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Les secrets d'une bonne composition

Bonne composition. Une idée simple mais pas si simple pour en créer une forte et efficace!

Au cours de mes années de développement en tant qu'artiste, créer une bonne composition était certainement l'une des choses avec lesquelles j'ai le plus lutté. Même si je connaissais la théorie et les éléments de la composition, j'ai toujours eu du mal à les appliquer à mon propre travail. Avec de la concentration et beaucoup d'efforts en cours de route, il semble maintenant que je crée des compositions qui fonctionnent généralement. Et je suis toujours ravi quand la composition est vraiment forte.

Je sais que c'est une lutte continue pour de nombreux artistes à toutes les étapes. J'ai donc pensé: pourquoi ne pas demander à certains artistes dont j'admire les compositions de partager leurs conseils avec vous. Et c'est exactement ce que j'ai fait! J'ai demandé:

Quel est votre secret pour créer une bonne composition?

Comme on pouvait s'y attendre, nombre de leurs réponses se chevauchent. Vous verrez des thèmes récurrents. Pourtant, chaque artiste exprime ses idées d'une manière différente et vous pouvez donc gagner plus à lire les uns que les autres. Dans tous les cas, la répétition affirme à quel point nombre de ces principes de fabrication d'une bonne composition sont universels! La voix est la leur, avec très peu de montage de ma part. Comme vous le verrez, certains ont beaucoup écrit tandis que d'autres ont été plus succincts. C'était totalement à l'artiste de dire quoi dire. Tout ce qu'ils ont écrit est précieux et je les remercie EXTRÊMEMENT pour leur participation.

(Pour voir plus du travail de chaque artiste, cliquez sur son nom pour être redirigé vers son site Web.)

Et soooooo, dans un ordre aléatoire, un cadeau pour 2020 !! Voici les secrets pour créer une bonne composition partagée par 20 artistes.

ATTENTION! Ça va être un LONG blog!

1. Desmond O’Hagan

Équilibre. Lorsque je développe une composition de peinture, je recherche un équilibre visuel. Ceci est réalisé en étudiant constamment des œuvres d'art, en critiquant et en développant un œil pour ce qui semble juste. Je respecte très peu de règles de composition qui me permettent d'expérimenter le développement de ce qui me semble correct. Dans Pluie légère, centre-ville de Denver, J'ai équilibré les voitures à gauche avec la vapeur à droite. Si vous supprimez l'un ou l'autre, le tableau semblerait déséquilibré.

Bonne composition: Desmond O'Hagan,
Desmond O’Hagan, «Light Rain, Downtown Denver», 2012, pastel, 18 x 24 po.

2. Debora Stewart

Je pense que beaucoup des mêmes aspects s'appliquent à l'abstrait comme ils le font à des œuvres plus réalistes. Voici certaines des choses auxquelles je pense lors de la création d'un résumé. Peu importe qu'il s'agisse d'une peinture non objective ou d'un floral abstrait. Ce sont les mêmes considérations.

Placement des formes: Où sur l'espace vais-je placer les formes principales? Je place habituellement le centre et l'équilibre avec des formes plus petites dans une autre partie de la peinture.

Valeur. Je pense aussi au contraste. Je trouve qu'un résumé avec un contraste clair a plus d'impact. Où dois-je placer la partie la plus sombre de la composition? Il peut être de la plus grande forme.

Équilibre entre actif et calme. Je m'efforce d'utiliser les coups de pinceau, la création de marques et la couleur pour donner une variété et un équilibre des zones actives aux zones calmes. Je ne veux pas que toute la surface ait le même marquage. Je peux mettre une marque plus active dans la zone de mise au point. Je peux également mettre des couleurs plus pures dans la zone de mise au point. Les zones calmes apportent du repos à la composition et peuvent également contenir des couleurs plus neutres.

Palette de couleurs. Je mets autant l'accent sur les neutres que sur les couleurs intenses. Cela équilibre également les zones actives et les zones calmes. J'essaie également de limiter les couleurs que j'utilise et de choisir une plage de valeurs allant du clair au foncé. Je me concentre sur des schémas de couleurs complémentaires.

Espace. Je recherche des zones d'espace ouvert contrairement aux zones où il y a des marques ou des coups de pinceau plus actifs.

Harmonie et équilibre. La peinture est-elle équilibrée et harmonieuse en couleurs? Un domaine est-il surchargé de travail par rapport à un autre? Ai-je utilisé et répété la palette de couleurs tout au long du tableau? L'équilibre vient du travail sur l'ensemble du tableau et non sur une seule zone à la fois.

Certaines de mes idées initiales proviennent de croquis préliminaires dans un carnet de croquis ou sur du papier journal. Je génère toujours des idées avant de commencer un résumé. Je pense à la valeur, au placement des formes, à la ligne, à la couleur, à l'espace avant même de commencer une pièce.

