photo de référence, au lieu d'en utiliser une copie, elle visualise l'image sur son ordinateur, qu'elle place à côté de son chevalet. «Il est plus facile de voir les détails travailler directement sur l’écran plutôt que sur une image imprimée», dit-elle. "Je peux l'agrandir au besoin pour arriver aux petits détails."

Elle commence par un sous-dessin. «J'utilise une méthode de mesure traditionnelle pour obtenir des proportions précises du modèle et pour m'assurer que toutes les proportions sont correctes avant de commencer à ombrer», dit-elle. "Résoudre les problèmes de proportion est difficile une fois que j'ai commencé l'ombrage."

McKee fait des hachures en lignes parallèles et utilise son pouce pour mélanger les zones sombres, du coton pour les tons moyens et du papier de soie pour les zones les plus claires. Elle n’utilise pas de crayons blancs pour la mise en évidence, car les zones non ombrées seront naturellement plus claires. Elle utilise parfois une gomme molle pétrie pour supprimer les zones ombrées et créer des reflets qui donneront à l'image un effet tridimensionnel.

Ensuite, elle commence les détails à l'aide de ses crayons mécaniques en graphite, en particulier HB et B2, pour dessiner des lignes et des détails délicats. «Je suis droitier», dit McKee, «je travaille donc de haut en bas et de gauche à droite pour éviter les bavures et garder une surface propre.» Il faut beaucoup de discipline pour garder sa surface – le papier de la série Bristol Vellum 500 de Strathmore – vierge.

Chibi II (graphite sur papier 24 × 18) par Kumiko S. McKee

Le cœur du sujet

Bien que McKee accorde une attention particulière à sa photo de référence, elle reste également concentrée sur l'esprit de son sujet. «Certains artistes peignent ou dessinent étonnamment une réplique exacte d'une photo, mais mon style est un peu différent», dit-elle. «Je ne dessine pas tout ce que je vois sur la photo de référence. J'essaye de dessiner tout ce qui me semble nécessaire pour représenter et faire ressortir le caractère de mon modèle. Le portrait terminé n’est pas une copie exacte. Mon espoir est d'ajouter quelque chose au-delà des éléments factuels. » En d'autres termes, le cœur.


Gagnant de la 2e place: Marcos Rey

Un sentiment d’austérité et un regard mystérieux – combinés à la manipulation sensible des matériaux par un artiste – ont créé un dessin captivant.

Par Christine Proskow

Ariane et le monde (fusain, graphite et encre sur toile 391⁄3 × 243⁄4) par Marcos Rey

Dans son entrée primée, Ariane et le monde, L’artiste espagnol Marcos Rey, basé à Arequipa, au Pérou, a utilisé la composition, le contraste et la métaphore pour explorer un thème puissant. Placé au centre du plan de l'image se trouve le sujet, Ariane. Attirés par les traits doux de la jeune femme, nous sommes accueillis par son regard inexplicablement austère. L'effet est encore renforcé par sa pose auto-retenue; le positionnement soigneux de ses mains inertes; et sa robe de style victorien aux teintes sombres. Chargé d'une tension sous-jacente, le dessin capte à la fois notre intérêt et soulève des questions. Qui est-elle? Et quelle est la signification de son regard distant?

Selon Rey, «Ariane est une adolescente péruvienne qui est sur le point de découvrir le monde, mais elle vit dans un pays où la liberté totale des femmes n’existe pas, que ce soit en raison d’un idéal culturel enraciné ou d’une société hautement patriarcale. C’est une réalité que vivent la plupart des filles et des femmes au Pérou. »

Marcos Rey

Représenter la répression

L'idée de Rey pour la pièce découle de ses observations de première main sur les normes culturelles qui prévalent au Pérou. L'artiste est arrivé dans le pays depuis l'Espagne, où il avait observé une plus grande égalité entre les sexes. «Quand je suis arrivé au Pérou, j’avais l’impression de remonter le temps», dit-il. «En particulier, j’ai découvert une culture de machisme aussi répandue que l’air; vous pouvez presque le respirer. Dans ce dessin, je voulais représenter l’idée de la répression sexuelle des femmes, symbolisée par la robe noire de la figure qui couvre toute sa silhouette à l’exception de ses mains. »

Avec sa concentration exceptionnellement forte et son utilisation imposante d’éléments contrastés, le dessin de Rey a attiré l’œil de la jurée Juliette Aristides et a remporté la deuxième place. «Le dessin s'inspire à la fois de références contemporaines et historiques», dit Aristide. «Il a l’austérité d’un daguerréotype (une première forme de photographie), ainsi que la sensibilité et l’expression impassible de la peinture à l’huile de Jules Bastien-Lepage de 1875, La Communiante. L'abstraction large et texturée du fond et de la robe met en relief les détails des mains et du visage. C'est une forte représentation d'une jeune femme qui peut se défendre dans le monde. "

Femme en manteau (graphite sur papier 363⁄5 × 20) par Marcos Rey

Inspiration et imperfection

Rey est un artiste autodidacte qui se consacre au dessin et à la peinture à plein temps au milieu de la vingtaine. Ariane et le monde, comme ses autres œuvres, implique un processus de transformation de son concept original dans sa propre langue. Si l'artiste est attentif à cette expression unique et à son évolution, son travail s'inspire également des maîtres anciens comme Léonard de Vinci et Rembrandt, ainsi que d'artistes contemporains tels que Michaël Borremans (belge, 1963–), Nicola Samorì (italien, 1977–) et Vincent Desiderio (américain, 1955–). «Mon apprentissage est constant», dit Rey. «J'étudie continuellement leurs œuvres et je suis nourri par leur inspiration.»

