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Art et peinture

Worlds of Whimsy: Natures mortes pastel nostalgiques ludiques

Pain à la banane (9 × 12) par Kari Tirrell

À travers leurs peintures réalistes de jouets, de livres et d'autres objets d'antan, trois artistes de la nature morte primés – Kari Tirrell, David Francis et Kathy Hildebrandt – utilisent la fantaisie pour emmener les spectateurs dans une promenade visuelle délicieusement détaillée dans le passé. Le jeu d’enfant n’a jamais été aussi beau.

Dans les détails: Kari Tirrell

Lorsque Kari Tirrell a commencé à peindre dans un style réaliste, elle a reçu de nombreux conseils d'artistes bien intentionnés et plus expérimentés. «Presque tout le monde m'a dit que je devais me détendre», explique l'artiste de Gig Harbor, à Washington. «Et j'ai essayé. Mais j'ai tendance à me perdre assez rapidement dans la peinture et j'aime vraiment peindre tous les détails. Parfois, je joue avec l'idée de créer une série d'œuvres en vrac et de les essayer dans l'une de mes galeries. Je peins si lentement qu’il est tentant de travailler plus vite.

«Mais peindre d’une autre manière n’est pas vraiment fidèle à moi-même. Et cela ressemble plus au travail, et puis je n’aime pas ça », dit-elle. «C’est l’essentiel. De plus, quand je peins vaguement, je pense que mon travail a l'air générique. Je préfère être uniquement moi-même – et peut-être impopulaire – qu’un clone. »

Puzzle du samedi soir (18 × 24) par Kari Tirrell

Composition intuitive

Être fidèle à elle-même implique également de se concentrer sur les objets que Tirrell aime. «J'aime peindre des choses amusantes», dit-elle. «J'aime les objets qui ont du caractère – vieux, usés et maltraités. Réflexions, textures différentes – tout est amusant à peindre. " Après avoir sélectionné ses articles, elle commence sa configuration. «Je suis autodidacte, donc la composition est intuitive pour moi», dit-elle. «Je joue juste avec les objets jusqu'à ce que la composition soit correcte.

"Si c'est une de mes peintures enchevêtrées, comme Puzzle du samedi soir (ci-dessus), par exemple, il doit y avoir un bon équilibre des couleurs. Je fais attention à l'endroit où mes yeux rebondissent et je m'assure que rien ne dépasse et n'attire trop l'attention. Je suis très pointilleux sur la composition, c'est donc toujours un processus qui prend du temps. »

Un poisson hors de l'eau (12 × 9) par Kari Tirrell

Lumière, caméra, action

Le travail de composition de Tirrell est établi principalement à travers la photographie et Photoshop. «Je préfère obtenir la composition exactement comme je le souhaite pendant le processus de photographie. Je prends vraiment mon temps avec ça, mais parfois il est encore nécessaire d’apporter des changements pendant que je peins », dit-elle.

L’éclairage est un facteur critique de la composition de Tirrell. «Je considère tout, comme la texture, la ligne, la valeur et la couleur. Mais je pense que l'éclairage est probablement le plus important », dit l'artiste. «Tout objet peut être rendu intéressant avec le bon éclairage. Un poisson hors de l'eau (ci-dessus) est un bon exemple. Deux sources d'éclairage différentes suffisaient. »

Lorsqu'une peinture entière doit être remplie de détails, Tirrell travaille d'un bout à l'autre de la surface Sennelier La Carte avec ses pastels Terry Ludwig, créant des zones complètement finies pendant qu'elle peint. Elle compte sur les crayons pastel pour le mélange et les bords, mais elle n’est pas particulière à la marque; elle est plus préoccupée par la couleur.

La patience rend parfait

Tirrell s'efforce d'obtenir une couleur et une valeur précises lorsqu'elle peint. «Parce que la peinture est essentiellement finie au fur et à mesure, j'ai besoin qu'elle soit aussi proche que possible de la perfection», dit-elle. «Avec tous ces détails, ce serait un cauchemar de devoir revenir en arrière et ajuster la valeur ou la couleur une fois la peinture terminée. Habituellement, je n'ai pas de problème, mais il y a de rares occasions où je suis à mi-chemin d'une peinture et que je trouve une combinaison de couleurs que j'aime mieux que quelque chose que j'ai utilisé précédemment. Je déteste quand ça arrive.

«Les gens disent souvent que je dois avoir une grande patience pour travailler comme je le fais», dit Tirrell. «Je comprends que certaines de mes compositions peuvent être accablantes pour certaines personnes – elles le sont parfois aussi pour moi. Mais je ne les crée pas pour me torturer moi-même. J'aime vraiment le défi. Comme tout le monde, je n’ai besoin de patience que lorsque je suis ne pas apprécier ce que je fais. Si vous n’appréciez pas le processus, quel est l’intérêt de créer de l’art? »

Un petit conseil de Tirrell

«Peindre un réalisme convaincant nécessite de porter une attention particulière aux valeurs. Parfois, il est utile de photographier et de désaturer votre peinture pour s'assurer que la structure de valeur se développe correctement, indépendamment de la couleur. Si vos valeurs sont exactes, la peinture fonctionnera tout aussi bien en niveaux de gris. »

Découvrez plus de travaux de Kari Tirrell sur karitirrell.com.