Bonne composition: Debora Stewart,
Debora Stewart, «Daylilies and Hosta», pastel sur papier, 22 x 22 po. Ce pastel s'en va en France pour être dans un spectacle sur invitation, mai 2020

3. Gigi Horr Liverant

L'équilibre, le rythme et un point focal sont essentiels pour une composition réussie. Visualisez votre peinture horizontale et équilibrée au sommet d'un point d'appui. Le poids des éléments de la peinture est-il en équilibre sur le point d'appui? Sinon, ajoutez, réduisez, supprimez ou déplacez le «poids» de vos éléments visuels jusqu'à ce que la composition soit équilibrée. Le «poids» des éléments picturaux est déterminé par la densité d'un contraste fort ou d'une couleur riche. L'œil du spectateur sera attiré vers votre point focal en maximisant le contraste de la valeur dans la zone souhaitée.

Il devrait également y avoir un rythme ou un motif à vos éléments visuels lorsqu'ils se déplacent autour du plan de l'image. La répétition de notes musicales familières dans une partition est un bon exemple de modelage. Le motif de formes, de lignes ou de couleurs répétées dans une peinture agit comme les phrases familières de la musique et sert à maintenir la conception. Le contraste et les formes dirigent visuellement le spectateur à travers le tableau, l'objectif étant de maintenir le spectateur engagé dans les limites du tableau.

Gardez à l'esprit que toutes ces «règles» sont censées être brisées lorsque l'oeuvre l'exige!

Bonne composition: Gigi Horr Liverant,
Gigi Horr Liverant, «Tuesday Morning», 2019, pastel, 32 x 40 po.

4. Alan Flattmann

Permettez-moi d'abord de dire que je n'ai pas de secret pour créer une bonne composition. Mes directives sont basées sur des principes séculaires de combiner tous les éléments d'une œuvre – ligne, taille, couleur, forme, position et technique – en un tout harmonieux.

Je vais utiliser ma peinture pastel Heavenly Cloudburst pour discuter de trois de ces principes.

Équilibre est l'un des moyens les plus importants pour créer de l'ordre dans une composition. Une composition sans bon équilibre semble instable et inconfortable. L'équilibre peut être atteint grâce à la symétrie où les éléments d'une composition sont égaux ou très similaires autour d'un point central ou d'un axe. L'équilibre peut également être atteint par asymétrie en déplaçant les masses et les poids de telle manière que l'équilibre soit atteint sans être parfaitement égal des deux côtés d'une composition.

L'exemple le plus simple d'équilibre asymétrique que je puisse donner est d'imaginer un enfant et un adulte sur une balançoire. Si l'enfant et l'adulte sont assis aux extrémités opposées de la bascule, la bascule sera évidemment déséquilibrée, l'adulte plus lourd provoquant la descente de la fin de la bascule et la montée de l'extrémité de la bascule de l'enfant. Cependant, si l'adulte avance sur la bascule vers l'axe central, la bascule finira par se stabiliser et être équilibrée.

Mon tableau, Heavenly Cloudburst, est un exemple d'équilibre asymétrique. La grande cathédrale imposante positionnée sur le bord gauche de la ligne d'axe central est contrebalancée par le plus petit groupe de figures et d'objets sur le côté droit d'une manière similaire à l'exemple décrit ci-dessus.

Rythme est un autre principe important d'une bonne composition. Il est obtenu par la répétition de lignes et de formes créant un sentiment de mouvement. Le rythme est essentiel pour produire une composition harmonieuse et dynamique. Le mouvement peut couler doucement comme vous le verriez dans une peinture de paysage Corot ou Constable ou tourbillonner comme vous le verriez dans celui de Turner. Il peut également être droit ou angulaire comme vous le verriez dans une Cézanne ou des variations de tout cela. Il est généralement préférable qu'un type de mouvement domine.

Dans Heavenly Cloudburst, les lignes verticales à bords durs des bâtiments dominent. Les lignes verticales des bâtiments se répètent dans les averses de pluie et les reflets créant un flux vertical tout au long de la composition.

Centre d'intérêts. Je crois qu'une peinture fonctionne mieux lorsqu'il y a un centre d'intérêt ou un point focal clair en créant un fort sens de l'ordre dans une composition. La cathédrale est clairement le centre d'intérêt de Heavenly Cloudburst. C'est une grande masse avec un fort contraste et elle est située près du centre de la peinture. Les petites figures et le tuba ont été ajoutés pour créer un contrepoint à la cathédrale pour l'équilibre et pour éviter de mettre l'accent sur l'œil de taureau.

En tant que pratique générale, mon conseil aux étudiants est de toujours penser à la composition entière avant de plonger dans les détails. Pour tout ce que vous peignez, recherchez un arrangement de formes intéressant, puis essayez de trouver un centre d'intérêt pour contourner l'arrangement. Faites des croquis de vignettes si cela vous aide. Bloquez toujours en grandes formes d'abord pour établir le design et les proportions. Prenez votre temps pour développer un bon dessin avant de mettre de la couleur. N'oubliez pas qu'un bon contraste de valeur est tout aussi important que la couleur.

En conclusion, il est important d'étudier tous les principes de base d'une bonne composition, mais aussi de s'appuyer sur votre intuition. Nous avons tous un sens inné de ce qui semble bon. Allez avec votre instinct.

Bonne composition: Alan Flattmann,
Alan Flattmann, «Heavenly Cloudburst», 2019, pastel, 40 x 30 po.

