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Art et peinture

Une esthétique pastel audacieuse et impressionniste

Maria Marino a trouvé un moyen d'exprimer librement ses sentiments sur le paysage et sa passion pour le pastel.

Par Robert K. Carsten

Chanson des arbres (pastel, 18 × 24) par Maria Marino

Maria Marino aime pousser les limites, en particulier avec les matériaux d'art. "Quand il s'agit d'appliquer du pastel sur du papier, je vais pousser plus loin et plus loin – même si cela échoue – parce que je veux savoir ce que mes pastels et ma surface peuvent et ne peuvent pas faire", dit-elle. «Parfois, je ne pense pas que les gens poussent assez loin le médium; il y a toujours tellement plus à explorer. »

Cet esprit pionnier informe l'esthétique pastel de Marino: une combinaison de textures empâtées audacieuses, de marques passionnées et de couleurs somptueuses et intuitives.

Un besoin de pastel

Ayant pratiqué le design d'intérieur pendant 20 ans, Marino a décidé de faire le saut pour devenir artiste à plein temps en 2015. Ce n'était pas la première fois que l'artiste prenait une décision de changement de carrière. Marino a d'abord fréquenté un petit collège et s'est spécialisé en illustration, mais est parti pour des raisons personnelles. Des années plus tard, elle décide de reprendre sa formation, cette fois au prestigieux Maryland Institute College of Art. Là, elle s'est spécialisée en design d'intérieur – un programme d'études combinant les arts appliqués et les beaux-arts. C'était un programme qui exigeait qu'elle soit «all in», dit-elle.

«Même si ma fille n'avait que cinq ans, j'ai pris 18 crédits, travaillant de 25 à 30 heures par semaine. C'était difficile, mais c'était quelque chose de profond dans mon cœur que je voulais faire, pas seulement pour moi, mais pour mes parents. Je voulais les rendre heureux. C'étaient des immigrants d'Athènes, en Grèce, qui croyaient fermement qu'il était important que leurs enfants aient une bonne éducation. Malheureusement, ils sont tous les deux décédés avant mon diplôme.

Été éternel – Maison William Paca à Annapolis (pastel, 18 × 24) par Maria Marino

Une forte impression

Marino a toujours eu un penchant pour le dessin et la peinture. «En fait, quand j'étais enfant, je dessinais partout sur les murs de ma mère», dit-elle. Et elle tient toujours un carnet de croquis actif aujourd'hui. «Quand j'avais 16 ans, ma mère m'a acheté un ensemble complet de pastels Rembrandt. C'est elle qui m'a encouragé dans ma vie à dessiner et à peindre. Bien qu’elle n’était pas une artiste, elle considérait les arts comme importants. D'une manière ou d'une autre, elle savait toujours ce dont j'avais besoin et que créer de l'art me rendait heureuse.

Marino se souvient que sa mère l'avait emmenée dans un merveilleux magasin de fournitures d'art à proximité de Silver Spring. Elle lui achèterait tout ce dont elle avait besoin là-bas – «dans la limite du raisonnable». C'est ainsi qu'elle en est venue à essayer le pastel. «L'immédiateté du pastel, la saturation incomparable des couleurs – cela m'a renversé et m'a complètement conquis», dit-elle.

Couleur par Brute Force

Pour obtenir ses effets impressionnistes, ses couleurs vives et son esthétique pastel générale, Marino évite de se mélanger avec ses doigts; elle sent que cela ternit la qualité brillante inhérente à une surface pastel intacte. Au lieu de cela, à la recherche de l'éclat de la couleur et de la texture de l'empâtement obtenus dans certaines peintures à l'huile, l'artiste atteint un éclat de couleur et une qualité de texture intense par ce qu'elle appelle la «force brute».

«Je passe par beaucoup de pastel», dit-elle. «Je le martèle à la surface. Par exemple, je vais casser un pastel de Diane Townsend Terrages pour obtenir ces bords escarpés. Ensuite, je frapperai la surface avec un coup de fouet rapide de la main. J'obtiendrai de beaux traits calligraphiques. Ce que j'aime particulièrement dans les pastels Terrages, c'est que la couleur est plus présente à certains endroits qu'à d'autres; cela crée cette belle saturation de couleur. J'ai remarqué que certaines couleurs ont plus de grain que d'autres. Il est intéressant de voir comment le pigment réagit à un peu de force. Je ne suis pas du genre à frôler légèrement la surface. "

Chutes sur l'Hudson (pastel 25 × 19) par Maria Marino

Une approche intuitive

Toujours vigilant sur la qualité lumineuse des pastels, Marino résiste à l'utilisation d'un fixateur. Pour protéger ses tableaux, elle les fait encadrer sans nattes, à l'aide d'entretoises et de verre de musée antireflet.