Histoire de jouets: David Francis

Piege a souris (16 × 20) par David Francis

«Ce qui m'attire dans les articles vintage d'enfance, c'est le sentiment d'un moment plus simple et plus facile», dit David Francis. «J'adore quand quelqu'un regarde l’une de mes peintures et me dit:« Je regarde votre travail et cela me fait sourire. »Le meilleur compliment de tous les temps.»

Le sujet de Francis l'a trouvé en fait plutôt que l'inverse. «Un de mes amis m'a donné quelques vieux jouets, et j'ai adoré la façon dont ils ont« joué avec »», raconte l'artiste à Hudson Falls, New York. «C'est la graine qui a commencé ma recherche de jouets plus anciens, dont beaucoup datent de mes premières années dans les années 1950, dont certains avec lesquels je me souviens avoir joué.

Fantaisie bien-aimée

«Une grande partie de mon sujet m'intéresse parce que cela vient d'une époque de l'enfance où l'imagination faisait partie des jouets autant qu'autre chose», dit Francis. Cela a souvent été stimulé par des histoires. "Lire les grands petits livres (voir Flash Gordon Big Little Book, ci-dessous) ont stimulé l'imagination, et les jouets ont contribué à améliorer l'expérience.

Flash Gordon Big Little Book (7 × 5) par David Francis

L'artiste commence généralement une peinture en mettant en place la nature morte, en sélectionnant avec soin des éléments qui fonctionnent bien ensemble et complètent son concept. Francis se propose de raconter une histoire visuelle à travers ses peintures, comme dans Quand l'imagination a pris son envol (au dessous de).

Pour ce qui est de rendre les arrangements de certaines peintures aléatoires, Francis dit qu'il ne s'agit en réalité que de bricoler la configuration et d'adopter une approche enfantine. "Je n'ai jamais été très soigné et bien rangé quand je grandissais", admet-il, "donc des piles aléatoires de jouets et de livres étaient plus la norme qu'autrement."

L'angle droit

Un facteur que Francis trouve essentiel pour ses natures mortes est l'éclairage. «Je joue habituellement avec plusieurs angles différents pour obtenir exactement ce que je veux», dit-il. Une fois satisfait de la composition et de l’éclairage, il réalise un dessin au graphite sur papier Bristol de la même taille que la surface de la peinture. Il résout tous les problèmes sur le Bristol avant de transférer l'image à Ampersand Pastelbord, sur lequel il fait presque tout son travail.

Après avoir transféré le dessin, il commence généralement à peindre dans le coin supérieur gauche et travaille en bas à droite. "Je suis droitier, donc cela évite que ma main ne touche les zones déjà couvertes de pastel", dit-il. «Je travaille de l'arrière-plan au premier plan pour garder mes bords nets et propres lorsque cela est nécessaire. Je suis également devenu assez bon avec un mahlstick fait maison qui me permet de retourner dans les zones finies si elles doivent être retravaillées. "

Quand l'imagination a pris son envol (16 × 20) par David Francis

Toujours à la recherche

L'un des défis uniques auxquels Francis est confronté lorsqu'il peint des jouets rétro très appréciés est «d'essayer de capturer les surfaces bosselées, souvent rouillées, tout en montrant à quel point ces vieux jouets sont bien fabriqués.

Francis constate qu'il ne manque pas de concepts encore à explorer. «Ces jours-ci, j'ai des idées chaque fois que je passe devant un magasin d'antiquités ou un marché aux puces», dit-il. «Parfois, des idées me viennent à l’esprit pendant que je travaille sur une pièce, puis la recherche commence à trouver les éléments qui correspondent à ces nouvelles idées.

«Je pense que ramener ces bons souvenirs de la jeunesse des gens est l’une des parties les plus satisfaisantes de la peinture du sujet que je fais.»

Francis Moment «Aha»

«En tant qu'artiste qui travaille presque tous les jours, je fais beaucoup de petites percées en cours de route. Mais il y a des moments où je regarde un tableau nouvellement fini et la question, comment ai-je fait cela?, Me frappe. C’est là que je me rends compte que je viens de faire un énorme pas en avant. »

Découvrez plus de travaux de David Francis sur defrancispastels.com.