5. Jeanne Rosier Smith

La composition, comme dessiner, lire ou conduire une voiture, n'est pas une compétence à une leçon. Cela nécessite une superposition d'informations, d'expérience et de pratique au fil du temps. De tous les différents trucs et astuces qui m'ont aidé à mieux comprendre la composition, une réalisation se démarque pour moi. Sous chaque bonne peinture se trouve une conception abstraite forte.

Une fois que j'ai fait le lien entre une bonne composition et le abstrait conception sous-jacente, mes compositions de peinture se sont considérablement améliorées. J'avais toujours fait des croquis de vignettes, mais une meilleure conception signifie faire le passage mental d'une mini-esquisse d'une scène à la réduction des compositions à leurs éléments les plus simples: formes de taille variable, bords, valeurs. Le changement n'est pas tant dans l'apparence de la vignette que dans ma réflexion.

Je peins des paysages marins et des paysages à la fois à partir de photos et en plein air, et dans les deux cas, je commence par une scène reconnaissable remplie de choses que je peux nommer: ciel, mer, vagues, mousse, arbres, montagnes, vallées, ombres. Dans la vignette, je compose ma peinture en simplifiant le sujet devant moi en un dessin sur une page faite de formes, de bords et de valeurs. En pensant dans les résumés, ces formes sont-elles trop régulières? Ai-je besoin d'une petite forme pour compenser cette grande? Faut-il déplacer une ligne? – plutôt que dans des objets – dois-je retirer cet arbre? – Je suis moins redevable à la réalité et libre de déplacer des éléments pour renforcer la conception. Souvent, une mauvaise composition est simplement due à une trop grande adhésion à la réalité.

Comme toute compétence acquise, ce type de jugement de conception est un muscle qui doit être entraîné; Je garde et j'ajoute continuellement à un dossier de tableaux (contemporains et classiques) que j'admire pour leur excellente composition. J'y reviens souvent comme leçons et inspiration.

Bonne composition: Jeanne Rosier Smith,
Jeanne Rosier Smith, «Deep Woods», 2019, pastel, 8 x 8 po.

6. Julie Freeman

Les historiens de l'art ont transmis des critères qui, selon eux, sont les bases d'une bonne composition: ligne, forme, forme, couleur, espace. Nous supposerions que ceux-ci sont basés sur l'observation d'œuvres réussies perçues et des éléments communs qui les relient. Dans le monde de l'art, la composition est considérée comme importante, mais parfois une œuvre ne respecte pas les règles.

Le genre que je choisis (réalisme photo) nécessite des détails que j'obtiens à partir de mes propres images de référence. Très souvent, je vois l'image à travers l'objectif de la caméra et je sais instinctivement que cela ferait une bonne peinture sans analyse ni aucune réflexion sur les éléments de composition. C'est agréable à l'oeil. Intuition artistique?

Les œuvres d'art qui sont considérées comme réussies incorporent des éléments de composition de base (pas nécessairement tous). Je veux présenter et célébrer mon sujet tel qu'il est, alors Couleur les choix sont choisis pour moi dans ce sens. La couleur est un élément important de la composition et peut apporter une réponse émotionnelle du spectateur, tout autant que le sujet choisi lui-même.

Une grande partie de mon travail est une représentation plus intime d'un sujet. J'adore les détails, tellement de mes pastels ont le sujet principal devant et au centre pour ainsi dire, de près et personnel. Il y a généralement moins de négatif espace et moins de détails. Il pourrait être flou avec une suggestion de Couleur et formes ou juste un fond uni.

Si le sujet est clair et lumineux, j'ai souvent un arrière-plan plus sombre pour contraste et de l'avancer, comme dans ma série flamingo. Généralement, le contraste des éléments dans mon travail, que ce soit avec la couleur, la texture, la valeur ou les bords durs / mous, est un outil de composition puissant que j'utilise.

Mes sujets comme les paysages marins, nautiques ou floraux ont été composés initialement à travers l'objectif de la caméra. Je prends ensuite l'image et joue avec elle sur un programme de design. Recadrage pour moi, il est important de mettre en valeur mon sujet ou mes éléments dans l'œuvre d'art. J'agrandis souvent l'image et utilise une section en plein écran. Un exemple de ceci est Varech méridional V (voir ci-dessous).

Je pense que même si une composition solide peut être agréable à l'œil, il existe d'autres aspects qui pourraient déterminer ce qui est considéré comme une œuvre d'art réussie. L'artiste peut considérer son travail comme réussi parce qu'il a atteint son objectif, conquis une technique, obtenu des prix ou vendu l'œuvre. Le spectateur peut le voir comme un succès pour diverses raisons, purement subjectives et non basées sur une compréhension des éléments techniques.

Pour résumer, mes secrets sont:

  • Bon recadrage du sujet
  • Contraste
  • Couleur
  • Intuition artistique
Bonne composition: Julie Freeman,
Julie Freeman, «Southern Kelp V», 2015, pastel, 38 cm x 100 cm. Cette image était un recadrage d'une plus grande photographie. J'ai passé un peu de temps à chercher, agrandir et recadrer pour trouver une composition qui me semblait forte. Je voulais montrer le mouvement du varech, si vous le regardez dans l'eau qu'il roule, il était donc important d'avoir ces morceaux de varech incurvés plus doux. J'ai également choisi un format paysage pour souligner la longueur et le mouvement fluide du varech. La variation des formes, non encombrée, donne une sensation d'espace et rend la pièce plus équilibrée. J'ai poussé un peu plus les couleurs et le contraste aussi, donc les bleus sarcelles étaient plus vibrants contre l'ocre vert.

