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Art et peinture

Ne me clôturez pas | Un style signature prêt à l'emploi

Suivez la démo d’Andrée Hudson pour découvrir comment elle rompt avec la tradition pour créer son style signature qui incarne l’attrait du Far West.

Par Susan Byrnes

Famille Longhorn (acrylique sur toile, 30 × 60) par Andrée Hudson_WO

Il y a une histoire d'amour dans l'Ouest américain qui fait quelque chose aux gens. La qualité de la lumière, les vues panoramiques et les images emblématiques des chevaux, du bétail et des cow-boys ont toujours été irrésistibles, en particulier pour les artistes. Lorsque Andrée Hudson a quitté la Californie pour les Rocheuses, elle peignait des figures féminines à l’huile depuis plusieurs années. Mais les images qu'elle a rencontrées dans sa nouvelle maison au Colorado l'ont séduite. Lors d'une promenade à cheval, elle a vu des centaines de chevaux crête au-dessus d'une montagne au soleil. «Je me souviens avoir pensé que c'est la vision la plus incroyable que j'aie jamais eue», se souvient-elle, «et ce genre d'expérience est stimulante.» Elle a commencé à créer des pièces qui défiaient les règles traditionnelles de la peinture en réponse à l'énergie et à l'espace de l'Occident.

Le style caractéristique de Hudson, qui implique des formes brillantes, des gouttes vibrantes et de larges traits gestuels sur de grandes toiles, a commencé par un léger accident. Inspirée par son nouvel environnement, elle peignait son premier bœuf, quand une longue goutte a commencé à descendre sur la surface. Voyant que cela ajoutait une nouvelle dimension à son travail, elle a décidé de l'accompagner. «Beaucoup de peintres sont coincés dans leur régime», explique-t-elle, «faisant ce que leurs instructeurs leur ont dit de faire, et n'étant pas disposés à travailler en dehors des sentiers battus. C’est malheureux, car une fois que vous travaillez en dehors des sentiers battus, c’est à ce moment que vous entrez dans le vôtre. Vous ne pouvez pas suivre le style de tout le monde; vous devez découvrir le vôtre. »

Cela a commencé avec un goutte à goutte

Cet accident – les gouttes de peinture – a marqué un tournant pour Hudson. Afin d'incorporer les motifs goutte à goutte dans sa technique de vitrage, elle avait besoin de peindre rapidement; l'huile ne pouvait tout simplement pas s'adapter à son nouveau processus. «J'ai appris que si je peignais à l'acrylique de la même manière que je peignais à l'huile toutes ces années, les résultats étaient fantastiques», révèle-t-elle. «Et le travail fini ressemblait à une peinture à l'huile.» L'immédiateté physique de l'utilisation de l'eau et de l'acrylique, combinée au contrôle qu'elle obtient en manipulant les gouttes avec un sèche-cheveux, lui permettent de créer des compositions dynamiques de couleur et de texture.

«Je m'assois rarement», dit Hudson. «Je bouge tout le temps et je peins de grandes pièces. Le processus de peinture est amusant et énergique, et c’est ce que j’essaie de décrire dans mon travail. » Dans La famille Longhorn (haut de l'article), le motif goutte à goutte traverse le bas de la toile. Qu'elles soient superposées sous des traits semi-opaques ou directement sur la surface de la peinture, les gouttes créent une impression de texture et d'élan vers l'avant dans le troupeau.

Voir la lumière

Un aspect significatif de l’énergie dans les peintures d’Hudson provient du fort sentiment de lumière qui met en valeur ses formes et semble en émaner. Pour atteindre cette qualité, elle part d'un fond en toile colorée. Ses grandes toiles sont fabriquées sur mesure à l'aide d'une toile de coton apprêtée avec une dent spécifique qui, selon elle, convient parfaitement à son travail.

Sur cette toile, elle commence par une sous-peinture d'une couleur vive et chaude comme le jaune ou l'orange qui peut migrer vers une nuance différente au moment où elle travaille sur la surface. Cette technique est adaptée de son étude de l'imprimatura, une méthode de sous-peinture des Maîtres Anciens, qui commence par de fines couches d'ombre brute ou de terre de Sienne brûlée mélangée à de la térébenthine pour teindre une toile apprêtée.

Patron II (acrylique sur toile, 36 × 36) par Andrée Hudson

Texture lourde

Hudson construit ensuite la surface de l'une des trois manières suivantes. Elle peut utiliser des couches de peinture mélangées à de l'eau. Ou elle peut choisir de créer un effet de mélange optique en utilisant des couleurs transparentes sur des couleurs unies. Sa troisième option est de mélanger ses couleurs sur sa palette avant de les incorporer dans la peinture. Lors de la création de sa technique de goutte à goutte, elle charge une grande quantité de pigment sur son pinceau, s'assurant que les gouttes ont une qualité de texture distincte.