Un jeu de mots: Kathy Hildebrandt

Fête des animaux (28 × 40) par Kathy Hildebrandt

De nombreuses natures mortes de Kathy Hildebrandt sont basées sur des dictons ou des expressions idiomatiques, la plupart présentant des jouets et des souvenirs de sa jeunesse. «Très souvent, à l'improviste, j'entends un dicton familier, et les roues commenceront à tourner sur des façons dont il peut être interprété visuellement», dit l'artiste de Calgary, Alberta, Canada. «Cela arrive si souvent que, il y a longtemps, j'ai commencé à les écrire.»

Si vous regardez de près Coup de claque (ci-dessous), par exemple, la signification du titre devient évidente par les objets présentés – les personnages de bandes dessinées se giflant, la tequila, le citron vert, la salière et le verre à liqueur. Mettez-les ensemble et vous obtenez coup de claque. «À quelques reprises, j’ai été présente pour voir le moment‘ aha ’sur le visage d’un spectateur quand il regarde un titre, et les objets du tableau ont soudain un sens», dit-elle.

Hildebrandt trouve qu'elle est attirée par la nature morte parce que «je peux raconter l'histoire de la manière et dans le temps qui me conviennent», dit-elle. «Peindre des jouets, des bonbons et des souvenirs me convient parfaitement et me fait sourire. J'ai suffisamment d'idées et d'accessoires pour me permettre de continuer pendant très, très longtemps.

Boutique Slap (26 × 20) par Kathy Hildebrandt

Une nature morte complexe

Une fois qu’Hildebrandt a une idée en tête pour un tableau, elle ne fait pas de croquis ou d’études préliminaires. Au lieu de cela, elle s'appuie sur la vision qu'elle a pour la configuration initiale, puis passe des heures à obtenir le bon arrangement et l'éclairage. «J'ajoute, déplace ou supprime constamment des éléments», dit-elle. «En conséquence, je me retrouve souvent avec une nature morte très complexe. J'essaie de m'assurer d'avoir une variété d'articles qui diffèrent par la texture et la taille tout en contribuant au thème de la peinture. Je photographie fréquemment la configuration et la vérifie sur mon ordinateur jusqu'à ce que je sois convaincue d'avoir une composition forte et intéressante. " Elle utilise Photoshop et FastStone pour visualiser la nature morte et l'éclairage, et pour déterminer comment elle souhaite recadrer la composition.

«En raison de la taille de mon studio, je travaille à partir de l’image numérique de mon ordinateur, mais je garde toujours les objets à portée de main pendant que je peins», dit-elle. Une fois qu'elle a choisi la photo à partir de laquelle travailler, Hildebrandt fait un dessin détaillé qu'elle transfère sur son papier. En travaillant de haut à gauche en bas à droite, l'artiste complète généralement un article à la fois sur un papier à dents fin comme UART 600 ou 800, PastelMat ou Sennelier La Carte. Sur de plus grandes surfaces, comme les arrière-plans ou les grands objets, elle fait généralement une sous-peinture à l'alcool. Ses pastels préférés sont Mount Vision, Unison et Terry Ludwig, en particulier l'aubergine. Pour les détails et les objets plus petits, elle utilise des crayons pastel, préférant CarbOthello et Derwent.

Crash Landing (12 × 16) par Kathy Hildebrandt

Réel (istic) amusant

Hildebrandt dit que l'un des plus grands défis de peinture auxquels elle est confrontée est de capturer les différentes textures des différents objets. «Contrairement à mon paysage ou à mon travail figuratif», dit-elle, «une seule de mes natures mortes peut contenir du bois, du cuir, du tissu, du plastique, du verre, des personnages, etc. Toutes ces textures doivent être représentées avec précision pour conserver l'aspect réaliste que je recherche.

«Je suis une personne très soucieuse du détail», poursuit-elle, «donc pour moi, travailler de manière réaliste est une manière naturelle d’exprimer ma créativité. Je ne pense pas que mes natures mortes auraient le même impact émotionnel sur les téléspectateurs si elles étaient réalisées dans un style plus impressionniste.

«Les gens peuvent regarder mes tableaux et voir immédiatement les choses exactement comme ils s'en souviennent», dit-elle. «Je pense que la reconnaissance instantanée déclenche la réponse émotionnelle à mon travail.»

Un petit conseil de Hildebrandt

«Voir des morceaux de la surface du papier à travers là où je ne les veux pas peut me rendre fou. J'ai trouvé que les sous-peintures à l'alcool, en particulier dans les arrière-plans, peuvent les éliminer rapidement et facilement. J'utilise également des sous-peintures pour définir de petits détails, tels que des lettres, afin de pouvoir peindre de plus grandes zones sur ou autour d'eux. Je peux alors les rétablir beaucoup plus facilement. »

Pour en savoir plus sur le travail de Kathy Hildebrandt, visitez kathyhildebrandt.com.


Beth Williams est rédactrice en chef de Journal au pastel – et a toujours tout d'elle Betty et Veronica bandes dessinées de l'enfance.

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