7. Michele Mozzone

Planification! Comme je travaille à partir de photos, je suis peut-être excité de travailler avec une image, mais il est crucial que je résiste à l'envie de me lancer directement dans une peinture.

Je fais toujours des croquis de vignettes. Je travaille mes trois valeurs de base dans la vignette – clair, moyen et sombre.

Il peut être nécessaire de manipuler, de recadrer ou de modifier des éléments de la composition pour guider le regard tout en étant conscient des zones de repos et des points focaux.

J'essaie d'être conscient des espaces négatifs que je laisse autour et entre les éléments importants de la composition et de varier ces espaces afin qu'ils soient moins prévisibles et plus intéressants à l'œil.

Soyez conscient des points tangents – un point focal involontaire provoqué par des éléments mal placés dans la composition.

Je limite ma palette de couleurs pour créer de la cohésion tout au long de la composition.

Nous connaissons tous la règle selon laquelle l'utilisation de nombres impairs permet une composition plus réussie. Mais si j'ai deux éléments similaires à ceux de la peinture ci-dessous, j'en laisse un attirer plus l'attention, d'où le maillot de bain rouge vif.

Michele Mozzone,
Michele Mozzone, «Viewpoint», pastel, 12 x 12 po. Vendu.

8. Albert Handell

Dans mon esprit, la question est…. Quel aspect du sujet est le plus important… et quel est secondaire?

La partie la plus importante est généralement la partie qui se démarque le plus. Faisons référence à cette zone en tant que "zone positive" car elle doit être peinte positivement, et le reste de la composition qui la supporte en tant que zone secondaire ou zone négative.

Ainsi, tout n'est pas pareil.

Au fil des années, alors que je traitais cette question, "Qu'est-ce qui est important avec ce sujet, ou n'importe quel sujet, et qu'est-ce qui est secondaire?" J'ai trouvé qu'en peignant des vignettes, des «œuvres inachevées», je pouvais clairement me concentrer sur la partie de la scène qui m'intéressait vraiment et j'ai pu laisser le reste tomber, devenant ainsi secondaire.

Ici, dans ce pastel peint en plein air, je me suis concentré sur le «Lion King Rock» lui-même, ainsi nommé parce que Walt Disney vivait juste à côté d'Indian Gardens et l'a utilisé dans son film Lion King.

Sur le plan de la composition… ma première marque a été d'établir la ligne à partir du haut de la formation rocheuse du Roi Lion, du coin supérieur gauche au coin inférieur droit du spectateur. Pour séparer les deux zones, je me suis assuré que le haut n'était pas au milieu de la page.

Cette ligne est essentiellement longue et sépare le ciel de la formation rocheuse. Maintenant, je me concentre sur la zone que je voulais peindre – appelez-la un portrait du Roi Lion. J'établis d'abord les ténèbres avec une sous-couche aquarelle. Pendant que je travaillais sur la formation rocheuse, et après une mise en place considérable des couleurs pour les roches, j'ai mis juste une touche de bleu pour comparer les bords. Je n'ai peint le ciel que plus tard. Si vous regardez le bleu du ciel, il est essentiellement peint comme un «motif plat» de la même couleur ou valeur partout par rapport aux nuances de couleurs de la paroi rocheuse.

Cette ligne initiale est fondamentalement le début de la composition, établissant la division de l'espace et terminant la peinture pastel intacte.

Bonne composition: Albert Handell,
Albert Handell, «Lion King Rock», pastel sur aquarelle sur grain UART 500, 16 x 20 po.

9. Stephanie Birdsall

Hmmmmm…. ”Créer une bonne composition” ……. Dès que je commence à imaginer ma peinture, qu'il s'agisse de nature morte ou de paysage, je cherche le chemin de la lumière et comment elle tombe sur le sujet et me conduit à travers elle. Je pense à la lumière comme une mélodie se déplaçant dans ma peinture. La lumière crée également les motifs sombres et clairs, que je recherche également pour aider à établir le motif de mouvement. Je recherche également les grandes formes simples. Trop de petits peuvent créer le chaos.

En paysage, je recherche souvent la traditionnelle courbe en «S» pour guider mon regard à travers la composition, en utilisant les criques et les rivières, les avions sur une montagne, la ligne des arbres. Encore une fois, c'est un chemin à suivre par l'œil. J'organise ce que je vois dans mon esprit avant de commencer. Avec le plein air, je fais un croquis clair sur ma toile ou un croquis miniature, posant dans mes ombres afin qu'elles restent constantes tandis que la lumière change car elles font partie du motif sombre.

Mon objectif principal dans la composition est de garder l'œil du spectateur en mouvement et en s'arrêtant, mais toujours dans mon plan d'image. Je veux garder leur intérêt et ne pas les faire glisser en haut, en bas ou sur les côtés du plan de l'image.