Bien entendu, trouver un modèle adapté est essentiel au succès d’un dessin. Ariane, comme tous les modèles de Rey à ce jour, est une amie. Parce que l'artiste travaille exclusivement à partir de photos, il prend beaucoup de clichés de référence – environ 70 lors de la séance photo avec Ariane, par exemple. «Je me concentre sur l'équilibre entre la technique et l'idée que je veux transmettre», dit Rey. "En fin de compte, la photo n'est qu'un outil de plus que je passe et que je mets finalement de côté pour faire ce que le dessin lui-même demande."

Rey utilise également Photoshop pour prendre des décisions de composition. Dans ce cas, il a utilisé le programme pour recomposer les mains et les doigts d'Ariane jusqu'à ce qu'il obtienne l'image qu'il voulait. Un examen plus attentif révèle une pénurie surprenante de chiffres. Ce choix curieux, cependant, s’inscrit dans la croyance avide de l’artiste de permettre l’imperfection. «Malgré l'importance d'une bonne technique», dit Rey, «l'imperfection est également très importante pour que l'œuvre reste crédible et relatable.»

Homme assis (fusain et graphite sur toile 331⁄3 × 301⁄2) par Marcos Rey

Outils, techniques et textures

Créer Ariane et le monde, Rey a utilisé du charbon de bois, du graphite et de l'encre noire sur une toile apprêtée. Sa technique implique à la fois la construction et la déconstruction de ces applications pour générer des effets de texture riches. Inspiré par l'artiste espagnol Antonio López García (né en 1936), Rey a d'abord expérimenté l'approche dans un dessin de sa femme, Pam; cette œuvre est maintenant suspendue au Museu Europeu d’Art Moderne, à Barcelone. «À l’époque, je n’utilisais pas d’encre; seulement du graphite et du charbon de bois », dit Rey. «Désormais, je vais« maltraiter »les médias régulièrement, chaque fois que je dessine sur une toile, pour ajouter de la texture et des détails.»

Une fois que Rey a dessiné sa composition de base, il commence à établir des zones avec de l'encre, du charbon de bois et du graphite. Pour cette pièce, il a utilisé du graphite pour les détails plus fins du visage et des mains, de l'encre pour les plis ombragés de la robe et du charbon de bois pour la robe et l'arrière-plan. «J'ai d'abord appliqué une couche douce de spray fixateur. Ensuite, j'ai appliqué un mélange d'eau et de colle synthétique sur la surface, provoquant la rupture de gros morceaux de charbon de bois », explique Rey. «Le fixateur a adhéré une partie du charbon de bois, qui autrement a commencé à se déplacer et à créer une texture pour l'arrière-plan. Cette image brute est devenue la base de la prochaine étape. »

Rey a répété ce processus cinq fois, introduisant un mélange d'encre dilué dans les deux dernières couches pour créer encore plus d'effets de texture. C'est un processus que l'artiste décrit comme une «danse en couches». Il utilise également du papier de verre ou un tranchant de couteau pour gratter la surface et révéler certains blancs. La dernière étape consiste à mettre le dessin de côté pendant quelques semaines, en appliquant les touches finales plus tard si nécessaire.

Bonito (graphite et encre sur toile 31⁄2 × 331⁄3) par Marcos Rey

Dessin acclamé

Après plus de 10 ans de pratique et de perfectionnement de ses compétences artistiques, le travail de Rey a commencé à recevoir une attention internationale. En donnant vie à son imagerie stimulante avec une virtuosité technique, l'artiste encourage un engagement profond. Rey s'efforce de fournir aux téléspectateurs une vision convaincante – une image à contempler et pas simplement à observer.


Gagnant de la 3e place: Carol Peebles

La représentation par un artiste d’une séance de dessin de vie célèbre non seulement l’expérience, mais semble également lancer une invitation.

Par Ruth Rodgers

Atelier de dessin Blue Easel Club (pastel sur papier tonique 26 × 22) par Carol Peebles

«Le rideau est tiré un jour dans la vie d’un étudiant d’atelier», déclare la jurée Juliette Aristides, commentant le pastel de Carol Peebles, Atelier de dessin Blue Easel Club, sa sélection pour remporter le troisième prix. «Le modèle se présente comme les élèves se concentrent dans une concentration tranquille. Le dessin capture le caractère sacré de la relation entre l'artiste et le modèle, et célèbre le rôle du nu dans l'art. Ce dessin n'est pas photographique; il met en lumière les efforts des artistes contemporains pour travailler directement à partir de la vie. La représentation de cette expérience est devenue d'autant plus poignante que la pandémie a mis fin aux cours de dessin de vie à travers le pays.