La couleur exquise qu’elle réalise ne vient pas directement de ses photos de référence ni même du sujet devant elle. «Si je vois un certain vert, je peux utiliser une couleur complètement différente. Pour moi, c'est une question de température et de couleurs adjacentes, et comment elles réagissent les unes avec les autres », explique l'artiste. Cette approche intuitive de la couleur est librement transmise Chanson des arbres (haut de cet article), qu'elle a peinte à partir d'une photo qu'elle a prise lors d'un voyage en Californie avec son mari. «La lumière frappait si magnifiquement ces chênes de Californie qu'ils brillaient tout simplement. On aurait dit qu'ils étaient en feu.

Plus subtile, mais non moins exploratoire et exaltante en termes de couleurs, est Chutes sur l'Hudson, qui est dérivé de photos prises près des palissades du New Jersey après une tempête de pluie. Marino a joué sa couleur sur une surface Sennelier La Carte aux tons sienne pour créer l'ambiance du travail. «J'ai d'abord placé la masse là où l'eau tombe en utilisant une couleur aubergine sombre Ludwig. Ensuite, j'ai mis le bleu, ce qui était censé désigner d'autres avions », dit-elle. «Ensuite, j'ai placé le violet plus clair, fournissant une troisième couche. C'est la dichotomie de ces couleurs, le bleu et le violet, qui met en place la plate-forme pour les chutes. J'ai utilisé des blancs cassés Townsend, Ludwig et Sennelier pour créer la qualité fraîche et pétillante de l'eau qui coule. Son utilisation exceptionnelle de la couleur et ses qualités palpables de marquage confèrent aux peintures de Marino une énergie et une émotion extraordinaires.

Impasto passionné

Marino dépend de ses pastels – typiquement Ludwigs, Senneliers (en deux, entiers et bâtons géants) et Giraults – pour réaliser de belles variations de surface. «J’apprécie la qualité beurrée des pastels Terry Ludwig, que j’appelle« petites unités rectilignes ». Leurs bords sont si beaux à travailler. Je les utilise souvent au premier plan lorsque je veux faire de belles marques », dit-elle.

Elle trouve les Senneliers «ultra-beurrés», en particulier les jaunes et les ocres jaunes, qui offrent un «onctuosité» pas sans rappeler celui de la peinture à l'huile. «Je dois les manipuler avec délicatesse, car les bâtonnets peuvent s'effriter plus facilement», dit-elle. «J'adore leurs bâtons géants – leur grand format me permet de réaliser une myriade de marques picturales. Je suis une personne passionnée; Je veux profiter de l'expérience de la peinture et je veux que mon sujet reflète cela et prenne vie. Ainsi, lorsque je martèle la surface avec ces bâtonnets géants, le pastel s'étale, créant des zones épaisses et minces qui dynamisent la qualité dimensionnelle de la surface.

Avec force

Marino soutient sa surface d'une main tout en la frappant – souvent à partir d'un pied de distance – avec son bâton de pastel. Ainsi, son approche physique nécessite des surfaces qui peuvent tolérer une application énergique et contenir de nombreuses couches de pastel. Ses favoris sont le panneau d'artiste pastel blanc 320 grains de Multimedia Artboard, le tableau pastel UART 320 grains et la carte pastel Sennelier La Carte. «La Carte ne peut pas prendre autant de couches de pastel pour moi que l’UART le peut, je dois donc être certain de ce que je veux faire avant de commencer sur ce papier. Je ne peux pas avoir ce que j’appelle un «œil endormi» », dit Marino. «J'aime particulièrement le Multimedia Artboard pour mon travail en plein air. La surface est d'un blanc très immaculé et convient parfaitement à mes sous-peintures à l'aquarelle. Cela peut prendre une raclée.

Qu'elle travaille en plein air à petite échelle ou en studio sur un grand format, Marino esquisse généralement son sujet au fusain d'abord, puis fait une peinture à l'aquarelle (sauf sur La Carte). Elle utilise ce lavage léger et pas trop saturé pour établir sa clé de couleur et pour briser la surface lumineuse, laissant apparaître une partie de la couleur blanche ou claire de la surface.