Stephanie Birdsall,
Stephanie Birdsall, «Lemon Tree, Very Pretty», huile, 16 x 20 po.

10. Christine Swann

Pour moi, la meilleure façon d'aborder quelque chose d'aussi complexe que la composition est de se tourner vers la nature. J'ai été fasciné par certaines relations dans la nature et les nombreux systèmes que les artistes ont utilisés dans le passé pour créer l'harmonie et l'ordre. Une telle relation trouvée partout dans l'univers et répétée dans la nature (y compris sur le corps humain) est la séquence de Fibonacci. Il s'agit d'une série de chiffres qui s'appuie sur elle-même et qui se trouve dans la croissance des choses partout créant des arcs spécifiques et beaux. L'exemple le plus familier est la coquille de nautile. Autrefois considérée comme «l'empreinte digitale de Dieu», cette courbe se retrouve partout, y compris sur les bords extérieurs de nos oreilles et sur les ananas et les pommes de pin.

Alors, quand j'ai rencontré cet homme, j'ai su que je voulais peindre son visage escarpé. Bien que sans-abri, je ne pouvais pas m'empêcher de penser à la façon dont il avait été à un moment donné le petit garçon aux yeux bleus de quelqu'un. Alors naturellement, le bleu des yeux est devenu mon objectif. J'ai alors réalisé que je pouvais utiliser la spirale de Fibonacci comme un élément majeur du portrait. Je me suis mis à déplacer des éléments et à recadrer l'image pour que la spirale de Fibonacci mène à un œil. J'ai même créé un dessin de la spirale à la taille exacte de la peinture et je les ai placés côte à côte sur mon chevalet pendant que je travaillais pour pouvoir vérifier en permanence le placement des marques et des éléments.

Pour utiliser la spirale exacte, la peinture devait être dans les bonnes proportions, donc les dimensions de la peinture sont de 21 x 13 pouces. Ce sont des chiffres de Fibonacci. Le long de cette jolie spirale universelle, j'ai fait suivre des bords de choses – comme son col et son chapeau – la courbe. Puis ses moustaches et plis sur son visage ont été légèrement modifiés pour le suivre également. Il a fallu du temps et de nombreux croquis pour obtenir le placement exact correct. Par exemple, où placer son visage dans le plan de l'image et quelle taille il devait avoir. Une fois que j'ai eu ça, tout le reste s'est mis en place. Cela m'a également donné des zones claires en dehors de la spirale qui n'étaient pas aussi importantes. Je savais que je pouvais «laisser ces zones disparaître» et que cela servirait à soutenir ma concentration. Pour moi, cela a donné au tableau une grâce inexplicable, une mise au point claire et une merveilleuse façon de contrôler ma composition.

La composition n'est rien de plus qu'un artiste montrant un contrôle total sur une image. Peu importe les références photo ou même ce que votre modèle vous présente. Vous, l'artiste, êtes responsable de la composition de tous les éléments d'une image pour raconter une histoire, montrer le focus et apporter une touche artistique à l'art. C'est de l'art que nous faisons après tout. Donc, peu importe le système ou les pensées que vous avez concernant la composition, trouvez d'abord votre concentration, puis assurez-vous que tout le reste le supporte.

11. Aaron Schuerr

Avant de commencer, je me demande ce qui a attiré mon attention? Pour emprunter à Cézanne, quelle est la «sensation initiale?» Sur quoi je me concentre naturellement et comment me sens-je? Si les réponses sont claires et sans équivoque, je suis probablement prêt à sortir le carnet de croquis et à élaborer une composition. Si la réponse est vague et incertaine, je devrai peut-être me promener et voir si un autre angle sur la scène est plus dynamique.

La «sensation initiale» peut être aussi petite que l'éclat de la lumière sur un banc de neige, ou aussi vaste que l'échelle d'un pic imposant. Quoi qu'il en soit, ce qui attire mon attention dicte la façon dont je construis le tableau.

Je dois prendre le temps de réfléchir à ma relation au paysage. Est-ce un endroit que je pourrais facilement explorer? Ou est-ce raide et inhospitalier? Une bonne composition ne concerne pas seulement les formes, elle vous dit quelque chose sur la façon dont l'artiste se sentait à cet endroit et à ce moment-là.

Aaron Schuerr,
Aaron Schuerr, «Transfiguration Aspen Grove», huile, 27 x 39 po.

12. Lorenzo Chavez

C'est une très bonne question qui est posée à plusieurs reprises lors de mes ateliers que je dirige à travers le pays. J'ai enseigné des ateliers de maître sur la composition dans lesquels nous passons en revue les compositions fondamentales du paysage. J'ai d'abord appris cela en étudiant intensément le livre d'Edgar Payne, Composition de la peinture extérieureet Birge Harrison Peinture de paysage les deux que je recommande fortement. (Birge Harrison était un enseignant de John F Carlson qui a écrit le livre classique, Landscape Painting.)

Je passe en revue les compositions avec mes élèves et montre ensuite des images de peintures qui reflètent ces compositions. J'ai ensuite mes élèves faire des variations des compositions qu'ils viennent d'apprendre en les dessinant dans leurs carnets de croquis. Ensuite, je leur fais faire des variations des compositions basées sur le même sujet. Les élèves trouvent l'exercice difficile et instructif.