Les remarques d’Aristide ont capturé la vérité encore plus qu’elle ne le savait, car Peebles a consacré sa vie et sa carrière à la création et à la subsistance d’une communauté artistique qui va bien au-delà de l’enseignement du dessin. L'artiste, originaire de la Nouvelle-Orléans, a étudié l'art à l'Université de la Nouvelle-Orléans, où elle a obtenu un B.A., et à Penn State, où elle a obtenu sa maîtrise en beaux-arts, et à la New Orleans Academy of Fine Arts. Elle a suivi son éducation formelle en voyageant à travers l'Europe, étudiant attentivement les grands maîtres et développant un dévouement à la tradition réaliste classique.

En 2009, Peebles a ouvert son propre atelier, le Blue Easel Club. Le club doit son nom aux chevalets en métal bleu qui remplissent l'espace du studio. Ici, elle enseigne à des étudiants de tous niveaux et apprend à tirer de la vie dans le charbon de bois. Mais les leçons vont au-delà des techniques de base.

Carol Peebles

Ressentir l'esprit artistique

Dans son célèbre livre de 1923, L'esprit artistique, Robert Henri (1865–1929) a déclaré: «L’objet n’est pas de faire de l’art, c’est d’être dans cet état merveilleux qui rend l’art inévitable.» Dans cet esprit, les cours de Peebles pourraient inclure des modèles de la scène des arts et du divertissement, des conférenciers invités, des lectures de poésie ou de matériel historique, de la musique et, souvent, des rassemblements autour d'une table pour partager la nourriture, les boissons et la philosophie de l'art. Peebles cherche à déplacer l'acte de faire de l'art loin du sociopolitique. Elle vise à le ramener à ses racines classiques. «Ensemble, en tant que famille, nous pouvons apporter au monde de l'art ce dont il a désespérément besoin: un respect pour la nature, une camaraderie au-dessus de la compétition et un amour de la vie. Plutôt que de promouvoir la création de commentaires angoissés, l'artiste aspire plutôt à voir «des gens heureux esquisser la beauté du monde qui les entoure».

Pour cette démonstration de dessin, Peebles a travaillé avec du fusain sur du papier Strathmore Series 400
Les élèves dessinent des modèles de la vie dans l’atelier de Carol Peebles, le Blue Easel Club

Devenir philosophique

La pièce primée de Peebles illustre sa philosophie. En tant que téléspectateurs, nous avons le privilège de voir au-delà du rideau rouge brillant et sommes attirés dans un monde privé. A son image, seul le mannequin semble vivant. Sa chair brille de couleurs chaudes et sa forme est sculptée par la lumière doucement rougeoyante. Au-delà d'elle, les élèves sont représentés comme des personnages monochromes, anonymes et sommaires. Le sujet (la nature) règne, et les artistes ne sont que des conduits pour son expression. Peebles parle de «servitude envers le sujet», mais elle ne considère pas cela comme un fardeau, mais plutôt comme un avantage pour l’artiste. Expliquant l'approche du studio qui, selon elle, fonctionne le mieux, elle dit: «Amusez-vous simplement et étudiez tout ce qui se trouve devant vous. Vous ressentirez lentement son effet réchauffant sur votre esprit et je vous garantis que cela vous apportera le bonheur. "

Pour Peebles, l'expérience d'atelier est une passion qui influence son propre travail. Dans les arrière-plans de la plupart de ses dessins de nus, elle inclut les figures de ses amis d'atelier à leurs chevalets comme si elle ne voulait presque pas séparer le sujet du contexte de cet environnement (voir Apoux, Blue Easel Club).

Alice, club de chevalet bleu (pastel sur papier tonique 27 × 22) par Carol Peebles

Dessin au pastel

Pour ses œuvres en couleur au pastel, Peebles travaille généralement sur du papier pastel Colourfix. La surface à grain fin retient bien le pastel sans trop de texture gênante. Elle utilise principalement des bâtons de pastel Nupastel pour le dessin initial et le placement. Mais elle passe aux pastels Richeson plus doux pour appliquer les couches plus épaisses de couleur et de texture plus vives; vous pouvez le voir dans la draperie rouge de sa pièce primée.

Le travail et l’approche de Peebles de la vie artistique regorgent d’individualité, mais ce n’est pas sa préoccupation. «Un artiste n'a pas à se soucier de l'originalité», dit-elle. "Il fait surface comme de l'huile sur l'eau, sans intention."

Son meilleur conseil pour ceux qui espèrent améliorer leurs compétences est de dessiner souvent et rapidement – et de la vie. "Ne seulement travaillez sur de longs travaux qui vous sont précieux », dit-elle. «Imaginez un homme en train de pelleter de la neige; il le fait tous les jours et travaille dur. C’est le genre d’effort artistique qui apporte progrès, épiphanies et illumination artistique. »

Félicitations à tous nos artistes en vedette, et merci de partager vos «coups de génie» avec nous!


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