Dans Patron II, une glaçure verte coule sur une sous-couche orange, tandis que des traits opaques et légers définissent le volume de la section médiane du taureau. Hudson utilise uniquement des peintures acryliques Golden et de l'eau. Les couleurs qu'elle utilise le plus souvent sont le bleu et le vert phtalo, le blanc de titane et le cramoisi d'alizarine. Elle est catégorique sur le fait qu'elle n'utilise jamais le noir dans son travail, choisissant de mélanger ses propres sombres. «Le noir peut tuer un tableau très rapidement», souligne-t-elle. Hudson fait ressortir ses zones de surbrillance en utilisant des couleurs vives, des gris clairs et parfois même du blanc de titane pur, puis contraste les sombres à côté des lumières.

Le cheval (acrylique sur toile, 90 × 62) par Andrée Hudson

Les outils de son métier

Hudson utilise de très grands pinceaux plats (n ° 10 et plus) pour peindre ses pièces, à moins qu'elle ne peint les détails du visage. Elle renonce à dessiner sa composition sur la toile avant de peindre en choisissant de peindre de manière gestuelle avec un gros pinceau qui l'aide à transmettre l'énergie et l'immédiateté qu'elle aime voir.

Quand elle a commencé à peindre, il y a de nombreuses années, elle a travaillé avec des modèles vivants, mais maintenant elle préfère travailler avec des photographies. Ses compositions, cependant, ne sont pas basées sur des photographies, mais évoluent de manière organique au fur et à mesure qu'elle peint. Les autres outils qu'elle utilise pour réaliser des traits larges et épais sont quelque peu peu orthodoxes et comprennent des couteaux à plâtre et des cartes de crédit. Dans Le cheval, des traits gris marqués d'une carte de crédit en haut à gauche définissent l'extrémité postérieure de la forme.

Bleu Longhorn (acrylique sur toile, 40 × 60) par Andrée Hudson

Formes inspirantes

La figure humaine est la passion et la première inspiration d’Hudson. Alors qu'elle était encore au lycée, elle était une peintre de portrait commandée. Plus tard, en tant qu'étudiante au Maryland Institute College of Art, elle s'est immergée dans les études de la figure en obtenant un BFA en illustration et en design. Sa formation en peinture s'est centrée sur l'utilisation des techniques traditionnelles de l'huile. Un cours d'anatomie et de physiologie a approfondi ses connaissances du corps humain.

La capacité de Hudson à rendre la forme féminine de manière réaliste est évidente dans Dans mes pensées, avec son attention aux genoux pliés et un bras subtilement courbé. Son étude de l'anatomie humaine lui a également été utile lorsqu'elle a commencé à peindre des animaux. Elle traduit sa connaissance de la mécanique des os et des muscles en images de chevaux et de bovins. Dans Bleu Longhorn, bien que le pinceau soit lâche et abstrait, des reflets violets et blancs articulent les articulations des pattes et de la colonne vertébrale des animaux, offrant crédibilité et intégrité aux formes.

Les peintures de Hudson sont souvent assez grandes, avec quelques pièces, telles que Le cheval, mesurant plus de sept pieds de haut et cinq pieds de large. Les peintures de cette taille créent leur propre espace avec des personnages plus grands que nature, ou en reprenant la vision périphérique du spectateur, comme dans le cas de À la volée, qui mesure 48 pouces de large.

À la volée (acrylique sur toile, 24 × 48) par Andrée Hudson

Un champ nébuleux

Hudson place souvent ses sujets dans un champ visuel nébuleux et indéterminé, mais ses personnages, en particulier ses animaux, sont solidement ancrés dans un monde de grands espaces. Elle gère cette illusion en combinant des techniques de perspective atmosphérique, telles que des avant-plans à bords durs et à contraste élevé et des arrière-plans plus doux, plus sourds ou plus sombres, avec une perspective linéaire – représentant des animaux, des personnes et des arbres en retrait dans l'espace.

Bercer le ranch (acrylique sur toile, 40 × 30) par Andrée Hudson

Dans Bercer le ranch, elle emploie des formes multiples pour définir un espace lointain, regroupant les chevaux dans une bousculade, déplaçant le regard du spectateur des figures frontales musclées vers les chevaux plus petits au loin, le tout conduisant à l'unisson vers le coin inférieur droit du tableau. Ses cowgirls, tout en exsudant des poses plus reposantes, se retirent de manière convaincante dans l'espace de la toile avec quelques accessoires autres qu'une paire de bottes bien rendues ou le bras d'une chaise. Ces poses rappellent un autre maître de la figure au repos, Michel-Ange, une influence précoce et forte sur Hudson. Dans Cowgirl en repos, le blanc brumeux de la robe aplatit l'espace, mais les lignes et les proportions de la cuisse et du haut du bras maintiennent la structure de la silhouette allongée.