Les compositions que nous étudions sont:

1. Le Steelyard

2. Échelles équilibrées de conception triangulaire

3. Conception de la ligne rayonnante

4. Composition circulaire ou ovale

5. Courbe S ou Z

6. Ligne diagonale

7. La conception de la croix

8. Forme rectangulaire ou en L

Je pense que ces compositions sont des idées de design honorées et très respectées. Aucun secret nécessaire. Ils peuvent être vus et étudiés dans de nombreuses œuvres historiques et dans les peintures des meilleurs peintres contemporains d'aujourd'hui. Une fois qu'un élève est initié aux armatures de conception compositionnelle, on peut alors le voir facilement dans les peintures et dans la nature.

Mon tableau, Le bouquet des maîtres, est basé sur la conception de la ligne rayonnante et la composition du Steelyard.

Une fois que vous aurez compris ces compositions, vous ne reverrez plus jamais la nature ni les peintures des musées.

Bonne composition: Lorenzo Chavez,
Lorenzo Chavez, «The Masters Bouquet», 2015, pastel, 20 x 24 po.

13. Michael Freeman

Mon secret est que je n'ai pas de secret! Une bonne composition pour moi est simplement (ou pas si simplement) le résultat de l'intuition et de l'expérience. En dernière analyse, je fais confiance à mon instinct subconscient pour déterminer la composition d'une peinture plutôt que d'appliquer consciemment des formules, des règles ou des principes prédéterminés.

En fin de compte «Éléments visuels» (ligne, forme / forme, couleur, texture, ton / valeur, espace négatif / positif, profondeur, etc.), «Principes artistiques» (harmonie, perspective, lumière et ombre, taille, échelle, détail, chevauchement , proportions, équilibre, accentuation, mouvement, plans / surfaces, etc.) et «  Techniques / règles de composition '' (simplification, symétrie, règle des tiers, règle des cotes, géométrie, Fibonacci, figure / sol, nombre d'or, lignes directrices, etc) sont tous utiles pour expliquer pourquoi une composition fonctionne. Cependant, le facteur primordial pour moi de déterminer ma composition finale est ce qui me semble bien!

Pour moi, le processus de démarrage d'une peinture commence avec mon appareil photo. C'est un outil essentiel pour moi en tant qu'artiste photoréaliste / hyperréaliste. Je pense que la caméra est un outil artistique très sous-évalué, souvent décrié et mal compris. Cependant, comme avec tous les outils d'un artiste, il n'est aussi bon que la personne qui l'utilise!

La caméra est le point de départ de la naissance de ma composition ultime. L'appareil photo numérique a changé la donne pour l'artiste photoréaliste / hyperréaliste – car il n'y a pas de limite au nombre d'images que l'on peut prendre. Vous êtes libre d'explorer activement tous les éléments visuels, les principes artistiques et les techniques / règles de composition en temps réel. Vous ne pouvez jamais prendre trop d'images.

Lorsque je prends des images pour mes peintures, je joue constamment avec le monde physique pour voir ce que je peux créer en termes d'image: gros plan / loin; haut haut / bas bas; focalisé / flou; clair / foncé; mode sportif / macro; paysage / portrait; 2D / 3D; perspective / pas de perspective; etc.

De retour au studio, je commence à revoir mes photos avec un œil critique. Je cherche quelque chose qui crie PICK ME! Et je le choisis parce qu'il raconte une histoire, capture un moment, est spécial ou unique et a bien sûr une composition qui, selon moi, attirera l'attention / l'imagination du spectateur et l'attirera.

Une fois que j'ai sélectionné une image, je vais passer un peu de temps à jouer avec les valeurs et à finaliser le recadrage de l'image pour ma peinture.

La peinture que j'ai choisie ici est ‘UFOs’, une de mes séries de natures mortes BuzzyBee. Dans ce cas, il y a une étape de composition supplémentaire à ce que j'ai décrit ci-dessus. Avant de prendre des photos, je passe du temps à organiser les objets que j'ai sélectionnés pour ma peinture de nature morte – à jouer avec de nombreux arrangements / compositions physiques différents, y compris l'éclairage.

La composition de ce tableau est, je crois, un bon exemple de plusieurs des «éléments visuels»; «Principes artistiques»; et «Techniques / règles de composition» que j'ai décrites ci-dessus. Cependant, je vous laisse décider lequel s'applique le cas échéant, et si cette composition est réussie ou non, car vous seul pouvez décider si cette peinture vous convient!

La composition est, bien sûr, un élément essentiel de toute peinture réussie. Pour moi, cependant, c'est ma voix artistique intérieure, mon intuition et mon expérience qui me permettent de déterminer les compositions de mes peintures.

Peignez ce que vous aimez et souvenez-vous de la règle la plus importante: «Les règles sont là pour être brisées». Aucun genre d'art n'est supérieur aux autres, ils sont tous également incroyables, alors choisissez celui qui vous parle, écoutez votre propre voix artistique et amusez-vous!

Michael Freeman,
Michael Freeman, «UFOs», 2018, pastel, 40 x 20 cm.

