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Art et peinture

Peinture Alla Prima: une méthode modifiée

Commencer par une sous-peinture à séchage rapide et travailler avec du médium permet à un peintre alla prima de faire durer «à la fois» plus longtemps.

Par Albert Handell

Mi-été (huile sur toile, 22 × 28)

Je suis un peintre rapide. Je ne peins pas lentement au fil de nombreuses sessions de peinture. Alors suis-je ou ne suis-je pas un peintre alla prima? C'est une bonne question! Lorsque je travaille sur de grandes huiles de studio, je peux commencer à peindre à 10 heures du matin et à 16 ou 17 heures, beaucoup de peintures sont terminées, mais certaines ne le sont pas.

Parfois, j'aime tirer un peu plus de mes peintures alla prima sans changer le thème de la peinture ni perdre la vitalité et l'énergie de la session initiale. S'il y a quelque chose que je peux modifier en glaçant ou en poussant ou tirant subtilement des parties du tableau ici et là pour obtenir plus d'atmosphère, je ne veux pas avoir à attendre que la surface sèche.

Une méthode modifiée

Ce qui suit est mon système pour garder la verve de l'impulsion alla prima tout en s'adaptant aux aspects pratiques et aux limitations imposées par le temps. L’élément important de ma méthode consiste à appliquer une fine couche de Winsor & Newton Liquin afin de réhumidifier la surface séchée sur la peinture que j’ai commencée afin que je puisse ramener toutes les couleurs au même niveau de brillance. Cela me permet de procéder de manière réfléchie (plutôt que imprudemment) jusqu'à ce que je puisse obtenir un peu plus de résolution et me sentir plus heureux de ma peinture alla prima. Donc, si j’ai modifié ce que j’ai peint après une première session rapide, suis-je toujours une peinture prima? Tu décides.

Éloge de Plein Air

De nombreux paysagistes vantent les vertus du travail en plein air. Je crois fermement que si vous voulez peindre des arbres, vous devez faire ce que vous pouvez sur place. Mais je crée souvent de grandes peintures d'atelier. Rien de tel que d’étudier et de dessiner des arbres dans leurs conditions d’éclairage extérieur réelles pour les peindre de manière convaincante plus tard en studio.

Ma peinture alla prima, Chaque étape est belle (huile sur lin, 18 × 24), est un exemple extrême de ma façon de laisser la sous-peinture transparente rester visible. Si j’avais pensé que j’aurais pu ajouter quelque chose à ce tableau pour améliorer le sujet – l’arbre en décomposition – je l’aurais fait. Les téléspectateurs peuvent considérer le travail comme beau tel quel – ou simplement inachevé.

Le fond de teint le plus important

L'avantage des huiles est qu'elles sont humides et le problème avec les huiles est qu’elles sont humides. C’est pourquoi j’aime commencer mes peintures avec une sous-couche transparente à séchage rapide dans des couleurs chaudes et froides. Le type de support que j'utilise dépend de la taille de la peinture. Si c'est 18 x 24 ou moins, je crée un mélange 50-50 de peinture et de Gamblin Gamsol. Ensuite, je le frotte littéralement comme si je nettoyais ma brosse. La couleur devient plus fine, plus lumineuse et transparente, et la peinture sèche rapidement.

Par contre, si ma peinture est plus grande que 18 x 24, j'ajoute une deuxième couche avec une consistance différente à ma sous-peinture. Je suis la couche récurée d'un lavage. La différence est que je dilue ma peinture avec plus de Gambol et utilise un pinceau de deux pouces pour recouvrir la toile, appliquant la peinture avec à la fois un sentiment d’abandon et une intuition pour ce qui est nécessaire.

L'effet visuel

L'effet visuel de cette application ressemble plus à un lavis à l'aquarelle. Semblable à l'aquarelle, les «accidents» de gouttes inattendues se produisent. J'apprécie ces marques imprévues. Ils ajoutent à la texture globale de la sous-peinture, ajoutent du mystère au travail fini et apportent du plaisir à l'œil.