Cowgirl en repos (acrylique sur toile, 40 × 30) par Andrée Hudson

Apprentissage continu

Même si elle a fait des centaines de peintures et passé des années à développer son look distinctif, Hudson n'hésite pas à dire qu'elle ne se considère pas comme une experte. Elle est beaucoup plus intéressée à apprendre continuellement la peinture. À propos de sa détermination à définir son propre style, elle dit: «J'ai appris toutes les règles, j'ai peint de façon traditionnelle, je sais glacer et je sais quelles couleurs utiliser pour le premier plan et l'arrière-plan. Mais en fin de compte, c’est ce qui vous plaît qui a le plus d’influence sur votre travail. »

Les œuvres de Hudson démontrent la confiance avec des techniques séculaires combinées à une intrépidité à prendre des risques avec la couleur et la forme. «Je lance un peu tout en l'air et je vois ce qui colle. Qu'est-ce qui me rend heureux quand je rentre en studio? Quelles couleurs j'aime utiliser? Si ce sont toutes des couleurs vives, je vais utiliser toutes les couleurs vives ce jour-là. Je ne vais pas suivre les règles de la peinture pour obtenir le look que je souhaite obtenir. "

Démo: créer une cow-girl

Boîte à outils

  • Brosses: Je ne suis pas attaché à une marque en particulier. J'aime les carrés, généralement n ° 10 ou plus, moyennement rigides et sans poils.
  • Toile: toile pré-gessoed sur mesure, avec une texture uniforme et un grain minimal
  • Couleurs: or, bleus et verts phtalo
  • Peindre: Corps lourd doré
  • Palette: palettes jetables ou planches en plastique

Étape 1

Avec un pinceau de taille moyenne, je pose une nuance chaude et commence à dessiner avec de la peinture, en positionnant ma silhouette. Si j’ai l’impression que la figurine n’est pas correctement positionnée, je vais revenir en arrière et bloquer à nouveau. Tous mes pas sont peints d'une manière rapide et gestuelle – c'est mon style – je n'aime pas trop réfléchir. Je peins avec émotion et sentiment à ce stade. Mon inspiration vient de mon amour de l'anatomie de la figure féminine. Pour cette peinture, j'ai référencé une photographie d'un de mes propres modèles. Ce sujet, comme la plupart de mes modèles, regarde ailleurs plutôt que de confronter le spectateur. Je veux que la collectionneuse réfléchisse à ce qu'elle pourrait penser.

Étape 2

Je bloque toujours la figure avec des tons neutres, donc c'est facile à manipuler et à changer. Si la peinture ne progresse pas, je ne recommence jamais, je peins juste. C’est un bonus que j’aime les multiples lignes que je crée lorsque cela se produit. Maintenant, je peux commencer à penser aux couleurs de la peinture. Je pose toujours l'arrière-plan en même temps, car la peinture doit fonctionner dans son ensemble. Les gouttes sont autorisées à rester si elles ne sont pas gênantes sinon, j'en essuie certaines avec un chiffon.

Étape 3

Je continue à affiner les proportions du sujet en posant des tons plus sombres et en prenant une décision définitive sur la forme. Par exemple, placement de la main et structure du visage. Je mélange des couleurs acryliques de qualité supérieure au fur et à mesure, n’ajoute jamais de médium et je ne prépare jamais les couleurs à l’avance. Et même si j'ai mes couleurs préférées, je suis sûr que tous les artistes en ont, ce n'est pas ce qui est important, ce qui compte, c'est la façon dont vous utilisez ces couleurs.

Étape 4 et 5

J'approfondis les tons et je trouve également des reflets (même si j'ai décidé de ma source de lumière dès le début). La peinture entre en elle-même et j'utilise toujours les mêmes pinceaux. Je peux souvent terminer une peinture avec seulement deux pinceaux – un grand et un moyen pour les détails les plus fins du visage et des mains. Pour cette peinture, j'ai parlé aux clients pendant que je peignais. Je peux prendre des pauses lorsque je travaille sur une nouvelle pièce, mais je termine toujours avant d’en commencer une nouvelle.

Robe rose (acrylique sur toile, 46 × 20) par Andrée Hudson

Étape 6

Alors que la peinture est presque terminée, je m'assure que l'intensité originale des couleurs a survécu. Parfois, la peinture peut perdre son éclat en raison du vitrage de la pièce tout au long du processus. Je reviens donc, dans différents domaines, pour terminer de mettre en évidence les faits saillants qui, selon moi, doivent être à nouveau soulignés. Si je suis satisfait de ma peinture à ce stade, je lui donne un titre. J'ai appris à ne pas trop y penser, ma première inclination est généralement juste.

Apprenez-en davantage sur Andrée Hudson et voyez plus de son travail sur andreehudsonart.com.

Susan Byrnes est un artiste visuel résidant à Cincinnati, Ohio. Elle a écrit pour Artiste acrylique, où cet article a été initialement publié.

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