14. Karen Margulis

J'aborde la composition en réfléchissant à la façon dont le spectateur pourrait voir la peinture. Mon objectif est de créer un parcours visuel pour le spectateur. Je veux les inviter dans la peinture et les montrer aux alentours. Je veux leur donner des endroits pour se reposer et profiter, mais toujours les tirer à travers toute la peinture. Je peux le faire en créant des voies visuelles avec mes choix de composition. Si je peux garder le spectateur à l'esprit lorsque je conçois et peins, cela m'aide à organiser mes formes et à utiliser le contraste pour créer des compositions intéressantes et réussies. Je pense au spectateur avant de commencer, pendant que je peins et quand j'évalue une peinture pour les marques de finition.

Karen Margulis,
Karen Margulis, «Marsh Magic», 2019, pastel, 8 x 10 pouces.

15. Michele Ashby

Pour moi, une bonne composition est l'étincelle qui allume le feu dans une peinture. C'est l'élément qui nous attire, nous fait regarder plus longtemps, permettant à notre œil d'être dirigé à travers chaque élément individuel qui compose une peinture, pour finalement s'installer sur son point focal principal. La composition est ce qui incite le spectateur à poser des questions sur la pièce.

Les règles que je m'apprête à vous transmettre m'ont emporté il y a de nombreuses années, lorsque j'étais au collège, puis à l'université pour obtenir un BA (Hons) en design graphique. Ils sont chacun une considération importante lors de la composition de votre peinture. MAIS et c'est un grand MAIS, les règles sont toujours là pour être brisées.

La règle des tiers est quelque chose que j'ai toujours en tête lorsque je construis ma composition. Imaginez que vous divisez votre papier en tiers verticalement et horizontalement, puis plutôt que de placer le point focal au point mort de votre page, pensez à le compenser pour que l'image soit placée à l'intersection de l'une des divisions ou sur l'une des lignes. Voyez comment cela crée une composition beaucoup plus intéressante. Dans ma peinture «Voodoo Chile», voyez comment le visage et, plus important encore, les traits du visage (sans doute le point focal) sont placés décalés par rapport au centre dans le tiers gauche?

Le cadrage est une autre considération importante à considérer lors de l'examen de votre composition. Il doit mettre en évidence le sujet et amener le spectateur à se concentrer sur un point particulier de toute peinture. Débarrassez-vous essentiellement de tout ce qui n’apporte rien à la table! En particulier lorsque vous réalisez un portrait, pensez à ce qui peut être utilisé pour encadrer votre œuvre. Avec ma peinture, j’ai eu la chance d’utiliser le cadre naturel des beaux cheveux de ma gardienne. Envisagez d'utiliser des mains, des écharpes, une autre gardienne ou des structures extérieures comme des portes et des fenêtres.

Connaissez toujours votre concentration! Si vous avez trop de choses à faire dans votre cadre, cela peut signifier que le spectateur continue de chercher un point de focalisation. Cela signifie inévitablement qu'ils s'ennuieront de regarder quand ils n'en trouveront pas. Bien sûr, vous pouvez également avoir des points de focalisation secondaires, mais assurez-vous qu'ils ne volent pas toute la lumière!

Bonne composition: Michele Ashby,
Michele Ashby, «Voodoo Chile», 2018, pastel et acrylique liquide, 16 x 16 po.

16. Chris Ivers

Je vais probablement aborder ce sujet sous un angle très différent de celui de nombreux autres artistes traditionnels en raison du fait que je compose à peu près à travers l'objectif d'un appareil photo. Since I worked for over 40 years in the advertising and marketing world, and rose from being a young board artist in the “bullpen” to Creative Director of my own Ad Agency, I am comfortable “sizing up” my compositions in a rectangular format. It can be vertical or horizontal, but after so many years of photographic art direction and layout it is pretty easy to see what pleases my eye.

Whether a two-page horizontal spread or a vertical magazine cover I was using the same visual aspects that make any painting I work on successful: focal points, having your viewer travel within the painting, contrast, color, and motion. I didn’t even know what “the golden mean” was until a few years ago! Goes to show you that art school taught me nothing in the 70’s!

Working with creative professional photographers over the years was a big help to me throughout my career, and it helps me to this day. Telling the story was at the forefront of any ad I created and the same still holds true with painting. Taking a camera out to “size up” a layout en plein air is the only way I can paint outside. With all the “buzz” that Mother Nature has to offer, this is the way I calm her down so I am able to paint with her.

So I am comfortable carrying my phone and camera around and taking pictures with a lot of “bleed” so that when I bring these shots into Photoshop I have enough image to crop what might hinder the composition. I guess I have a “feeling” as to what is a good or bad composition in a photo frame and if I like the composition in the photo, I’m sure to love painting that scene.

Chris Ivers,
Chris Ivers, “Glass,” pastel, 12 x 16 in.

17. Clarence Porter

Good composition naturally occurs in nature – we just have to look for it. I look at the world like it’s a painting and I carry my camera to capture my references. I generally photograph with the “Rule of Thirds” in mind to help clarify my compositions. It’s not a tight adherence but I find that the scenes of interest to me tend to adhere to the “Rule”. I look for the placement of elements and how they relate to each other and the “Thirds” intersections. I also look for a balance between objects in a scene and their dark/light value balance.