Inspiré des textiles

Pour ses études de couleurs en plein air, elle aime le format carré de 6 pouces. Même dans ces petites œuvres, Marino insuffle beaucoup de physicalité et d'expression, comme on le voit dans Port à Honfleur et Voile de lumière. «La petite taille se prête bien à un travail quelque peu abstrait», dit-elle. «Ce n’est pas laborieux, donc mes notes sont fraîches et propres. Je suis capable de mesurer la distance et de tisser rapidement des couleurs sur cette petite plate-forme. "

Marino utilise l'analogie du tissage tout au long de son application de couleur pastel, car elle trouve son inspiration dans ses souvenirs de beaux textiles, en particulier d'Angleterre et d'Italie, qu'elle a également incorporés dans des projets de design d'intérieur pour des clients.

Un processus personnel et physique

L'artiste peint souvent des œuvres plus grandes dans son atelier du sous-sol «pas trop grand, mais pas de la taille d'un dé» où elle a installé trois chevalets: un pour les huiles, un autre pour le dessin et un troisième, un chevalet Santa Fe avec un dépoussiéreur , pour ses pastels. Elle garde plus de 2 800 pastels à portée de main, pour la plupart classés par couleur et valeur, le tout dans des boîtes «empilées comme des soldats», dit-elle. «La quantité de pastels que j'ai est ridicule. Je ne pars pas en vacances, j'achète des pastels! »

Marina de Mears – Eastport (pastel, 12 × 16) par Maria Marino

L'artiste a trouvé un autre outil de peinture dans la musique – des pièces classiques de Chopin et Vivaldi aux styles rock du groupe Yes – qu'elle fait exploser dans son atelier. «Quand j'entends la musique, je vois la couleur et je peux goûter la saturation», dit-elle, «La musique passe à une autre vitesse. Ensuite, c'est comme si je savais instinctivement ce dont une peinture a besoin, et le processus continue jusqu'à ce que je sois physiquement épuisé. " Elle termine rarement une peinture plus grande en une seule séance. «Si je suis trop fatiguée, ma main devient paresseuse et je suis plus encline à faire des erreurs», dit-elle. «Tout cela devient très personnel et physique pour moi; c’est pourquoi je n’enseigne pas – c’est épuisant. "

On peut imaginer le travail mis dans le Marino Marina de Mears – Eastport, avec sa création de marque descriptive et sa notation intuitive des couleurs. «Les bateaux étaient alignés et si je les dessinais d'un bord à l'autre, cela aurait fait une peinture ennuyeuse», dit-elle. «Ma photo suggérait une sorte de qualité liquide dans l'atmosphère, alors j'ai essayé de capturer l'humidité que nous avons ici dans le Maryland pendant les mois d'été, et comment elle imprègne la coque des bateaux et plonge jusqu'à l'eau.

Tôt le matin de printemps, Giverny (pastel, 26 × 20) par Maria Marino

Une multitude de coups

Une multitude de traits dans une palette à dominante froide contrastant avec une surface aux tons de terre de Sienne capture avec compétence la beauté des jardins aquatiques de Monet dans Tôt le matin de printemps, Giverny. «Je voulais un effet comme celui de Paul Signac (français; 1863-1935), avec beaucoup de ce que j'appelle des« chiffres de couleur »pour y exprimer la magnifique lumière», dit-elle.

Soliloque 2 – Tibre (pastel, 9 × 12) par Maria Marino

Lorsqu'il peint en plein air, l'artiste ne travaille généralement pas plus de 12 × 16 pouces; aller plus grand prendrait plus de temps et, comme elle le dit, "Si vous perdez cette lumière, vous êtes mort." Soliloque 2 – Tibre, peint lors de l’événement en plein air «Paint It» à Ellicott City dans le Maryland, témoigne des capacités d’observation de Marino et de l’enregistrement rapide de la lumière. Ici, les violets ont été principalement réalisés avec des Ludwigs et les marques crémeuses avec des Senneliers.

Comparativement, Marino obtient un effet plus calme et plus silencieux en représentant la côte californienne et son atmosphère chargée d'humidité. Elle résume son objectif: «Il s'agit vraiment de la capacité de créer une réalité plus large. Je veux partager ma mémoire de l'endroit et ce que je ressens émotionnellement de l'endroit où je suis et de ce que je vois – c'est très important pour moi. "

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