Dans la moitié supérieure de La grange rouge (huile sur panneau, 24 × 36), on peut facilement voir les couleurs transparentes chaudes et froides de la sous-couche. Ces couleurs vibrantes se marient à merveille avec le kaléidoscope de verts appliqué par la suite, si inhérent au sujet. J'ai appliqué les couleurs supérieures opaques avec un pinceau et un couteau à palette, créant des contrastes attrayants.

La sous-peinture donne littéralement le ton de l'œuvre. J'utilise un mélange de terre de Sienne brûlée Winsor & Newton (une couleur chaude) et n'importe quelle marque de bleu outremer (une couleur froide) pour créer un «noir» spécial. Ajuster ce mélange me donne des couleurs sombres, à la fois chaudes et froides, pour la sous-couche de fond. Si je veux une couleur plus chaude, j'ajoute de la terre de Sienne brûlée supplémentaire. Si je veux une couleur plus froide, j'ajoute plus de bleu outremer. Et ajouter un peu de blanc dans ce mélange le transforme en gris neutre. Quelles que soient les proportions de couleurs, je garde la valeur sombre, comme s'il s'agissait d'un chiffre 8 sur une échelle de valeurs à 10 points, le numéro 10 étant le plus sombre. J'utilise ce mélange simple pour la plupart de mes sous-peintures, en particulier pour celles qui auront beaucoup de verts, ce qui est généralement le cas lorsque je peins des arbres. À d'autres moments, je peux ajouter un violet foncé et froid. (Voir La grange rouge, au dessus).

Un séchage rapide

Lorsque j'utilise Gamblin Gamsol ou Martin F. Weber Turpenoid comme médium, ma sous-couche sèche rapidement au toucher, généralement après 20 minutes. Après cela, je peux continuer à peindre sans craindre que le pinceau glisse sur la peinture humide.

Souvent, on me demande si j’applique jamais des couleurs à un fond de teint qui complètent les couleurs locales de mon sujet. J'ai essayé cette technique et parfois cela a fonctionné pour moi. À d'autres moments, je trouve le contraste trop extrême. J'encourage ceux qui n'ont jamais essayé une sous-couche complémentaire à expérimenter.

Du centre vers l'extérieur

Touche de printemps (huile sur toile, 20 × 24) est un «portrait» d'un saule – le centre d'intérêt évident et la partie du tableau que j'ai abordée en premier. L'arbre a également une forme positive par rapport à la forme négative plus calme du ciel. Pour faire ressortir les couleurs chaudes et les textures de l'arbre et du premier plan, j'ai créé un contraste avec un bleu complémentaire spécialement mélangé pour le ciel, que j'ai appliqué de manière opaque et sans coups de pinceau visibles. Le ciel résonne mais ne domine pas le tableau.

Une fois la sous-couche terminée, j'aime peindre à partir du centre d'intérêt. J'aime aussi peindre du sombre au clair et du froid trop chaud. Comment trouver le centre d'intérêt? C'est généralement la zone la plus évidente et la plus claire de la scène. J'établis alors immédiatement le contraste le plus net des bords dans le centre d'intérêt (un bon dessin et des proportions sont extrêmement importants à ce stade). Une fois les valeurs définies, je les associe aux couleurs locales et je peins ces couleurs. Je continue à peindre le centre d'intérêt jusqu'à ce qu'il soit presque terminé. Une fois satisfait de cette zone, je peins tout ce qu'il touche, en travaillant du centre vers les bords de la toile. (Voir Touche de printemps, au dessus.)

Bords perdus et trouvés

Comprendre l'art des bords perdus et trouvés est extrêmement important dans la peinture de paysage. Les bords perdus, en particulier, donnent une impression d'atmosphère et d'espace (voir Brume printanière, au dessous de).

Bords perdus et trouvés de l'arbre dans Brume printanière (huile sur lin, 20 × 24) non seulement ajoutent de la variété, mais permettent également au premier plan de se fondre dans l'arrière-plan, ce qui ajoute une sensation d'espace et d'atmosphère à l'image. Notez également à quel point l'arbre peint de manière opaque au premier plan se détache du fond transparent avec ses couleurs vibrantes et ses bords atténués.

Ceux qui découvrent la peinture de paysage ne le réalisent parfois pas. Ils peuvent ne pas jouer vers le bas ou perdre certains bords, ce qui les rend tous tranchants. En conséquence, il n'y a aucune sensation d'espace et de distance.