I do small three-value studies (dark, mid-tone, light) from my reference shots and reduce the elements in the scene to their simplest shapes. This helps me further clarify my composition. The value studies become the basis for my underpainting. Then I do a small colour study to lock down the general areas of colour. And then…away I go!

Clarence Porter,
Clarence Porter, “The Reaching – No6,” 2019, pastels, 23 x 23in

18. Jeanne Tangney

Although it is definitely helpful to be aware of the guidelines of composition – the Rule of Thirds, the location of the focal point, the incorporation of a variety of sizes, shapes and spacing – I feel it is even more important to apply these principles to support the initial concept behind the painting. Is it a landscape about the sky? Or is it about the land or water? Altering the traditional placement of the horizon can add drama to a painting.

What about placing the focal point in an unexpected location? Can adding other areas of interest as balance make it work? Do these compositional elements lead your eye throughout the painting, causing the viewer to linger in certain spots for a closer look?

These are all questions worth considering rather than just following a formulaic approach. The important thing is to not lose sight of your reason for creating the painting in the first place, the composition is there to support your intention!

Jeanne Tangney,
Jeanne Tangney, “Amber Glow,” 2019, pastel, 12 x 8 in.

19. Sally Strand

Before I begin a painting, I “think” on paper with a pencil or markers, using very small thumbnail sketches (not drawings – this is “ideation”). The thumbnails or notan sketches are about 1-2inches. I squint and try to mass the values into three to four major value shapes with no detail.

The lower left thumbnails in my sketchbook show my thinking process. The left one shows the value pattern I  made of the lawn bowlers (dressed in white) placed against a dark background. On the right, I was thinking of making the figures darker than a light background which changes the emotional climate of the piece.

I had been painting this series using dark backgrounds to set off the white clothing. By switching the value structure and making the color palette tonal and neutral, it changed the feel of this series completely. I was pleased with this altered outcome and the judges awarded this painting a top prize in New York.

Good composition: Sally Strand,
Sally Strand, “Player Series No10,” pastel on paper, 30 x 22 in. Received the Joseph V. Giffuni Memorial Award at the PSA 26th Annual, New York.
Sally Strand, sketches for
Sally Strand, sketches for “Player Series No10.”

20. Duane Wakeham

The coastal landscape of central and northern California has been my primary subject for over 50 years. Initially I painted in oils, venturing into pastels only in the mid-1980s when one of my dealers requested some works on paper as well.  In more recent years I’ve worked primarily in pastels.

Having been a studio painter for most of my career, I acknowledge using photos for reference.  A quick glance at Estero Evening, which is characteristic of my pastel painting style, is evidence that I am not interested in photo realism. je pense suggested realism more accurately describes the way I paint.

As for today’s topic – Composition – my mantra is “a painting is an arrangement of shapes and colors.”  Throughout the painting process I try to focus on composition instead of subject matter. It is only when I am satisfied with the distribution of shapes and the color that I turn my attention to making the subject matter as convincing as I think necessary.

Whether working in pastel or oil, I begin by accepting the edges of the paper or the canvas as the first four lines of the composition; all subsequent lines and shapes that are added relate to those edges with no later cropping to save the painting. As a landscape painter, the first line drawn is almost always a horizontal one extending across the full width of the working surface to establish both the horizon line (in this painting, the water line) and the eye level of the viewer. All additional lines and shapes are drawn in relation to that initial line. The resulting basic composition of Estero Evening is very simple – three lines, four shapes. Subdivision of each of the four shapes began to reveal minimal definition of the intended subject but was not a detailed drawing of the scene.

The move into color was blocking in each of the main shapes with a single color that was then dissolved with denatured alcohol, creating a simplified underpainting. Once the actual painting is underway, my approach has always been to work over the whole surface at more-or-less the same time so that whenever I take a break, everything has been developed to about the same degree. Each time I pick up a new color I introduce it throughout the painting.

Unlike studies that can be done in a matter of minutes, a painting such as Estero Evening can take several days or more, in part because I spend so much time considering where and how to modify a color by layering it with other colors closely related both in value and intensity.  This is evidenced throughout the painting; no area can be defined as being only a single color.

Most satisfying for me is the upper left corner of the painting with its two mere glimpses of Drakes Bay* and the evening light reflecting off the cliffs so many miles in the distance.  Although the color of both the cliffs and the mountains beyond may seem isolated, they appear through the painting.  If I may repeat, “a painting is an arrangement of shapes and colors.”

*The Estero and Drake’s Bay are part of Point Reyes National Seashore.

Good composition: Duane Wakeham,
Duane Wakeham, “Estero Evening,” pastel on Arches CP paper primed with gesso pumice mixture, 19 x 29 in.

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As Duane Wakeham pointed out in his response to my question, now their secrets are no longer secret!

I’m so happy to bring this collective wisdom to you. You know how much I love your feedback and in this case, with so many artists participating, I definitely encourage you to leave a response for them below.

Until next time!

~ Gail

PS. There were some references to books above and I’ve gathered them all here along with books written by some of my guests.

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