L'analyse des bords perdus et trouvés d'une scène est simple – il suffit de plisser les yeux et les détails disparaîtront. Les formes plus grandes, ainsi que les bords doux et tranchants, deviennent plus claires. Vous pouvez ouvrir complètement les yeux pour peindre des détails, mais n’oubliez pas ce que vous avez vu en plissant les yeux. C’est le secret. (Voir le vent balayé, au dessous de.)

j'ai peint Vent balayé (huile sur lin, 24 × 36) dans l'atelier d'après des observations lors d'un voyage de peinture de 10 jours le long de la côte californienne. Le plissement des yeux m'a permis de simplifier les couleurs et les formes de l'arbre, que j'ai peint de manière opaque pour contraster avec le ciel peint de manière transparente.

Lignes avec un couteau

Je ne peins pas exclusivement avec un couteau à peindre, mais je trouve que c'est un applicateur utile. Je l'utilise généralement dans les zones de premier plan de mes peintures. Lorsque j'ai besoin des lignes les plus nettes et les plus nettes que je puisse réaliser, comme pour les branches d'arbres minces, j'utilise le côté du couteau à peindre. Lorsque je souhaite peindre sur des couleurs établies, je peux appliquer proprement et facilement un nouveau mélange de couleurs différentes avec le couteau, ce que je ne peux pas faire avec un pinceau. J'utilise également le couteau comme truelle pour appliquer une peinture épaisse, et je peux gratter les zones sèches de la peinture avec le tranchant du couteau, créant ainsi des textures uniques. De plus, un couteau peut être nettoyé beaucoup plus facilement qu'une brosse. Glissez simplement la lame avec une serviette en papier!

Une taille et une forme de couteau à peindre ne conviennent pas à tous les peintres ou à toutes les peintures. Il vous suffira d’expérimenter pour voir ce qui vous convient le mieux. Je dirai cependant qu'un couteau à manche goutte me permet de travailler sans toucher ma main dans la peinture humide.

Comme je peignais Air de novembre (huile sur toile, 24 × 24), j'ai réalisé que le ciel tumultueux pouvait facilement dominer l'image, alors je me suis couchée dans le ciel de manière transparente et l'ai laissée, permettant aux arbres d'avancer sur le plan de l'image. Un avantage supplémentaire de cette approche est que la peinture transparente a une luminosité unique.

Essayer Plein Air

Si la plupart de votre expérience de peinture a été en studio, je vous exhorte à appliquer cette expérience en plein air. Commencez simplement par faire un panoramique sur une petite zone – un groupe d'arbres ou même une partie d'un arbre – comme si vous peigniez un portrait ou une nature morte (voir Touche de printemps, référencé précédemment). Cette suggestion à elle seule peut faire toute la différence lorsque vous êtes soudainement dehors avec toute la nature devant vous.

Je vous exhorte également à apporter votre appareil photo lors de vos excursions en plein air. Photographiez votre sujet toutes les 30 à 40 minutes afin de pouvoir comparer les photos ultérieurement et découvrir à quel point votre sujet est différent lorsque les ombres projetées se déplacent dans des conditions d'éclairage changeantes. Cette compréhension vous fera comprendre la nécessité d'établir de fortes ombres portées tôt lors de la peinture en plein air; ces ombres sont les premières à changer. Lorsque vous photographiez votre sujet, photographiez également votre peinture, ce qui peut également être instructif.


À PROPOS DE L'ARTISTE

Albert Handell

Albert Handell est un membre principal de signature de Oil Painters of America et un artiste principal de l'American Impressionist Society. En 1987, il est devenu le quatrième artiste américain vivant accepté au Temple de la renommée de la Pastel Society of America. En 2007, le Butler Institute of American art (Youngstown, Ohio) lui a rendu hommage avec une exposition rétrospective de ses œuvres au pastel. Il offre une variété d'ateliers ainsi que des programmes avancés de mentorat Paint-A-Long.

Pour en savoir plus sur Handell, consultez la version complète de cet article dans le Numéro de mars 2016 de Magazine des artistes, ou visitez son site Web à alberthandell.com.


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